Em conversa: Nick Mason (3)

Recentemente reuniram-se para tocar no Live 8. Como recorda esse dia?
Creio que todos adorámos o momento. Foi muito bom podermos tocar juntos novamente, e para um público tão vasto, que nos queria ver. Não há nada como fazerem-nos sentir amados para passarmos um bom momento. Foi também importante fazer algo pelo bem de outras pessoas, o que fez transcender divergências que tivéssemos tido. E pessoalmente foi também muito bom poder mostra aos meus filhos que podemos comportar-nos como adultos, de vez em quando.

Tinham, ao reunir, a certeza que aquele seria um momento que não se repetiria?
Sim.

Não sente saudades de estar em palco com os Pink Floyd?
Gostaria de falê-lo de novo. Até mesmo amanhã, se fosse possível... Se todos o quisessem fazer, também.

Esteve no concerto de David Gilmour no Albert Hall. Bowie, fã confesso dos Pink Floyd logo em 1967, recriou dois temas clássicos vossos...
Gostei sobretudo de o ver a recriar o Comfortably Numb. Fez um trabalho fantástico, uma verdadeira versão. Uma reinterpretação...

Quem vos influenciou como banda?
Várias pessoas... A excitação de ser performers creio que veio dos Cream. Tenho memórias muito vividas de os ver a tocar ao vivo e de pensar que era aquilo o que queríamos fazer. Depois os Beatles. Porque eles transformaram a indústria discográfica. Tornaram possível outro tipo de relação com o estúdio, que até então não existia. Antes os estúdios eram entregues às bandas por uma tarde para fazer um single, e já estava...

E nos anos 70, como foi viver sob a revolução punk, que criticava as grandes bandas, como os Pink Floyd?
Por essa altura estávamos a atingir um certo patamar de conforto e não fomos verdadeiramente afectados. De certa maneira também acabámos influenciados. O Animals tem um influência punk. Na altura estávamos a fazer grandes concertos, a esgotar concertos... E não sentimos a revolução punk a atacar a nossa base de fans. Essa base limitou-se a fragmentar-se, a descobrir novas escolas... Em retrospectiva, penso que não nos sentimos intimidados...

A intensidade da revolução pode comparar-se ao que também houve de revolucionário nos dias do psicadelismo, em finais de 60?
O que se passa é que, à medida que se envelhece, o que fizémos nos anos 60 parece absolutamente certo e o que aconteceu no punk, por seu lado, uma idiotice...

Mas não pensa que, como os Beatles mudaram a indústria discográfica nos anos 60, também o punk o fez em 70, abrindo sobretudo espaço a operações independentes?
Sim, foi mais um veículo que durou algum tempo. Mas depois as pequenas companhias acabaram engolidas pelas grandes.

Porque não abriram os Pink Floyd a sua própria editora?
Penso que o deveríamos ter feito. E só o não fizémos porque nos sentíamos muito confortáveis na EMI. E a EMI até nos deveria ter ajudado a criar a nossa própria etiqueta... Mas tinhamos tanto para fazer... Ter de, além disso, gerir uma editora... E, ainda por cima, nem sempre havia consenso dentro da banda.

É preciso consenso para uma banda ter uma vida longa?
Sim, creio que sim. Caso contrário dada um acaba a desejar fazer uma coisa sua.

Nos Pink Floyd sempre houve um líder evidente.
Consenso até para seguir cada líder...

A banda teve três líderes. Syd, Roger, David... Diferentes entre si, Mas nunca deixou de ser Pink Floyd...
Em primeiro lugar há a questão do som, que cruza toda a obra. Isso não apenas connosco. Veja-se o caso de uns Fleetwood Mac. Quando pensamos quantas pessoas passaram pela banda, ao longo da sua história...

Quem será o público desta caixa comemorativa que agora editam? Os vossos velhos admiradores?
Creio que sim, porque já desistimos de pensar que os miúdos compram álbuns. Basta-me entrar nos quartos dos meus filhos e reparo que não têm um único CD! Têm apenas um iPod. Nem posso acreditar que desapareceu tão rapidamente o gosto por coleccionar discos.

Acha que a música ainda é importante hoje em dia?
Ainda é muito importante para muita gente, sim. Infelizmente há o esquecimento. Há coisas pelas quais se vai perdendo interesse... Quando me perguntam o que ando a ouvir, digo que ainda escuto as bandas que ouvia em 1967 e 68. Agora é também verdade que, hoje, há muitos miúdos a gostar de música. Há milhares de miúdos a fazer bandas! Quando eu era miúdo o rock’n’roll era mal visto pelo departamento musical da escola. Quando os meus filhos passaram pela escola houve uma batalha de bandas, com uma sete ou oito a concorrer. E todos muito capazes...

(conclusão da versão integral de entrevista originalmente publicada no DN)

A tradição dos discos de Natal

A frequente edição de álbuns temáticos em tempo de Natal foi uma das mais bem recebidas entre as novidades trazidas pela entrada em cena do LP, em 1948. O formato, que ganhou enorme popularidade nos anos 50, e que assim fez dessa década a mais prolífica em "sucessos" natalícios nas vozes de então. Não deixa de ser curioso o facto do álbum mais vendido de toda a década de 50, nos EUA, ter sido Elvis' Christmas Album, primeira "aventura" de Elvis Presley (1957) fora do registo estético e temático do rock'n'roll que o lançara em 1954. Entre os LPs mais populares dos anos 50 contam-se ainda outros sucessos de Natal como Merry Christmas, de Johnny Mathis (1958), A Jolly Christmas From Frank Sinatra, de Frank Sinatra (1957) ou Merry Christmas, de Bing Crosby (1957). Ao todo, nove entre os cem discos mais vendidos da década foram álbuns de Natal.
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Os primeiros êxitos de Natal revelavam um apelo a valores tradicionais com os artistas, até mesmo no caso de Elvis Presley, a mostrar uma imagem sóbria e familiar nas suas capas. Nos anos 60, apesar das frequentes edições "de Natal" de cantores veteranos, a cultura pop invadiu a quadra. E os mais representativos dos títulos natalícios da década de 60 vieram de figuras do universo pop/rock, nomeadamente Phil Spector (A Christmas Gift From Phil Spector é, ainda hoje, uma referência) e os Beach Boys (The Beach Boys Christmas Album, de 1964). Os próprios Beatles registaram várias canções de Natal , mais tarde reunidas em 1970 em dois álbuns que tiveram edição exclusiva para o clube de fãs (e que até hoje e nunca foram reeditados em CD).A década 70, do glam rock, do disco, do progressivo e do punk, da contestação pela música mas também do hedonismo escapista, reduziu os discos de Natal a uma expressão de nicho essencialmente habitado pelos veteranos de 50. Mesmo assim, John Lennon teve, em 1972, com Happy Xmas (War is Over), com subtexto pacifista, um dos seus maiores êxitos a solo. E os Slade reclamaram um dos seus maiores sucessos em Merry Xmas Everybody (1973). David Bowie deixou depois meio mundo espantado quando, em 1977, participou no programa de Natal de Bing Crosby para, com ele, cantar dois temas clássicos. E em 1978 o Natal chegou à discoteca com Mary's Boy Child, dos Boney M!

O regresso das canções de Natal à linha da frente da edição discográfica deu-se em 1984, com dois singles: Do They Know It's Christmas (do colectivo Band Aid, primeira etapa no processo que conduziria ao Live Aid) e Last Christmas, dos Wham!. Seguiram-se-lhes êxitos de Natal pelos Erasure, Pogues com Kirsty MacColl ou Bryan Adams. Os artistas mainstream dos anos 90 deram novos êxitos à quadra, entre eles contando-se nomes como os de Mariah Carey, Boyz II Men ou Backstreet Boys. A tradição continuou depois do milénio, ora no mainstream (N'Sync, Dido ou Christina Aguillera), ora em terreno alternativo, aqui destacando-se canções dos Flaming Lips, Eels, Aimee Mannm The Knife ou Sufjan Stevens, este tendo editado em 2006 a caixa Songs For Christmas, a melhor colecção de cannções de Natal chegadas a disco nos últimos anos.

PS. Versão editada de um texto publicado no DN

A televisão nossa de cada dia

Durante a viagem de George W. Bush a Itália (Junho 2007), o Presidente dos EUA cumprimenta o primeiro-ministro italiano Romano Prodi... Ou a televisão como adereço "banal" do quotidiano. Esta espantosa fotografia de Christopher Morris é uma das 48 imagens que a revista Time escolheu para o seu tradicional balanço visual do ano. Vale a pena descobrir.

Os poderes do Big Brother

No dia 22 de Dezembro, o Diário de Notícias publicou um dossier sobre as novas formas de vigilância do quotidiano e, em particular, sobre a instalação de câmaras em lugares públicos. O texto que segue integrava esse dossier, tendo sido publicado com o título 'A estética e a ética do Big Brother' (a imagem que aqui se insere é o emblema da edição francesa do programa da Endemol, Big Brother).

Discutir a segurança do nosso quotidiano e, em particular, a instalação de câmaras de vigilância não pode esgotar-se num labirinto de normas sobre o que “deve” ou “não deve” ser observado. Para além das dúvidas legais, importa perguntar como é que a questão do controlo visual dos cidadãos encontra eco na cultura televisiva dominante. De facto, a generalização dos mecanismos de vigilância é inseparável (no sentido em que é contemporânea) do triunfo de um novo enquadramento mediático das relações humanas. O padrão mais “frívolo” dessa conjuntura está no Big Brother, criado por John de Mol e pela sua companhia Endemol. Claro que o programa Big Brother não se pode confundir com um sistema armado de repressão nem com uma ditadura política. Mas há nele um inquietante efeito de habituação: no fundo, os patéticos protagonistas do Big Brother confessam-nos que abdicaram da sua identidade para se transfomarem em cobaias públicas de todas as misérias do género humano. O problema não se esgota, por isso, no maior ou menor número de câmaras nas nossas ruas. É preciso interrogar também o que as televisões nos mostram, até porque a estética e a ética do Big Brother já invadiram muitos telejornais.

Oscar Peterson (1925-2007)

O melhor álbum de Bowie é...

Quase no encerramento do Ano Bowie, o inquérito lançado aos leitores do Sound + Vision não deixou dúvidas: o melhor álbum de David Bowie é, para 31% dos participantes, The Rise And Fall of Ziggy Stardust and The Spiders From Mars. Nos outros dois lugares do top 3 encontramos dois álbuns de referência do chamado período “de Berlim”, nomeadamente Low e Heroes, respectivamente no segundo e terceiro lugares. Os resultados finais da votação são estes:

1º Ziggy Stardust – 31%
2º Low – 21%
3º Heroes – 10%
4º Hunky Dory – 9%
5º 1.Outside – 8%
6º Space Oddity – 6%
7º Scary Monsters – 4%
8º Station To Station – 2%
9º The Man Who Sold The World – 2% (*)
... Aladdin Sane – 2%

A lista a votação incluía os 23 álbuns de originais de David Bowie. Abaixo do top ten ficaram classificados Diamond Dogs e Let’s Dance (11º, 2%), Young Americans e Earthling (13º, 1%)), Lodger (15º, 1%), hours... e Heathen (16º, 1%), David Bowie e Reality (18º, 0%) e, a fechar, Pin Ups, Tonight, Never Let Me Down e Black Tie White Noise (23º, 0%). Nenhum disco ficou com zero votos.

(*) Apesar do arredondamento à unidade é possível separar as classificações, pelo número de votos de cada disco.

Discos Voadores, 22 de Dezembro

Em tempo de Natal, oferece-se a lista dos melhores 20 álbuns de 2007, assim como alguns destaques sobre o que de melhor o ano nos deu na produção discográfica nacional.

Sufjan Stevens “Little Drummer Boy”
Vicente Palma “Para Rosalia”
Bernardo Sassetti “Dúvida”
Battles “Atlas” (20º)
Thurston Moore “Honest James” (19º)
PJ Harvey “When Under Ether” (18º)
Alex Beaupain + Gregoire LePrince Riguet + Louis Garrel “As Tu Déjà Aimé?” (17º)
White Stripes “300 mph Outpour Torrential Blues” (16º)
Joni Mitchell “This Place” (15º)
Pantha du Prince “Saturn Strobe” (14º)
Patrick Wolf “Bluebells” (13º)
Burial “Archaengel” (12º)
Duran Duran “Skin Divers” (11º)
The Magnetic Fields “Califórnia Girls”

Pontos Negros “Inês”
David Fonseca “Kiss Me, Oh Kiss Me”
Wrayguynn “Hoola Hoop Woman”
Rufus Wainwright “A Foggy Day” (10º)
The National “Fake Empire” (9º)
John Vanderslice “The Parade” (8º)
Okkervil River “John Allyn Smith Sails” (7º)
The Good The Bad and The Queen “History Song” (6º)
Of Montreal “She’s a Rejecter” (5º)
Au Revoir Simone “A Violent Yet Flammable World” (4º)
Blonde Redhead “23” (3º)
The Shins “Turn On Me” (2º)
Panda Bear “Comfy In Náutica” (1º)
Field Music + outros “The Twelve Days Of Christmas”

Discos Voadores - Sábado 18.00 / Domingo 22.00

Radar 97.8 FM ou www.radarlisboa.fm

Em conversa: Nick Mason (2)

O vosso segundo álbum, A Saucerful Of Secrets. Sugere uma imensidão de possíveis caminhos. Mas só optaram por uma rota de evolução concreta um pouco mais à frente no tempo.
Creio que, de certa maneira, se virmos à distância a história musical dos Pink Floyd, o Meddle parece o sucessor natural de A Saucerful Of Secrets. O Atom Heart Mother é um beco sem saída... O Ummagumma é uma tentativa de abordagem ao nível do indivíduo, e não tem continuidade. Para mim muito do que se mostra em A Saucerful of Secrets manifesta-se em vários momentos posteriores, inclusivamente Dark Side e em The Wall.

Era preciso um tempo de vida antes de poderem criar álbuns como Dark Side Of The Moon, Wish You Were Here ou The Wall?
Penso que seguimos caminhos e, por vezes, tomamos atalhos errados. E isso acaba em desvios. As carreiras nunca seguem uma linha recta.

Há momentos em que se acerta, outros em que se erra...
Precisamente. É muito pouco provável que se faça uma careira só de álbuns perfeitos.

Consegue reconhecer os "erros" dos Pink Floyd?
É difícil... Mas talvez comece por apontar o Atom Heart Mother, que foi uma dessas falsas pistas. Foi divertido de fazer, mas não é um disco onde se reconheçam traços do restante trabalho. E penso talvez, depois, num disco como o The Final Cut. É um bom disco, mas é mais um disco do Roger [Waters] e não tanto o reflexo de uma banda.

O que fez de Dark Side of The Moon o álbum tão influente, popular e marcante em que se transformou?
Muitos factores o justificam. Em primeiro lugar as letras foram escritas a pensar num grupo etário mais velho. Quando se tem 50 anos as letras têm mais relevância que para quem tem 27 anos e as escreve... E a esse nível isso deu ao trabalho um certo nível mais filosófico. Depois, creio que reflectia nas canções algumas ideias de que as pessoas gostavam. A qualidade da gravação, e isso tem a ver com o Alan Parsons, foi excepcional. Depois o Storm [Thorgerson] apareceu com aquele conceito fantástico do prisma, o que deu ao álbum uma capa lindíssima. E resultou porque o disco era em vinil. No formato de CD as imagens ter-se-iam perdido... Mas há ainda o ângulo comercual. Nos Estados Unidos havia um novo presidente na Capitil Records, que queria provar que conseguia fazer bem o seu trabalho. E mostrou isso mesmo com o Dark Side... Se tivesse sido trabalhado pela equipa anterior não teria sido a mesma coisa...

Falou na capa dos discos. A presença, recorrente, do mesmo designer, deu aos Pink Floyd uma identidade visual.
Storm foi sempre uma certa consciência da banda... Muito importante, a sua presença. Era importante ter uma consciência visual do que fazíamos.

Todavia, recorreram ao desenho do cartoonista Gerald Scarfe em The Wall...
Nesse caso havia uma razão muito forte para não recorrer ao Storm. O Gerald estava envolvido, desde o início do projecto. No filme, no concerto... Teria sido má educação obrigar o Storm a entrar depois em cena.

The Wall teve nova visibilidade, recentemente, com a versão de Comfortably Numb, pelos Scissor Sisters. Gostou da versão?
É fantástica! Gostei muito. Assim como de uma versão, disco, de Another Brick In The Wall que foi feita. Gosto muito que façam novas interpretações da nossa música. A menos que sejam coisas desinteressantes, como as bandas de tributo.

Estão em voga. E há várias a tocar Pink Floyd...
São bons e têm sucesso. Mas é triste ver pessoas a fingir que são outras bandas. Sempre pensei que o rock’n’roll tinha muito a ver com uma vontade de cada um se expressar. E não com uma ideia de fotocopiar... Mas se é o que querem fazer, seja. Mas não creio que teria algum interesse em escutar um álbum de uma banda de tributo. E tenho todo o gosto em ouvir os Scissor Sisters. Não quero evitar nunca que alguém faça novas versões da nossa música.

Essas versões abrem portas a novos potenciais admiradores, a novas gerações de ouvintes?
Sim, e por vezes leva também as gerações mais velhas a revisitar o que ouviram no passado.

(continua)

Memórias de David Byrne no teatro

O projecto the CIVIL warS: a tree is best measured when it’s down representou, em inícios de 80, uma das mais ambiciosas abordagens ao teatro musical por Robert Wilson. Com música atribuída a compositores como Philip Glass, Gavin Bryars ou David Byrne, entre outros, seria uma produção para ocupar todo um dia de representações num teatro, com cinco secções separadas por uma sexta, esta feita de interlúdios e peças de ligação. A obra nunca foi concluída, com Gavin Bryars a deixar incompleta a sua parte (Marselha) e com a secção dedicada a Tóquio nunca oficialmente entregue a qualquer compositor. A chamada Rome Section, de Philip Glass, teve já edição em disco, assim como, nos anos 80, via ECM, foi lançada a chamada Minneapolis Section. Com música de David Byrne, esta era a secção dos interlúdios, a que, como em Einstein On The Beach (de Glass e Wilson) se designaram por knee plays.

É este conjunto de peças musicais, para voz recitativa e ensemble de metais, que agora conhece nova edição, numa versão com extras, não só na música, como através de um DVD que exibe a performance original na forma de um slide show. Um complemento interessante na reconstituição, na idade do CD, da obra para teatro de David Byrne, na qual se destaca o há muito reeditado The Catherine Wheel. Musicalmente a abordagem de Byrne reflecte o ecletismo que era já visível na obra dos Talking Heads à altura e que já se manifestara igualmente na parceria com Brian Eno em My Life In The Bush Of Ghosts. A dinâmica das bandas de metais do sul dos EUA (a Dirty Dozen Brass Band foi inclusivamente tida como fonte de referência) é ponto de partida plástico para uma série de desvios e contaminações, umas mais próximas das linguagens da canção pop, outras em clara filiação no minimalismo. O resultado final é cativante e intrigante. A música define atmosferas, brumas, das quais pontualmente aflora a voz falada de Byrne ou uma melodia. Nota ainda para o packaging desta edição, que inclui um extenso texto de memórias de David Byrne, esquiços da cenografia e esquemas e notações musicais.

Em conversa: Nick Mason (1)

Iniciamos hoje a apresentação da versão integral de uma entrevista com Nick Mason, o baterista dos Pink Floyd, publicada dia 17 de Dezembro nas páginas centrais do DN.

Como é uma pequena banda underground se transformou no fenómeno de dimensão global?
Creio que não há uma explicação simples e única para o que nos aconteceu. Para justifucar o sucesso há que pensar em vários elementos. Isto para qualquer banda. No caso dos Beatles, por exemplo, há a escrita das canções. Tinham belas melodias. Mas depois faltam outras coisas, como, por exemplo, a sorte. E podemos dizer que a sorte tem a ver com o facto de se estar no local certo na hora certa. Os Beatles, cinco anos antes, não teriam acontecido. E cinco anos depois não teriam tomado o mundo da mesma forma. Parte do que aconteceu connosco tem muito a ver com uma questão de timing. Viémos depois dos Beatles, que abriram o caminho para uma maior relevância do conceito de álbum. Chegámos naquela fase de finais de 60, com aquilo que eu designaria como um rock’n’roll mais intelectual... As letras tinham começado a falar de assuntos mais além das histórias de amor juvenil...

Mas temos de reconhecer dois tempos de sucesso nos Pink Floyd. O aplauso da crítica, logo em 1967 e, só mais tarde, o verdadeiro fenómeno de vendas de discos.
É verdade. E talvez a forma como as coisas foram acontecendo, nessa escada, que permitiram o que se passou. Houve um processo de crescimento, muito orgânico, que evitou que acabássemos como tantos one hit wonders...

Em 1966 e 67 os Pink Floyd eram o rosto do que acontecia no underground rock’n’roll britânico...
Sem dúvida... Havia os Soft Machine, mas eram diferentes dos Pink Floyd. Até porque nós estávamos a ser transformados numa banda com potencialidades comerciais. Havia um investimento da EMI. E os Soft Machine não editavam singles...

Ao contrário dos Pink Floyd...
Sim, estávamos a tentar chegar ao Top Of The Pops!

Era vontade do grupo ou da editora essa demanda pelo sucesso?
Não faz sentido uma banda de rock’n’roll pensar que está a fazer arte! É quase uma tolice pensar o contrário, porque envolve também uma operação comercial.

Todavia, 40 anos depois, The Piper At The Gates Of Dawn é um disco sobretudo reconhecido pelos seus feitos artísticos...
Sim, da mesma forma que aconteceu com o Sgt Peppers. São verdadeiras contruções... O Sgt Peppers, sobretudo, é uma verdadeira combinação de canções. Não há uma que se destaque das outras e da qual nós possamos afirmar que é a melhor do álbum.

Foi por esse motivo que não extraíram nenhum single de Piper At The Gates of Dawn?
Precisamente.

O disco tinha várias personalidades e persogens em si...
Era uma mistura de acontecimentos. Tinha, por um lado, todo aquele experimentalismo ligado ao psicadelismo e, por outro, um sentido pastoral, rural, muito inglês, muito de Cambridge...

40 anos depois podemos verificar que o álbum de afirmou como um marco do seu tempo...
Confesso que muitas vezes fico surpreendido pela forma como o álbum tem sobrevivido. Há alguns meses falava sobre o disco, quando foi assinalado o seu 40º aniversário. E fiz uma experiência com alguém da editora, perguntando-lhe o que tinha acontecido 40 anos antes de Piper... E verificámos que era o Al Jolson! Era 1927, um outro mundo... Mas 40 anos depois de 67, o facto é que ainda é um disco que se ouve muito bem!

Os Pink Floyd teriam sido uma banda diferente se Syd Barrett tivesse continuado no grupo?
Sim, creio que teria sido diferente. Até porque o Roger teria levado mais tempo a encontrar-se a si mesmo. Mas não sei... Na verdade talvez o Roger já estava apontado ao caminho que tomou... Mas seria difeerente... Como nos Genesis. Se o Peter [Gabriel] não tivesse saído, o Phil [Collins] nunca teria avançado. Talvez nunca tivesse chegado mesmo a saír detrás da bateria.

Os Pink Floyd de 1967 eram a banda de Syd Barrett, como os Rolling Stones de então eram, também, a banda de Brian Jones?
Sim, claramente. Todos sentíamos que aquele disco era, não bem um disco do Syd, porque foi feito por uma banda. Mas ele era ocompositor e o homem da linha da frente.

(continua amanhã)