Brendel: a excelência no piano

Foi uma despedida inesquecível: Alfred Brendel esteve hoje em Lisboa, na Fundação Gulbenkian (Grande Auditório, 19h00), para uma das últimas performances daquela que será a sua derradeira digressão — faltam seis concertos, quatro na Alemanha e dois na Áustria (Musikverein, em Viena, dias 17 e 18 de Dezembro). O menos que se poderá dizer é que Brendel se despede dos espectadores no auge da excelência que o transformou num dos nomes maiores do piano, na segunda metade do século XX. Haydn, Mozart, Beethoven e Schubert (com a Sonata para Piano em Si bemol maior, D. 960) foram as suas escolhas para voltar a expor uma profundidade tecida de contenção e infinitas nuances. Nem mesmo as "tradicionais" tosses do público (que o levaram a recomeçar o segundo andamento da peça de Schubert) contrariaram o espírito de apoteose e consagração do evento — mais do que um momento alto na temporada 2008/09 na Gulbenkian, este é um concerto para a história.

>>> Site oficial de Alfred Brendel.

DVD Beaver: um caso exemplar

Como é que as edições em DVD são tratadas na Net? Que pedagogia (ou falta dela) aí podemos encontrar? — este texto foi publicado no Diário de Notícias (29 de Novembro), com o título 'Virtudes do DVD'.

Muitas vezes se diz que os extras dos DVD são supérfluos e formatados. É verdade: já não há muita paciência para realizadores e actores a proclamar que foi muito bom trabalharem uns com os outros... Ao mesmo tempo, há que reconhecer que alguns desses extras, sobretudo quando ligados a filmes mais ou menos desconhecidos, constituem salutares exercícios de iniciação a temas específicos do cinema, do modo de construir uma cena até às relações actor/realizador. Assim, há todo um novo público cuja formação está a passar menos pelas salas (que pena...) e mais por esse tipo de edições, empenhadas em valorizar as virtudes de um espectador mentalmente disponível, curioso e informado. Daí que surjam sites como o DVD Beaver que apostam, não apenas na divulgação, mas também na análise técnica e formal, desde a qualidade da transcrição das imagens aos sistemas de reprodução sonora. Eis um bom exemplo de uma visão do cinema que contraria o espontaneísmo que domina na Internet: o cinema é uma coisa complexa e merece ser tratado como tal. Se o futebol pode ser, por que não os filmes?

Sentir e pensar o mar

Clássicos do século XX - 7
'La Mer', Claude Debussy
(1905)

O “rótulo” impressionista é muitas vezes aplicado para descrever a música de Claude Debussy (1862-1918). E frequentemente associa-se esta ideia a uma eventual tentativa de, sem pincéis nem tintas, mas com notas e instrumentos, pintar com o som... Na verdade, e como o próprio explicou, Debussy desejava para a sua música “uma liberdade que pode alcançar mais que em qualquer outra das artes, não se limitando mais ou menos à reprodução exacta da natureza, mas procurando as correspondências entre a natureza e a imaginação”. Daí que, como explica Paul Griffiths nas notas que acompanham uma das gravações de La Mer por Karajan, esta sua marcante obra não seja música sobre o mar mas, antes, um registo de sensações e pensamentos motivados pelo mar... São muitas as gravações desta obra disponíveis em disco. A capa que ilustra o post representa a primeira gravação de Herbert Von Karajan (com a Filarmónica de Berlim), em 1964. La Mer partilha aqui o espaço gravado com Prélude à L’aprés Midi d’un Faune e com música de Maurice Ravel, contemporâneo de Debussy.

Debussy é um dos primeiros grandes inovadores da música do século XX. Filho de uma família sem grandes meios, começou a estudar música aos 12 anos, tendo em vista uma carreira de pianista. Aos 22 anos ganha um prémio de composição. Viaja pela Europa, assimila o que escuta, com particular interesse pelas músicas do Oriente que então começam a chegar a alguns ouvidos europeus, e que mais tarde se revelariam particularmente importantes na definição da sua personalidade enquanto compositor. Foi crítico musical mas a partir de finais do século XIX (compõe o visionário Prelude a L’Apres Midi d’un Faune em 1894) a composição chama definitivamente a sua atenção. Curioso e pouco dado a aceitar os paradigmas instituídos de uma França musicalmente conservadora em finais do século XIX, entra em 1900 como uma das figuras mais arrojadas do seu tempo. A forma inovadora como abordou vários géneros musicais (da música orquestral à de câmara, com também importante obra para piano), o abandono do rigor formal, a criatividade que demonstrou no desenhar de novas cores orquestrais fez de si uma das primeiras figuras determinantes na construção da música do século XX. A sua obra ainda hoje alimenta a invenção musical. Músicos como os Art Of Noise ou Biosphere criaram discos baseados na memória da sua obra. Marc Almond gravou canções suas. Toru Takemitsu criou uma obra sua a partir de uma reflexão sobre La Mer...

Composto entre 1903 e 1905, as primeiras ideias lançadas em França, as últimas concluídas em solo britânico, La Mer (uma das obras-primas da música orquestral do século XX) teve estreia Parisiense em Outubro de 1905. Hoje é reconhecida como uma das mais marcantes obras orquestrais de Debussy, reflectindo um período de evidente felicidade na sua vida pessoal. Tinha estreado a sua ópera Pelleas et Melissande em 1902, terminado o primeiro casamento e encontrado nova companhia em Emma Bardac (que lhe daria um filho). Debussy resistiu a tratar a obra como uma sinfonia, optando antes por apresentá-la como um conjunto de três esboços sinfónicos.



Imagens do maestro Cláudio Abbado, frente à Orquestra do Festival de Lucerna, interpretando o primeiro andamento de La Mer: De L’aube à Midi sur la mer.

Simplesmente Madonna

Se há objectos sem os quais não é possível fazer a história da música pop, este é, seguramente, um deles: o vestido usado por Madonna no teledisco de Material Girl (dirigido por Mary Lambert, em 1985) — faz parte de uma colecção de peças que vão ser expostas em Londres, em 2009.

Trata-se de recordar a carreira de Madonna através de mais de 300 peças de guarda-roupa usadas nos mais diversos contextos, e também alguns objectos, desde o vestido de noiva da "Like a Virgin Tour" (1985) até ao colar do teledisco de American Pie (1999), passando por mais de duas dezenas de vestidos do filme Evita (1996). A exposição está marcada para o período compreendido entre 21 de Fevereiro e 22 de Março, nas instalações da Old Truman Brewery, estando a respectiva divulgação a cargo da Marquee Capital — o título é simples e eloquente: "Simply Madonna: Materials of the Girl".

A IMAGEM: Christopher Wool, 1992

Christopher Wool

Hole in your fucking head

1992

>>> Exposição em Serralves (até 15 de Março de 2009).

Cristiano Ronaldo: ser e não ser

Que significa estar no centro do turbilhão mediáti-co? Como ser Cristiano Ronaldo? — este texto foi publicado no Diário de Notícias (28 de Novembro), com o título 'Quem é Ronaldo?'.

Na noite de domingo para segunda-feira, nos seus comentários sobre a actualidade futebo-lística, Rui Santos (SIC Notícias) manifestou algumas reticências em relação ao comportamento desportivo de Cristiano Ronaldo na selecção. Em particular, chamou a atenção para aquilo que qualquer espectador de futebol minimamente atento já há muito tinha constatado: Cristiano Ronaldo é um jogador excelente no Manchester United, mas na selecção portuguesa tornou-se uma peça banal de uma generalizada banalidade.
Repare-se: o que gostaria de sublinhar não é tanto a leitura negativa das performances da selecção, afinal sempre sujeitas a legítimas variações subjectivas (por mim, sou dos que consideram que a qualidade da equipa se degradou de forma drástica durante todo o consulado de Luís Filipe Scolari). A questão, aqui, é de outra natureza. Trata-se de acentuar o salutar sentido crítico de uma intervenção que contraria os chavões televisivos e nos leva a reflectir sobre o sistemático empolamento da figura de Cristiano Ronaldo, muito para além das suas evidentes qualidades como jogador.
Tem-se assistido, de facto, a uma verdadeira campanha de “santificação” de Cristiano Ronaldo. É natural que um jogador tão dotado suscite muitos entusiasmos, quanto mais não seja porque ainda é possível gostar do futebol pelo futebol, sem primarismos clubistas ou nacionalistas. O certo é que a corrente fabricação do “mito” Ronaldo promove um trágico vazio de ideias e valores, a não ser esse, deprimente entre todos, de querer que ele seja eleito melhor do mundo “à força”... Repare-se também: não será escândalo para ninguém que ele ganhe esse título. O certo é que os seus “apoiantes”, de tão militantes e insistentes, conseguiram esvaziar de significado aquilo que deveria ser um reconhecimento natural, não o resultado de campanhas de angariação de “votos”.
Creio que Rui Santos fez muito bem em denunciar um ídolo com pés de barro. Esta adulação simplista, para mais “impondo” Cristiano Ronaldo ao público adolescente, está a minar o espaço mediático e, muito em particular, a “vender” aos mais jovens uma visão superficial, caricatural e demagógica do sucesso individual.

E o rock (re)aprendeu a dançar

Poucas bandas conseguiram chamar a si a admiração dos músicos e a aclamação do grande público como os New Order. A sua obra, sobretudo a que gravaram nos anos 80, é hoje aceite como uma das cartilhas de referência da música pop. De resto, não é difícil, ao caminhar entre muitas bandas pop/rock da actualidade, tropeçar entre referências evidentes à memória de 80 dos New Order. É todo esse corpo de canções, editado entre 1981 e 1989, que agora surge numa série de cinco reedições, todas elas em formato de CD duplo, com booklets com novos textos e faixas extras (recuperando lados B de singles, versões longas e remisturas). O conjunto de reedições que agora chega aos escaparates – Movement (1981), Power Corruption and Lies (1983), Low Life (1985), Brotherhood (1986) e Technique (1989) – conta-nos, sobretudo, "a" história da redescoberta do prazer da dança por uma banda nascida no clima sombrio da Inglaterra de finais de 70. Ou, para ser mais preciso, a obra que reflecte como a cultura da música de dança que agitava a Nova Iorque de inícios de 80 chegou à música pop deste lado do Atlântico, gerando uma verdadeira revolução.

O primeiro single dos New Order, todavia, nada fazia antever a agitação que se seguiria. Editado em Março de 1981, Ceremony, assim como o lado B In a Lonely Place, não era mais que uma continuação directa do trabalho com os Joy Division, de cujas cinzas os New Order então nasciam, juntando aos três "sobreviventes" da banda cessante a presença (nas teclas) de Gillian Gilbert. Os temas do single foram ainda compostos com Ian Curtis, surgindo em disco já na voz de Bernard Sumner. Em Novembro, o primeiro álbum, Movement, era a evolução directa da etapa final dos Joy Division, em canções assombradas, mas ainda hoje estranhamente cativantes. O verdadeiro nascimento dos New Order chega como consequência de uma viagem a Nova Iorque, em finais de 1981. É nas discotecas mais entusiasmantes da Big Apple que se deixam encantar pela nova música de dança. O italo disco, o electro, o hi-nrg. Sons que assimilam, cruzam com a sua identidade pop... E a revolução não tardou.
Singles como Everything's Gone Green, Temptation e, depois, o "clássico" Blue Monday mudam, literalmente da noite para o dia, a relação de uma multidão de músicos (e seus admiradores), nascidos em clima urbano e cinzento, com o prazer da música de dança. A obra dos New Order ganhou depois verdadeiro fôlego com a relação que a sua editora (a Factory Records) e os próprios músicos foram criando com a Hacienda, discoteca que faria de Manchester (a cidade-berço da banda) uma capital de acontecimentos na história da música de dança (sobretudo em finais da década de 80).

PS. Versão editada de texto publicado no DN a 27 de Novembro

O teledisco de Fine Time é talvez dos menos evocados entre a obra dos New Order. A canção, editada há precisamente 20 anos, foi usada como single de avanço para o álbum Technique, que seria editado já em 1989. Fine Time é o single em que os New Order reflectem directamente sobre o som da revolução house e acid house que fazia a agenda da novidade entre 1987 e 88. Para uma banda tão intimamente ligada à história recente da música de dança, os novos sons não poderiam passar a Leste das suas atenções.

'Screen Tests' de Warhol em DVD

Alguns dos mais históricos “screen tests” de Andy Warhol vão chegar a DVD em 2009. Com o título 13 Most Beautiful... Songs for Andy Warhol's Screen Tests, o DVD (edição Plexi Films) representa a primeira edição autorizada destes filmes de Warhol. Rodados entre 1964 e 1966, os 13 screen tests que o DVD revela colocam frente à câmara de Andy Warhol figuras como as de Lou Reed, Nico, Denis Hopper, Edie Sedgwick ou Igrid Superstar (na foto). O DVD surge acompanhado por uma banda sonora, criada por Dean & Britta. Nos extras, o DVD apresenta um documentário sobre os bastidores das performances ao vivo de Dean & Britta que geraram este projecto, assim como uma entrevista com ambos os músicos. O booklet inclui breves biografias das figuras retratadas nos screen tests e uma série de ensaios. Haverá uma edição limitada deste DVD (ao preço de 250 dólares), que garante a cada comprador uma reprodução (feita à mão) de uma foto de uma das 13 pessoas aqui retratadas por Andy Warhol. Aqui fica o trailer desta edição:


O trailer, que usa Spoonfull of Fun, de Dean & Britta, mostra, por ordem de entrada em cena: Paul America, Edie Sedgwick, Richard Rheem, Ingrid Superstar, Lou Reed, Jane Holzer, Billy Name, Mary Woronov, Freddy Herko, Ann Buchanan, Susan Bottomly, Nico e Dennis Hopper.

Os Melhores de 2009: 'Mojo'

A revista Mojo já divulgou a sua lista dos melhores álbuns do ano. Em primeiro lugar destacam o álbum de estreia dos Fleet Foxes. Em segundo colocam outra estreia, a dos Last Shadow Puppets. Nas posições seguintes colocam, por ordem decrescente, os álbuns de Paul Weller, Bon Iver, Nick Cave & The Bad Seeds, The Hold Steady, Glasvegas, The Week That Was, The Bug e Neil Diamond. A lista dos álbuns do ano para a Mojo destaca um total de 50 discos.

À volta de Lou Reed

Discografia Duran Duran - 43
'Perfect Day' (single), 1995

Enquanto cruzavam o mundo em concertos depois da edição do Wedding Album, os Duran Duran foram gravando, por diversos estúdios, temas que foram juntando tendo em mente um disco na linha do clássico Pin Ups, de David Bowie, um álbum de versões de temas de referência para os elementos da banda. O álbum, de génese difícil, foi sucessivamente adiado, chegando aos escaparates apenas em 1995. A antecipar o seu lançamento foi escolhida, como single de antecipação, uma versão de Perfect Day, de Lou Reed. A versão é relativamente simples, vincando o tom intimista e nostálgico sugerido pela letra, apostando numa abordagem suave, não muito distante da memória da canção original. Lou Reed, de resto, chegou a falar desta como a melhor versão alguma vez feita de um tema seu... A grande surpresa deste single foi o (então pontual) regresso de Roger Taylor à bateria, após dez anos de ausência. O single, editado em vários formatos (inclusivamente retomando o sete polegadas em vinil), incluiu no alinhamento outras versões não usadas depois no álbum, como Needle and The Damage Done, de Neil Young e o já conhecido Make Me Smile (Come Up and See Mee), de Steve Harley. Editado em Março de 1995, o single teve sucesso mediano, não ultrapassando o nº 28 no Reino Unido.


O teledisco de Perfect Day foi realizado por Nick Egan. O grupo surge num pequeno palco, e aos quatro elementos da formação de então junta-se, na bateria, Roger Taylor. A imagem revela uma opção pela saturação das cores e sobreexposição à luz.

Notícias do Congo

Presente no Congo, a organização Médicos sem Fronteiras tem estado a desenvolver um trabalho que ultrapassa a assistência médica e humanitária. Assim, a MSF criou o site Condition: Critical com o objectivo de publicar testemunhos, fotografias e videos que dêem conta da dramática situação que se vive no leste da República Democrática do Congo. Eis um video, feito a partir de imagens de Cédric Gerbehaye, da agência Vu — é um esclarecedor exemplo do modo como a Internet pode favorecer um modelo específico de exercício documental elaborado a partir da actividade fotojornalística.

"Madagáscar 2": rotina de marketing

Com a estreia de Madagascar 2, ressurge uma interrogação, ao mesmo tempo artística e comercial: será que a animação digital já está a gerar a sua própria retórica? — este texto foi publicado no Diário de Notícias (27 de Novembro), com o título 'Elogio da tradição'.

Há um curioso (e desconcertante) preconceito face aos filmes de desenhos animados: porque são histórias a “fingir”, destinadas aos “miúdos”, nem sequer valeria a pena discutir as suas características... Dito de outro modo: desde que o “boneco” mexa, está tudo bem...
Importa reagir a semelhante ponto de vista, sobretudo face àquilo que parece estar a instalar-se no espaço específico da animação digital. Títulos como Madagáscar 2 são a prova muito clara de que os recursos das novas tecnologias estão a gerar uma rotina de produção em que a criatividade tende a ser substituída pelas efémeras euforias do marketing.
Não que Madagáscar 2 seja um filme “incompetente”. A questão é de outra natureza e torna-se sensível se evocarmos alguns dos grandes filmes de animação dos últimos vinte anos, incluindo O Rei Leão (1994) ou À Procura de Nemo (2003). Por um lado, perdeu-se o gosto por criar verdadeiras personagens: na maior parte dos casos, temos figurinhas que funcionam como elementos de uma banal stand up comedy que, em momentos escolhidos, vêm cumprir o seu número mais ou menos divertido. Por outro lado, os argumentos tendem a ser concebidos (?) como uma mera parada de sketches, um pouco à maneira de um show televisivo.
Daí a nostalgia. Faz-nos falta essa capacidade de inventar outros mundos que, no limite, nos devolvam o sabor da epopeia (veja-se ou reveja-se, justamente, O Rei Leão). Às vezes, até sentimos que o digital pode ser uma limitação: faz-nos falta a “imprecisão” dos traços desenhados pelas mãos humanas.

O amor segundo Skolimowski

Um homem observa uma mulher... Será que tanto basta para sustentar uma história de amor? A resposta é afirmativa, mesmo se o seu autor, o polaco Jerzy Skolimowski, também formulou a mesma dúvida. Para já, digamos, para simplificar, que o resultado — Quatro Noites com Anna — é um dos objectos mais radicais deste nosso ano cinematográfico, um filme capaz de nos devolver a respiração peculiar do cinema como arte de convivência com o absurdo humano e os seus imponderáveis prodígios. Vale a pena escutar o próprio realizador a explicar a sua démarche.

Os novos rostos de Seattle

São naturais de Seattle e foram um dos nomes de quem mais se falou ao longo deste ano. Os Fleet Foxes assinalam agora a recta final de 2008 com mais um single, devidamente acompanhado por novo teledisco. A canção é He Doesn’t Know Why, naturalmente extraída do álbum de estreia Fleet Foxes. A realização do teledisco coube a Sean Pecknold.

Singles e EPs: Papercutz

Ao longo desta semana por aqui estão a passar alguns dos EPs e singles que, editados nos últimos tempos, sublinham o momento de saudável agitação que tem vivido, este ano, o panorama pop/rock português (e suas periferias).

Depois de três EPs, hoje temos em foco um CD single. Trata-se de Ultravioleta rmx’s, que anunciou há alguns meses o lançamento de um álbum de estreia para uma banda (com sede no Porto) que junta dois músicos portugueses a uma vocalista norte-americano. Chamam-se Papercutz e propõem, neste single, variações (ler remisturas) em volta de Ultravioleta, uma delicada canção traçada para voz e filigranas de sons electrónicos. Apesar da alebrtura de horizontes (e geografias) propostos pelas remisturas – assinadas por nomes como Neotropic, Spandex, Signer e The Sight Below – é na canção original que mora o instante mais interessante deste single. Uma canção feita de pormenores, de acontecimentos breves, de pequenos silêncios entre notas tocadas. Um reencontro interessante das electrónicas made in Portugal com vozes cantadas em português, num diálogo que garante um bom efeito de cartão de visita. Afinal essa é mesmo uma das razões pelas quais se fazem singles...

Para ouvir: MySpace

Chega em Janeiro...

Aqui está a capa de um dos discos mais aguardados de 2009. Trata-se de Tonight, o novo Franz Ferdinand. Depois duas capas essencialmente gráficais, eis que os músicos surgem em pessoa.

Blur reunidos em 2009

Damon Albarn confirmou! Os Blur (com Graham Coxon de regresso) vão reunir-se para ensaios em 2009. Só não ficou claro se desses ensaios sairá novo disco, apenas concertos, ou apenas umas tardes bem passadas...

Material DJ

Pianista de formação clássica, Eric Jao faz pose com... um prato para vinyl e um processador de sons. Qual "Dr. Jekyll and Mr. Hyde", Jao tem um alter-ego "monstruoso": o de DJ Enferno. Há uns tempos, Kevin Antunes descobriu-o numa performance, em Orlando. E pergunta-se: quem é Kevin Antunes? Pois bem, nada mais nada menos que o director musical de Madonna para a Sticky & Sweet Tour. Tanto bastou para que a Material Girl o convidasse a integrar a digressão — a história está contada em The Miami Herald, por Michael Hamersly. Força motriz (e solitária) do Live Remix Project, DJ Enferno é uma verdadeira máquina sinfónica, gerando um som que ambiciona novas arquitecturas e sensações. Ei-lo no Studio Mezmor, Nova Iorque (22 Fev. 2007), trabalhando a partir de Another Brick in the Wall, dos Pink Floyd.



>>> DJ Enferno no MySpace.

Springsteen em tempos de Obama

Já está disponível no iTunes a canção de Bruce Springsteen que dará o título ao seu novo álbum (com lançamento agendado para 27 de Janeiro): Working on a Dream. Será, porventura, simbolicamente, o primeiro álbum da era Obama, não só porque Springsteen se propõe cantar as novas crenças e angústias do "American Dream", mas também porque ele foi um empenhado apoiante da campanha do, agora, Presidente eleito — podemos vê-lo, aqui, cantando The Rising num concerto da campanha, dia 4 de Novembro, em Filadélfia.

Arquitectura e pop electrónica

Chamam-se Architecture In Helsinki, são australianos, e têm um novo single. É o irresistível That Beep, que mostra uma evolução evidente no sentido da assimilação de linguagens da pop electrónica (estiveram a ouvir Jean Michel Jarre, entre outros...). O single está, por enquanto, apenas disponível no iTunes australiano. Por aquelas bandas haverá CD em meados de Dezembro. Nos EUA, a edição digital está agendada para o mês que vem. Na Europa, como avisam no seu MySpace, não há ainda datas para o lançamento. Para já ficamos com o teledisco, assinado por Krozm.

Singles e EPs: Samuel Úria

Ao longo desta semana por aqui estão a passar alguns dos EPs que, editados nos últimos tempos, sublinham o momento de saudável agitação que tem vivido, este ano, o panorama pop/rock português (e suas periferias).

Hoje escutamos Samuel Úria em Bruto, o mais recente EP de Samuel Úria, um lançamento Flor Caveira via Merzbau, talvez as duas casas editoriais que, apesar de história anterior a 2008, mais visibilidade justificadamente ganharam em 2008. O disco revela cinco canções e, tanto na capa como na contracapa deixa bem claro o que propõe. “Êxitos improváveis, registos inacabados, folclore rasteiro, baixa fidelidade”... Palavras que, como em jeito de cartão de visita, preparam os ouvidos para o que os espera. E não enganam. O EP, que antecipa um novo álbum agendado para 2009, não é mais que uma colecção de gravações “desalinhadas”. Canções que espelham vários caminhos, opções instrumentais distintas, três produtores diferentes (Tiago Guillul, João Eleutério e o próprio Samuel Úria) e diversos universos referenciais, que satisfazem o prazer de quem gosta de saborear a surpresa a cada faixa que passa, sem contudo perder nunca marcas evidentes de personalidade. Notas soltas, que ora revelam uma petição de princípios (com claro historial de referências) em Teimoso, sublinham uma confessa admiração por António Variações em Ossos do Ofício ou conhecem o seu momento maior em Barbarella e Barba Rala, apresentada como um “rascunho” (que deixa claro que uma boa ideia o é logo que nasce). No fim, a “arrumar” as canções, mais uma boa capa.

Para ouvir: MySpace

Mais um "supergrupo"

E aí vem mais um “supergrupo”… É o que lhe chamam no NME, já que reúne músicos que já tocaram nos Massive Attack, Cocteau Twins, Spiritualized, Echo & The Bunnymen e Goldfrapp. Vão chamar-se The Hookham Boys e para já começam por se mostrar em palco. O grupo é constituído por Damon Reece (Massive Attack, Echo & The Bunnymen, Spiritualized), Alex Lee (Placebo, Suede, Goldfrapp), Sean Cook (Spiritualized), Joe Allen (Strangelove), Jake Drake Brockman (Echo & The Bunnymen ) e Elizabeth Fraser (Cocteau Twins).

A caminho do primeiro álbum

Chamam-se Ipso Facto e delas já aqui escutámos o single de estreia, Harmonise, há alguns meses. Têm novo single entretanto já lançado. É este Six and Three Quarters.

Singles e EPs: João e a Sombra

Ao longo desta semana por aqui estão a passar alguns dos EPs que, editados nos últimos tempos, sublinham o momento de saudável agitação que tem vivido, este ano, o panorama pop/rock português (e suas periferias).

Hoje escutamos a estreia de João e a Sombra que, como se apresentam na sua página no MySpace, “são um conjunto de canções melancólicas e soturnas, cantadas em português, onde se cruzam referências do cancioneiro português com influências modernas e mais alternativas”... É verdade. Se bem que “soturno” não parece ser a palavra mais indicada para descrever o que aqui se descobre. Apesar das sombras, nem por isso deixam de mostrar sentido de humor quando, na mesma página, ao explicar as suas influências, simplesmente indicam: “Fausto, se tivesse ouvido The Cure na adolescência”. Mas nem tudo o que aqui se ouve se esgota nestes dois nomes maiores. Naturais de Almada, João e a Sombra, juntamente com mais três amigos chamados a estúdio, propõem neste EP uma colecção de canções que, de facto, seguem os princípios que parecem definir a sua personalidade. Sombras toldam a toada e as palavras, em canções, protagonizadas por uma voz que sugere fragilidade, que revelam inesperado sentido de espaço, em arranjos não complexos, mas longe de minimalistas. Estamos perante um espaço ainda pouco habitado no panorama musical português dos nossos dias. Um espaço que aceita a determinante herança cantautoral (e de facto Fausto parece ser figura entre todos admirada). Que conhece depois genéticas de algumas tradições pop/rock alternativas (escolas mais sombrias). A elas junta ainda, discretamente, ténues sugestões de assimilação fadista e também pontual travo folk. E, como se escuta em Dia Não, um gosto pela construção de ambientes com uma certa dramaticidade com sabor a artes do palco. Um bom conjunto de ideias, a seguir com atenção... E que podem, no futuro, suavizar o tempero de negrume (sobretudo nas palavras) que por vezes, mais que assombrar as canções, as deixa às escuras... Chamada de atenção ainda para mais um bom trabalho de design gráfico, assim como para o cuidado final no som.

Entre dois mundos

A França tem sido, nos últimos tempos, base de trabalho para algumas das mais estimulantes ideias no cinema de animação. Recorde-se, por exemplo, Persepolis. Ou Valse Avec Bachir (que estreia entre nós em Dezembro). Espreitemos outro caso, recentemente editado no mercado nacional em DVD. Azur e Asmar é como que uma espécie de conto de fadas, mas com tempero árabe. Visualmente é um filme deslumbrante, veiculando uma história que parte do diálogo entre culturas (entre a Europa medieval e o Norte de África) e promove valores humanistas, como a honestidade, a fraternidade e também ao triunfo da razão sobre o preconceito. Na essência acompanhamos dois homens que, em tempos, cresceram juntos numa casa senhorial europeia. “Irmãos”, de certa maneira, um europeu outro árabe. Separados por ordem do “senhor”, que viu com maus olhos o convívio do filho com a ama árabe e o seu filho, acabam reunidos anos depois. O azedume que a separação nunca explicada guardou não os afasta contudo de um sonho que partilham desde sempre: a procura de uma figura fantástica, cujas histórias ouviram em dias distantes... Realização de Michel Ocelot (o mesmo de Kirikou et la Sorcière), o filme usa técnicas de animação digital 3D sobre magníficos fundos cénicos bidimensionais. As imagens procuram um encontro entre um traço contemporâneo (com figuras humanas esbeltas e levemente estilizadas) e marcas da tradição árabe.

PS. Versão editada e acrescentada de texto publicado na revista NS

"Arte de Roubar": que cinema português?

No seu site oficial, Arte de Roubar apresenta-se como um filme de "tiros, golpadas & gajas boas". No contexto português, semelhante estilo promocional arrasta sempre um subtexto: o de que se trata de um filme para atrair multidões às salas de cinema. Face à discreta carreira comercial de Arte de Roubar, vale a pena repor algumas questões, pelo menos tentando pensar para além dos clichés que nos agridem há várias décadas — este texto foi publicado no Diário de Notícias (23 de Novembro), com o título 'Em defesa de Leonel Vieira'.

Foi recentemente lançado nas salas o filme português Arte de Roubar, realizado por Leonel Vieira. Em artigo publicado neste mesmo jornal (8 Nov.), tive oportunidade de expressar um ponto de vista negativo sobre Arte de Roubar, considerando-o um objecto de degenerescência de uma certa tradição popular que, actualmente, possui um padrão de referência no americano Quentin Tarantino e, em tempos a meu ver bastante mais interessantes, passou pelo trabalho do italiano Sergio Leone.
Segundo números oficiais do Instituto do Cinema e do Audiovisual, nas duas primeiras semanas de exibição, Arte de Roubar foi visto por 19.490 espectadores, valor francamente baixo para um filme que estreou em 40 salas. Como termo de comparação, observe-se o caso de um lançamento muito mais modesto (18 salas) como A Turma, de Laurent Cantet: depois de dez dias de exibição, A Turma tinha ultrapassado os 15 mil espectadores; ao fim de três semanas (mantendo-se em apenas 12 salas), consegue um total de 20.524 espectadores .
Conheço bem (há mais de 30 anos, para ser exacto) o modelo de difamação do trabalho crítico que quer fazer crer que quem sustenta uma perspectiva negativa sobre um filme português espera que ela seja “confirmada” pela performance comercial (também negativa) do mesmo filme. Sobre tal estupidez nunca houve muito a dizer, a não ser que escrever sobre cinema é um labor específico, de resultados certamente discutíveis, mas cuja pertinência argumentativa nada tem a ver com índices meramente económicos. Como se, num caso oposto, pudesse fazer sentido menorizar um filme como O Mundo a Seus Pés (1941), de Orson Welles, por ter sido, na altura do seu lançamento, um desastre de bilheteira...
A questão que vale a pena discutir é de outra natureza. Decorre do discurso, implícito ou explícito, que quase sempre acompanha o aparecimento de filmes com o mesmo tipo de “estratégia para o sucesso”. Esses seriam filmes realmente feitos “para o público”, sendo sancionados pelo arrastamento “automático” de esmagadoras multidões. Há mesmo cineastas portugueses que, ao longo dos tempos, foram regularmente insultados por não fazerem filmes “desses”. Manoel de Oliveira [foto] sempre foi um alvo privilegiado dessa cobardia argumentativa, sendo de estranhar que as respectivas vozes tenham, ultimamente, escolhido o silêncio.
Tentar reduzir os muitos dramas do cinema português a uma espécie de causa/efeito entre índices de bilheteira e “legitimidade” para filmar é uma forma de chantagem. Na prática, apenas tem atrasado a análise (e a concretização) de soluções que possam garantir a máxima diversidade de propostas e estilos.
Claro que nenhuma cinematografia pode viver alheada da sua relação com os públicos (no plural, entenda-se, isto é, não esquecendo que os espectadores não são um “rebanho” de comportamentos iguais e repetitivos). Em todo o caso, pretender equacionar os muitos problemas que envolve a criação de uma estrutura de produção minimamente estável apenas através dos números abstractos das salas é empurrar o cinema para um infantilismo político (e de política cultural) que, em última análise, prejudica tudo e todos. A defesa do direito de filmar de um qualquer cineasta (por exemplo: Leonel Vieira) não se pode compadecer com tal infantilismo.

Qual foi (ou é) o melhor James Bond?

Já com algumas semanas de vida em cartaz, 007 - Quantum of Solace já pode ser aqui alvo de alguma reflexão. Este é já o segundo filme com Daniel Craig como James Bond. Por isso mesmo, propomos esta semana que nos ajudem a avaliar qual, dos actores que até hoje vestiram a pele do agente secreto, foi (ou está a ser, já que Daniel Craig ainda se encontra no "activo") o melhor 007... Já agora, num segundo inquérito, pedimos que nos ajudem a avaliar este novo Quantum Of Solace. As respostas podem ser dadas na coluna lateral do blogue, antes da zona dedicada à agenda.

Quem foi (ou está a ser) o melhor James Bond?
Sean Connery (1962-1971)
George Lazenby (1969)
Roger Moore (1973 – 1985)
Timothy Dalton (1987-1989)
Pierce Brosnan (1995-2002)
Daniel Craig (desde 2006)

Como avalia 007 – Quantum Of Solace?
Muito Bom
Bom
Razoável
Fraco
Ainda não vi
Não vou ver

Na hora do renascimento

Os The Killers regressam hoje aos discos com Day & Age, o seu terceiro álbum de originais. Substancialmente distante do tropeção do anterior Sam’s Town, conta com Stuart Price na mesa da produção, recuperando a intensidade pop da estreia em Hot Fuss. O primeiro single é este Human.

Singles e EPs: Blasfemea

Ao longo desta semana por aqui vão passar alguns dos EPs que, editados nos últimos tempos, sublinham o momento de saudável agitação que tem vivido, este ano, o panorama pop/rock português.

Hoje escutamos BLSFM EP, o disco que assinala a estreia dos Blasfemea, um colectivo da Amadora que afirma identidade entre heranças várias, do punk ao pós-punk, convocando ainda o pragmatismo de algumas ferramentas electrónicas. Apostam numa personalidade rock’n’roll e não escondem um gosto pelo convite à dança. A própria agenda publicada no MySpace da banda mostra um partilhar de marcações entre palcos e DJ sets, divisão de tarefas que, de certa forma, já dialoga entre si nas canções que entretanto já gravaram. Comecemos pelas boas notícias. A colecção de cinco canções, que ecoam várias das suas influências, piscando mesmo o olho a I Wanna Be Your Dog, dos Stooges, revela um corpo bem estruturado, não sendo certamente estranho a este facto a segura presença em estúdio de Rui Maia, dos X-Wife, que assina a produção. A capa do disco é mais um exemplo de uma boa ideia de design que sabe entender o som que “embrulha”. As más notícias nascem se olharmos depois para o relógio e repararmos na data: finais de 2008. O que teria sido uma ideia plena de oportunidade, capaz de marcar o tempo, chega com, pelo menos, um par de anos de atraso... O entusiasmo com que se revisitaram heranças punk e pós-punk esvaiu-se, pelo mundo fora, nos últimos dois anos... Não foi silenciado (nunca o será). Mas o gume do gosto pela invenção mora agora noutras paragens. Pelo que, mesmo com uma mão cheia de boas ideias, o EP não terá hoje o impacte que teria certamente causado noutro tempo. Contudo, para uma banda que parece segura da sua personalidade e que parece ter dominado o desafio do estúdio, este poderá ser um problema menor. Sobretudo se, para o passo seguinte, souberem mostrar como, sem renegar uma identidade, mostrar novas formas de abordar um mundo de referências tão cativante quanto o é aquele que partilham.

Para ouvir: MySpace

Em conversa: Carlos do Carmo (5/5)

Terminamos hoje a publicação da versão integral de uma entrevista com Carlos do Carmo publicada no DN a 17 de Novembro, data que assinala o lançamento da antologia “Fado Maestro”, que celebra os seus 45 anos de carreira.

Há discos que ainda gostasse de fazer?
Gostava de fazer um disco de fado jocoso. Falar daquilo que se passa em Lisboa. O Fado dos Contentores... O perder da vista do Tejo... São ideias malucas, mas o fado é isto... Apeteciam-me muito cantar uma dezena de factos a falar dos mamarrachos, a contar histórias dos prédios que estão vazios ou onde vivem apenas duas pessoas. Mas sem um ar dramático. Mas para nos rirmos de nós próprios. Acontece que não sou poeta. E não tenho cá o Ary. Se houver aí um tipo que tenha jeito para isso e se disponha a isso, vamos aí... O fado é camaleónico. Está sempre a adaptar-se às épocas. E isto era o que eu ouvia os ceguinhos a cantar no bairro da bica. Cantavam as histórias do dia a dia... Então o que é o que o Carlos do Carmo vai cantar hoje? Vou cantar o Fado dos Contentores... Com todo o respeito pelos Contentores dos Xutos...

Depois de um certo afadtamento, o que fez que os portugueses se reencontrassem com o fado?
O gosto...

E como renasce esse gosto? Levou tempo...
Cansaço... Depois houve um momento... Lá passaram os anos 80, foi-se fazendo o processo, devagarinho... Mas a rádio pública não toca fado... E muitas outras rádios não tocam fado. Então isto tem muita piada, porque nos topes, alguns dos discos que mais vendem são de fado. E os espectáculos estão cheios... É muito engraçado.

Foi importante o aparecimento de uma nova geração de fadistas?
Naturalmente. Mas se houve momento crucial, ele foi a morte da Amália. É um momento de ruptura... Algo desapareceu fisicamente. E ao ter o mediatismo que teve, durante uma semana não se falou em mais nada nos jornais, os miúdos foram ouvir os discos da Amália que as mães tinham...

Porque há sobretudo vozes femininas na actual geração?
São ciclos. Um ciclo feminino... Quando morreu o Marceneiro houve um ciclo de homens. O fado tem estas histórias curiosas.

Falta ensinar curricularmente o fado em Portugal?
Acho que sim. E estou convencido que o trabalho que está a ser feito no sentido da candidatura do fado a património imaterial da UNESCO, em 2009, se nos correr bem vai mudar coisas. Vai haver regras.

O público redescobriu o fado. Mas ainda há muito desconhecimento. Porque sabem os portugueses tão pouco sobre o fado?
Terá a ver com a nossa falta de auto-estima? Ou com aquela ideia que, quando qualquer coisa não corre bem, lá se diz que é o nosso triste fado...

Mas o fado é triste?
Se as pessoas fossem informadas saberiam que há o fado corrido. O fado dançado... Não, é o nosso triste fado!

Colaborou e conviveu em anos recentes com figuras de espaços musicais bem diferentes do fado, como um Pedro Abrunhosa ou um Sam The Kid...
Estamos a falar de pessoas de grande talento. O Pedro é uma pessoa de talento. Aquela sua ideia de conservar o seu bairrismo... O homem do Porto que continua a ser do Porto. E o Sam é um miúdo giríssimo.

O fado pode ganhar muito ao escutar estas contribuições que chegam de músicos outras áreas?
Penso que sim. A Naifa?... O Varatojo toca bem e a miúda canta... Ainda não estou muito por dentro destes novos, os Deolinda... Ainda não sei avaliar. Não são coisas que me choquem. Pelo contrário, acho piada.

E um Paulo Bragança?
O Paulo, quando apareceu foi, do ponto de vista masculino, uma grande revelação. Era uma imagem e a forma de cantar. Havia quem se impressionava por ele cantar descalço... Porquê? Apetecia-lhe cantar descalço? Cante! Cada vez mais percebo o [Carlos] Saura, que chamou ao filme Fados. Não é fado – Fados!

O “s” faz alguma diferença?
Uma grande diferença! Toda a diferença. Temos o Caetano a ir a um registo almaliano, depois a miúda cabo-verdiana, e a Lila Downs a cantar Lucília do Carmo, que é uma delícia... A Argentina... Aquele momento mágico da Mariza com o Poveda. Não é o fado. São fados.

O Museu do fado, de resto, também sublinha essa diversidade.
E agora de que maneira! Dez anos depois aprendemos algumas coisas. Quando se constituiu as primeiras reuniões faziam-se em autêntica colaboração. Um levava um livrito, outro dois ou mais um disco... E em dez anos é extraordinário o que se investigou!

Vai deixar coisas suas ao museu...
É verdade. Excepto alguma ou outra coisa pessoal que fique para filhos e netos.

Porquê o Museu do Fado?
É o espaço certo.

O seu último disco, À Noite, teve uma edição em vinil...
Há várias razões para o explicar. Uma delas a música. Mas outra é o facto de poder dar ao retrato do Pomar uma possibilidade de ser visto com outra dimensão. E lá vão comprando...

Obama em blog e na rádio

Com impressionante agilidade, a máquina eleitoral de Barack Obama tem estado a converter-se num instrumento precioso e sofisticado da sua estratégia presidencial. Assim, por exemplo, numa das páginas do site oficial do Presidente eleito está alojado um blog que acolhe, sobretudo, informação ainda reminiscente da campanha ou divulga as actividades correntes de Obama e Joe Biden. Entre as imagens disponíveis surge um video que antecipa, desde já, uma rotina presidencial: a comunicação semanal via rádio — eis a gravação deste sábado, dia 22, comentando a "crise económica de proporções históricas" e anunciando um plano visando a manutenção e/ou criação de dois milhões e meio de empregos até Janeiro de 2011.

Viagem digital à Roma de Constantino

O Google Earth apresenta agora, entre o seu menu de possibilidades, um convite para uma viagem pelas ruas de Roma, no ano 320 d.C., nos tempos em que era governada por Constantino I. A reconstituição em três dimensões foi criada a partir do modelo físico da capital imperial reconstruído por estudos arqueológicos entre os anos 30 e 70 do século XX. Neste modelo a cidade estende-se por uma vasta superfície, mostrando mais de 6700 casas. Foi a maior cidade do seu tempo. E, de resto, só seria ultrapassada pela Londres vitoriana, largos séculos depois. O modelo digital é assim um complemento a qualquer visita à cidade, da qual restam hoje apenas 300 ruínas. Na imagem que abre o post vemos a reconstituição do fórum, com edifícios que hoje, apesar de em ruína, ainda são visitáveis.

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Habitações no Palatino, nas imediações do palácio, com vista sobre o Circo Máximo

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O Circo Máximo, no sopé da colina do Palatino, que albergava o Palácio Imperial

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O Coliseu, por detrás do aqueduto
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As insulae, prédios de habitação urbana.
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Este é o vídeo promocional de apresentação deste novo “serviço” do Google Earth. O clip abre com um plano que sugere uma descida da encosta desde o Palatino até ao Fórum, no coração da cidade. As imagens revelam depois o interior das duas grandes basílicas que ladeavam o fórum, o Circo Máximo, o Coliseu, o arco de Constantino...

Um organista com alma pop

É verdade que já passaram alguns anos desde que o look menos canónico do violinista Nigel Kennedy mostrou que a música clássica também podia gerar estrelas “pop”... Os escaparates das novidades foram-se habituando a visuais menos comuns. Mesmo assim, o organista Cameron Carpenter consegue chamar a atenção pela forma como se apresenta, antes mesmo de ouvirmos sequer uma nota tocada. Camisolas e calças justas, sapatos em bico, penteado “modernaço”... Usam-se, quando de sei se fala, expressões como “maverick”, invulgar ou mesmo controverso. E Revolutoinary, o primeiro álbum que edita pela Telarc, pelo menos não passará despercebido.

Cameron Carpenter (n. 1981), estudou na Julliard School e hoje é o organista residente da Middle Collegiate Church, no East Village, em Nova Iorque. Aí tem a seu cargo um novo orgão virtual (ou seja, que usa tecnologia digital), que ele próprio concebeu em função das características acústicas da igreja, e que hoje substitui o que ficou substancialmente danificado pela poeira levantada pela derrocada das torres gémeas, no 11 de Setembro de 2001. Virtuoso, revela também na sua relação com o orgão uma postura atlética (sobretudo no trabalho com a pedaleira). O trabalho aqui registado esconde, de resto, as horas que passa no ginásio. Há dois anos, a sua estreia nos discos fazia-se com Pictures at an Exhibition (na SeeMusic), no qual juntava um arranjo novo para a obra de Mussorgsky à sua improvisação apresentada como New Yorc City Sessions. Agora, Revolutionary confirma o que o primeiro álbum sugerira: uma vivência herdeira de tradições, mas firme na vontade de expressar uma personalidade que traduz um tempo e um lugar. O disco junta duas peças suas (uma delas uma homenagem a Klaus Kinski) a arranjos para orgão solo de obras de Liszt, Bach ou Chopin (do Étude Op. 10 Nº 12 em dó menor (Revolucionário) de resto, nascendo o título do álbum).


Cameron Carpenter interpreta aqui o Étude Op. 10 Nº 12, de Chopin (também conhecido como Revolutionary). As imagens pertencem a um DVD editado em conjunto com o álbum.

Em conversa: Carlos do Carmo (4/5)

Continuamos a publicação da versão integral de uma entrevista com Carlos do Carmo publicada no DN a 17 de Novembro, data que assinala o lançamento da antologia “Fado Maestro”, que celebra os seus 45 anos de carreira.

Até que ponto a escolha de quem assina os poemas é determinante na criação de um disco?
Seja do que for na vida, gosto de gostar. E o gostar de gostar está ligado às pessoas e tem uma imagem de apreço. Em tempos ia ao Chiado engraxar os sapatos por um homem que era um artista. Na questão do repertório, fui conseguindo essa coisa mágica que foi o aprofundar de relações. Não teria sido possível eu cantar os 32 ou 33 trechos do Ary dos Santos se não tivéssemos tido a amizade que tivemos um pelo outro. Eu ainda não tinha aberto a boca e o Ary já sabia o que eu ia dizer. Ele estava a escrever um verso de que eu não gostava e já estava a rasgá-lo antes de eu o comentar. Às oito horas da noite o Ary ligava aqui para casa e falava meia hora com a minha mulher, depois dez minutos com os meus filhos e mais cinco comigo. Era uma família prolongada, fruto da sua solidão.

Trabalhou com vários outros autores...
O meu velho Frederico de Brito visitava-me na casa de fados... Tomava um Nescafé e um bagaço. Sentava-se num cantinho do bar e começava a conversar. Contava as histórias mais incríveis sobre o fado. O que me contou dos anos dez e vinte... Tenho isso gravado... São coisas que doarei ao museu do Fado. Depois dizia-me que gostava de explorar os meus graves. "Canooooa"...O Fernando Tordo, quando escreve um fado para mim, do princípio ao fim, aquela voz naquele momento certo... E se durante o teste eu tiver um rasgar de voz, um grito, ele faz a alteração ali na hora. O Paulo de Carvalho canta nos mesmos tons que eu canto. Ele está em casa... O José Luis Tinoco é outro caso. É um homem de uma música mais elaborada. É um perfeccionista e nunca está satisfeito... E veja-se o António Victorino d’Almeida. É uma pessoa que toca maravilhosamente o piano. Mas percebeu que nós, fadistas, temos uma maneira esquisita de trabalhar com os tempos. Estamos sempre ao lado... E não é que ele goza com isso (no melhor sentido)?

Tem uma discografia, mas sabe que há alguns discos que ficam registados na história...
Aí, são vocês que os escolhem...

Por exemplo Um Homem na Cidade e Um Homem no País...
E falta o terceiro... Um Homem no Mundo. Mas quando for ter com o Ary acabamo-lo... Eram três discos. Ele morreu... E faltou esse.

Porque são esses discos tantas vezes destacados?
A própria conjuntura ajuda... Se olharmos para o livro do Rui Viera Nery percebemos que a contextualização do fado, a circunstância em que as coisas estão a acontecer, tem importância.

Começa a carreira ainda sob o regime de Salazar. A mudança dos contextos políticos ressentiu-se no fado?
Acho que isso aconteceu desde sempre. Gostava de mais uma vez dizer que, pessoalmente, eu não fui afectado. Não tive quebra de vendas de discos nem de espectáculos. Mas o fado, sim. A esquerda radicalizou as coisas de uma forma tal que às tantas parecia quase absurdo o que se estava a passar. E eu perguntava a outras pessoas de esquerda, como eu, que me dessem uma boa razão para eu deixar de cantar o fado. E ninguém ma dava. “Ah, mas tu é tu”... Diziam alguns... Mas eu não sou o fado! Há fados de que gostamos e outros de que não gostamos... Não vamos é demonstrar ignorância. E porquê ignorância? Nos anos dez e vinte o fado tem um período brilhante em que as pessioas que escrevem para o fado escrevem a melhor poesia popular da Europa! E eram fascistas? Nos anos dez e vinte? Eram comunistas? Não... E este processo lento e meio complicado criou grandes ressentimentos. A classe fadista ficou muito ressentida. Ainda hoje se sente entre alguns mais velhos um grande ressentimento. E eu tentava fazer de pacificador.

Era difícil essa posição de pacificador?
Era um lugar isolado.

Não faria sentido era não deixar clara a sua posição política num tempo em que todos o podiam fazer...
Seria para mim a negação da vida. A ideia era darmos um passo para a construção da liberdade. Não faria sentido termos a liberdade e, para não desagradar a umas senhoras ou senhores, dizer que a minha política era o trabalho... As pessoas tomam as suas posições. Bem ou mal... Cantar o fado em liberdade é muito bom.

Foi o que fez nessa altura. Reflectiu o país no que cantou...
Mas sem dar recados...

Que acontecia em algum canto de intervenção...
Que também era legítimo, com grandes cantores de intervenção. Alguns deles vivos, com um belo trabalho feito. Mas quando o Ary estava escrever um fado que resvalava para aí, dizia-lhe que já me estava a por na boca aquilo que não queria dizer... Ele perguntava se eu estava ficar reaccionário...Nada disso! Sou fadista e tenho de cantar na minha área. Dizia-lhe que teríamos de fazer fados que, daí a 30 anos, as pessoas não dissessem de que ano eram. Ele percebeu..

(conclui amanhã)

A IMAGEM: Steven Klein, 2005

Steven Klein
Angelina Jolie e Brad Pitt
W Magazine/Julho 2005

"Os Contemporâneos": delícias da crise

Depois de alguns desequilíbrios pontuais — embora nunca abdicando da singularidade do seu humor —, Os Contemporâneos parecem ter encontrado a sua velocidade de cruzeiro. Que é como quem diz: uma cuidadosa mistura de atenção crítica à actualidade, explora-ção/desmontagem das convenções televisivas e algumas descon-certantes pontuações do mais genuíno absurdo. Mesmo havendo alguns momentos fulgurantes dispersos por outras edições, a do dia 20 de Novembro terá sido das mais equilibradas e acutilantes. Destaco, aqui, o quadro sobre as delícias paradoxais da crise, ou melhor, a militância masoquista do seu sofrimento. Observe-se, além do mais, o rigor de tratamento e composição do espaço, valor todos os dias tão vilipendiado nos mais diversos formatos televisivos.

"Brideshead": memórias televisivas

A estreia de uma versão cinematográfica do romance de Evelyn Waugh, Reviver o Passado em Brideshead, trouxe inevitáveis memórias da série televisiva do começo dos anos 80, com Anthony Andrews e Jeremy Irons [foto] — este texto foi publicado no Diário de Notícias (21 de Novembro), com o título 'Nostalgia de Brideshead'.

Com a recente estreia, nas salas de cinema, do filme Reviver o Passado em Brideshead, ressurgiram muitas memórias mais ou menos nostálgicas da série homónima adaptada do romance de Evelyn Waugh. De facto, em 1981, os onze episódios de Reviver o Passado em Brideshead constituíram um verdadeiro fenómeno internacional, aliás contribuindo decisivamente para o lançamento da carreira do actor inglês Jeremy Irons (no mesmo ano em que protagonizava A Amante do Tenente Francês, ao lado de Meryl Streep).
Talvez esta seja uma evocação inevitavelmente nostálgica que, em boa verdade, a possível revisão da série em DVD não preenche. Porquê? Sem dúvida porque é imperioso sentir que o impacto de produções como Reviver o Passado em Brideshead correspondia a uma maneira peculiar de manter uma postura de interesse e disponibilidade em relação à programação televisiva, bem diferente dessa atenção flutuante que, agora, nos faz oscilar entre a expectativa de assistir ao episódio certo no horário previsto (coisa que não está automaticamente garantida...) e o recurso conformista ao “vejo quando sair o DVD”.
Não que eu queira definir a década de 80 como o “paraíso perdido” da televisão (nostalgia por nostalgia, preferia recuar ainda mais e escolher os anos 60). Nem se trata de esquecer a fascinante vitalidade que passou a distinguir o espaço específico das séries de televisão. A questão é de outra natureza. Em última instância, tem a ver com a nossa capacidade de relação com os objectos audiovisuais, num misto de expectativa e compromisso mútuo.
Que mudou, então? Pois bem, o próprio interesse das televisões generalistas por este género de produtos, na maior parte dos casos empurrados para espaços secundários e horários marginais, favorecendo sempre a banalidade repetitiva das telenovelas e seus derivados, dominantes nos horários nobres. Ao estrear o filme Reviver o Passado em Brideshead, pensei que um canal de televisão poderia aproveitar para repor a série, precisamente em horário nobre. Numa fracção de segundo percebi que, além de nostálgico, estava a ser irremediavelmente ingénuo. Problema meu, como é óbvio.

Os 40 anos do disco branco

Em 1968 o rock’n’roll acordou do garrido e inspirador sonho caleidoscópico em que vivera entre 1966 e 67, e acordou perante os pesadelos do mundo real. O Vietname em guerra e os protestos pela paz. As mortes de Luther King e Robert Kennedy a assombrar um ano eleitoral americano que termina com a primeira vitória de Nixon. A resposta totalitária e implacável à breve “Primavera” em Praga. O fim derrotado (apesar das conquistas entretanto lançadas para sociedade) dos que saíram às ruas de Paris, no mês de Maio...
Os pesadelos chegavam do mundo em seu redor, mas também de dentro do próprio universo do rock’n’roll. Os Pink Floyd perdiam Syd Barrett. Brian Jones dava o seu último concerto com os Rolling Stones que entravam em nova etapa de vida ao som de Beggars' Banquet. Os Beach Boys viviam na pele um ano de desaire, com evidente fuga de velhos admiradores para outras paragens. Enquanto isto, em Londres, os Beatles apresentavam um novo álbum. A 22 de Novembro. Faz hoje 40 anos.
A história do disco começa alguns meses antes. Em Maio de 1968, depois de chegados de uma temporada na Índia (em meditação com o Maharishi Mahesh), reúnem-se em casa de George Harrison para trabalhar. Gravam 23 maquetes e definem o caminho para o que seria um novo disco. Acabaria por se chamar simplesmente The Beatles. Seria um álbum duplo, e um dos mais importantes da sua obra. Mas os quatro músicos sentiram, ao gravá-lo, que era o princípio do fim. Como reacção ao excesso de informação de Sgt. Peppers (de 1967), optaram por uma simples capa branca, aí nascendo o nome White Album (o tal Álbum Branco) pelo qual ficou conhecido.
O disco revelava uns Beatles mais versáteis que nunca, num alinhamento de grandes canções (como Back in the USSR, Savoy Truffle, ou Dear Prudence) que ia das mais discretas baladas ao mais intenso hard rock. Não faltavam motivos para aclamar, novamente, uma banda que escrevia a história... Mas poucos imaginavam quão assombrado todo o projecto nascera. Com apenas uma canção de Lennon e McCartney verdadeiramente escrita a dois (apesar de todas serem co-assinadas), o disco revelava uma evidente separação de interesses. Paul cantando essencialmente o amor, John ensaiando um registo mais crítico e aguerrido. George e Ringo também presentes como autores.
Primeiro disco gravado depois da criação da Apple Corps, era um álbum feito por músicos que agora também eram empresários. A morte de Brian Epstein e a presença de Yoko Ono sublinharam um clima que acabou expresso num álbum fruto do seu tempo. Um álbum de 1968, o ano um depois do sonho psicadélico.

PS. Versão editada e acrescentada de um texto publicado no DN a 21 de Novembro.

Imagens de sessões de gravação do White Album, com excertos de algumas das canções que fazem a sua história. A tensão não parece evidente entre músicos. Mas revela-se nas entrelinhas do disco.

Monty Python no YouTube

Durante anos os vídeos chegaram ao YouTube... Vídeos de sketches dos Monty Python... E agora, os próprios resolvem abrir o seu canal no mesmo serviço. Um canal onde prometem colocar os clips mais vistos online, mas com boa qualidade de som e imagem. Em troca “pedem” que se clique nos links, que se compre os seus filmes (legalmente) e por aí adiante. É mais uma boa ideia contra uma certa forma de pirataria. Assim como os Pearl Jam começaram a editar em disco as gravações dos concertos (e chamaram a si grande parte do mercado de bootlegs), os Monty Python propõem ideia semelhante com o seu legado em vídeo. Nem todas as consultas ao Monthy Python Channel vão ser traduzidas em compras... Mas o espectador do YouTube sempre ganha vídeos com qualidade de som e imagem. E os seus autores pelo menos chamam a si a gestão de um acervo que, por direito, é seu (nem que para oferecer borlas).


Este é o clip promocional do Monty Python Channel, no qual fica clara a ideia que conduziu à criação do canal e os seus objectivos. Tudo num registo... algo Monty Python.

O Monty Python Channel do YouTube está aqui.

E vai um quinto single...

Os Vampire Weekend vão extrair um quinto (e último) single do seu álbum de estreia. A faixa escolhida é The Kids Don't Stand a Chance. Haverá remisturas a juntar à canção principal nos vários formatos.

A sonhar com os Velvet Underground

Discografia Duran Duran - 42
'Femme Fatale' (single), 1994

Continuamos a evocar singles extraídos, apenas para edições locais, do The Wedding Album, o nome pelo qual acabou conhecido o álbum de 1993 na verdade simplesmente intitulado Duran Duran. Depois de Drowning Man (nos EUA) e None Of The Above (Japão), eis um lançamento que marcou presença no mercado de singles francês em meados de 1994. Trata-se de Femme Fatale, uma versão do original dos Velvet Underground, que na verdade (e tal juntamente com Come Undone) representou uma das últimas gravações acrescentadas ao alinhamento do Wedding Album. A versão não se afasta muito das tonalidades ambientais do original, aqui dominada pelo jogo definido pelas guitarras e teclas, todavia apresentando um registo vocal (assinado por Simon Le Bom) em nada comparável à teatralidade sombria de uma Nico... Não era a primeira vez que os Duran Duran gravavam versões. Já tinham registado uma leitura de Fame (de Bowie) no lado B do máxi de Careless Memories e incluído uma gravação, ao vivo, de Make Me Smile (Come Up and See Mee), de Steve Harley, no lado B de The Reflex. Mas esta foi a primeira vez que levaram um tema que não de sua autoria à faixa principal de um single. Nada mais que o abrir da porta para o passo seguinte: a gravação de Thank You, um álbum de versões. O alinhamento do single (apenas disponível em CD) juntou a Femme Fatale os inéditos Stop Dead e Falling Angel.


Foi gravado um muito pouco divulgado teledisco para acompanhar o lançamento em single de Femme Fatale. Mostra os Duran Duran, num carro, em passeio nocturno, cruzando-se com bizarras figuras femininas.

Em conversa: Carlos do Carmo (3/5)

Continuamos a publicação da versão integral de uma entrevista com Carlos do Carmo publicada no DN a 17 de Novembro, data que assinala o lançamento da antologia “Fado Maestro”, que celebra os seus 45 anos de carreira.

A descoberta de uma personalidade sua no fado passou também pelas palavras que cantou e pela abordagem aos instrumentos que escolheu?
Apesar da imensa guerra que ainda hoje os puristas me fazem, e que assumo calmamente, gosto muito de cantar com orquestra! São tipos que estiveram estudar no conservatório, que gostam muito daquilo que tocam e que, de repente, saem do figurino da música que os levou ao instrumento que tocam (que é a clássica) e vêm para uma música exótica, estranha para eles... E vou usar aquela expressão vulgar: primeiro estranha-se depois entranha-se. E hoje tenho um verdadeiro fascínio em tocar com a Sinfonieta [de Lisboa]. Há cinco anos, quando festejei os 40 anos no Coliseu, toquei com a Sinfonieta. E nunca mais deixei de fazer concertos com eles. É uma festa. Os ensaios são uma festa. Boa disposição. Boa onda... Há uma disciplina grande entre eles.

No booklet que acompanha o disco usa a palavra “sacrilégio” quando fala do trabalho com orquestras... Estávamos em finais dos anos 60...
Quando apareço a cantar a Gaivota, com arranjos do [Jorge] Costa Pinto e com a guitarra do Zé Fontes Rocha não houve pessoa nenhuma da minha família que escapasse. Toda gente foi insultada. Era “maulco”, onde já se via cantar fado com uma orquestra? O que fazer? Pedia: deixem-me ouvir música. Gosto de música... Até que se acertou na mouche. Foi o ovo de Colombo. Foi com o Por Morrer uma Andorinha...

Fez mudar algumas opiniões?
Foi como os teatros da Broadway. Umas sessões com gente a sair e mais gente a entrar. A casa de fados parecia uma casa da Broadway. Gente cá fora à espera para entrar... Deixei de discutir então essa coisa da orquestra. Gosto de cantar com orquestra. Agora não fiquem à espera que cante sempre com orquestra. Aliás, tive um prazer imenso em gravar o À Noite. Vesti os calções de criança, fui lá atrás à minha meninice. Ao Armandinho, ao Joaquim Carlos, ao Marceneiro (que nos ensinava a toda a hora)... Às vezes apetece umas coisas e noutras vezes, outras... E isso é que faz uma discografia. A nossa inquietação. O sentir-se com ideias...

Esse gosto de trabalhar com orquestra terá a ver com a velha admiração pelos discos de Frank Sinatra?
Completamente! Aqueles arranjos do Gordon Jenkins, seja para o Nat King Cole seja para o Sinatra. Chamo a isso camas. Vais cantar? Não. Vou-me deitar!... É uma coisa maravilhosa, se for bem tocada. Aí também tenho tido alguma sorte. E estou a falar da nova geração.

Por exemplo...
Chego ao pé do meu amigo Bernardo Sassetti e entrego-lhe dois fados... O Bernardo envolve-se completamente. Não descaracteriza uma vírgula, mas põe lá o seu saber. E com uma coisa que me encanta: está a orquestrar para mim. Está lá o timbre... O Moreira também... Neste país falta isto e falta aquilo. Mas existe o assumir, o arriscar... Até porque trabalhar para gregos e troianos lembra-me o que disse o grande Bill Cosby. Numa entrevista, daquelas em que os sábios falam abertamente da sua profissão (e não daquelas em que escondem os segredos), perguntam-lhe qual era a fórmula para o sucesso. Disse que a do sucesso não tinha. Mas acrescentou que conhecia a do fracasso: que era querer agradar a todos. Quando se faz um disco a pensar que a faixa número três é para este público e aquela vai vender melhor àquele, é a desgraça completa. Estou a falar do tempo em que havia discos... Aquele conceito... O À Noite, por exemplo, é um disco conceptual. Não tem lógica vendido à peça, mas como um todo. Foi pensado como um todo. Tem uma lógica. Mas há outros discos que são à peça... Em que foram acontecendo coisas que, depois, juntei.

(continua)

Mais pop que chega do Norte

Hoje voltamos à Suécia. Para descobrir uma banda de Malmo (ou seja, músicos que vêm a Dinamarca da janela, como Sarah Palin vê a Rússia lá de casa). A banda apresenta-se como Fredrik, nada mais que o nome do seu vocalista. Gostam da vida na Suécia rural e da música de nomes como os Flaming Lips, Panda Bear, Terry Riley, Sufjan Stevens ou os Neutral Milk Hotel. Editaram este ano o seu álbum de estreia, Na Ni Na. E este 11 Years é o mais recente single dele extraído.

Grace Jones em documentário

Grace Jones vai ser a protagonista de um documentário sobre os últimos quatro ou cinco anos da sua vida. Assina Sophie Fiennes, que no filme quer retratar o mundo de palcos, o quotidiano da cantora e o trabalho de gravação que recentemente a devolveu aos discos.

Nas estepes do Cazaquistão

Passa hoje no Estoril Film Festival um dos melhores e mais surpreendentes filmes da competição. Trata-se de Tulpan, uma janela inesperada sobre o cinema do Cazaquistão, numa primeira obra de ficção de Sergey Dvortsevoy, um realizador até aqui com trabalho feito no cinema documental. Esse olhar atento ao mundo está bem patente num filme que, ao contar a história de sonhos (bem distintos) de dois jovens cazaques, não deixa de nos mostrar cenas do quotidiano de nómadas que, ainda hoje, criam rebanhos de ovelhas na desolação ventosa da estepe. Esta é a história de Asa, um jovem acabado de regressar do serviço militar na marinha, que vive com a irmã, cunhado, sobrinhos e muitas ovelhas, no meio do nada. O sonho de Asa é o de um dia ter o seu rebanho. Ciente de que só o terá se casar, coloca como objectivo número um a corte a uma jovem mulher. Chama-se Tulpan, mas rejeita-o por ter orelhas grandes... O outro sonhador da história é Boni, o amigo de Asa. Guia um tractor a cair aos pedaços sobre o chão da estepe, levantando poeira ao som dos Boney M... Ao contrário de Asa, o sonho de Boni mora na cidade, o destino habitual de filhos de famílias nómadas do Cazaquistão, que muitas vezes acaba desfeito longe da estepe, sem o emprego desejado e a vida idealizada...