Não foi preciso o somatório de elogios dos artistas associados
ao fenómeno electroclash para que muitos reconhecessem nos Human League e,
sobretudo, no álbum 'Dare' (de 1981), um dos mais marcantes nomes da história
do relacionamento das electrónicas com a música popular. 21 anos depois
de ter lançado um álbum que já ganhou o seu peso de marco na história,
Phil Oakey falou, em exclusivo, ao DN. A reedição do clássico álbum de 1981 que então acontecia, e o lançamento de uma compilação de temas da pré-história dos Human League permite-nos um reencontro com uma banda fundamentail entre as referências da nova música electrónica. Esta entrevista foi publicada a 7 de Dezembro de 2002 no suplemento DNmais.
20 anos depois Dare ainda tem um certo sabor futurista...
Muitos dos avanços tecnológicos que aconteceram depois dos sinteti-zadores analógicos têm sjdo, de certa forma, coisas com "sabor antigo"... As ferramentas de gravação que apareceram são, sobretudo, máquinas de gravação. Os samp/ers são gravadores que permitem um trabalho muito rápido. No final dos anos 70, os sintetizadores eram, de facto, uma novidade absoluta... Costumo dizer que os samp/ers são como urna máquina fotográfica, ao passo que os sintetizadores analógicos permitem fazer pintura. Partimos de uma tela em branco e temos de a ilustrar., Fazemos o que queremos, mas temos de criar e não apenas dar forma a algo que já existe. Por isso penso que, ainda hoje, os sintetizadores são ainda o instrumento mais moderno que existe.
Anos antes, quando o grupo começou, o trabalho com os sintetizadores, era já uma certeza para os Human League?
Essa era a ideia dos músicos que criaram o grupo percursor dos Human League, que se chamava The Future (e que mais tarde saíram para formar os Heaven 17, mais concretamente o lan Wright e o Martin Ware). Eu também só queria trabalhar com sintetizadores. Ainda hoje sinto que só me sinto bem á lidar com sintetizadores, até porque não domino nenhum outro instrumento. Perco-me... Se um músico entra em estúdio para tocar guitarra é porque eu não posso dar o meu contributo nesse momento. Nem sei mesmo ver, se algo soa mal, o que é que está errado. É um mistério para mim.
Já escutava música electrónica antes de se juntar aos outros músicos e formar, os Human League?
Sim. Éramos, na altura, um grupo muito
arty, muito atento às novas expressões... O primeiro artista «electrónico» que nos chamou a atenção foi o Walter Carlos. A banda sonora de
A Laranja Mecânica, assim como o filme, foi muito importante naquela altura. Era diferente, inovadora, extraordinária, e tinha sons que nunca
tínhamos escutado.
E que impacte tiveram em vós os pioneiros electrónicos de 70?
Foram referências fundamentais. Não escutávamos muito os Tangerine Dream... Não conhecíamos então os Can que, para ser honesto, só agora estou a aprendera conhecer... Já os Kraftwerk tiveram outro impacte, até porque nos mostraram, claramente, o que podíamos fazer. Havia também outros nomes que nos influenciaram então, como o Jean Michel Jarre, o Daniel Miller e também o Georgio Moroder... De resto,
I Feel Love, de Moroder, foi uma peça fundamental para nós. Queríamos ser uma espécie de novos Donna Summer(s)...
Mas com um clima mais sinistro...
Era verdade, talvez por sermos rapazes do Norte de Inglaterra que tinham visto muitos filmes de ficção científica.
É isso que define o ambiente de Sheffleld, de onde vêm?
Sem dúvida.
Como Justifica o facto de Sheffieid nos ter dado tantas bandas electrónicas na alvorada de 80?
Nunca obtive uma explicação definitiva para esse facto. Éramos uma cidade muito continental... O único lugar onde vou e sinto haver afinidades com Sheffieid é a cidade de Colónia, na Alemanha. Na altura não sofremos a taxa de desemprego de outras cidades inglesas, e podíamos comprar os instrumentos que nem erarn astronomicamente caros. Tínhamos de fazer horas extraordinárias para os pagar, é certo, mas isso ainda não mudou... Sheffieid era, também, uma cidade consideravelmente aríy. A cidade adorava os Roxy Music e David Bowie...
Não havia, também, uma cesta dinâmica punk nas entrelinhas dos primeiros registos dos Human League?
Nunca teríamos conseguido fazer nada se não tivesse acontecido o fenómeno
punk. Mudou a forma de encarar a música e o ser-se músico. Gostávamos muito dos Clash, que eram também muito populares em Sheffieid. Mostraram-nos que não tínhamos de ser exemplares nem geniais. Podíamos apenas procurar expressar-nos.
Apesar do clima menos luminoso dos primeiros discos, pontualmente apareciam nos vossos discos frestas de calor pop , como, o Emplre State Human...
Essa semente já lá estava... Era a tal procura de sentido na herança de Giorgio Moroder. Ele foi, de resto, a grande inspiração para essa canção.
Mas algo muda de Travelogue para Dare... E o som ilumina-se.
A equipa envolvida tem muito a ver com o que mudou. Em primeiro lugar há logo que destacar a presença das vozes femininas, que aligeiraram muito a intensidade do som. A luz em vez da sombra... Tínhamos de seguir naquele sentido. Tínhamos uma dívida enorme, na ordem das 50 mil libras, com a editora. Ou fazíamos um disco que nos ajudasse e à nossa carreira, ou acabava tudo e voltávamos a trabalhar em hospitais. Era o momento de avançar...
As "meninas", assim como os penteados, trouxeram também um toque glam ao grupo...
Aí era uma reacção de oposição de época à estética visual do
punk e, de certa forma, uma herança dos Roxy Music e de David Bowie. De certa forma assumimos frontalmente uma pose de estrelato, política que muitos grupos antes dos Roxy Music rejeitavam em absoluto. Veja-se o caso dos Pink Floyd, que vendiam milhões de discos... Não era essa a nossa posição. Éramos uma banda muito visual. Gostávamos de cinema e de trabalhar com imagens em geral. De resto, fizemos nós mesmos as capas dos nossos primeiros discos.
Como é que se relacionavam com os outros grupos que, nessa altura assumiram igualmente essa herança do glam, dos Ultravox aos Soft Cell, dos Duran Duran aos Classix Nouveaux?
Alguns desses grupos saltaram para a carruagem da imagem quando esta ia já em andamento. Creio que os Duran Duran usaram muito a nossa linguagem. Os Soft Cell, curiosamente, eram mais um grupo de
performance (como agora os Fischerspooner), mas tinham canções muito bem escritas. A banda que sempre me pareceu ter mais afinidades reais connosco foram os Cabaret Voltaire, até porque usavam slides em concertos, como nós... E havia a seriedade... Bom, na realidade não era assim tão sério como parecia, talvez mais irónico. E senti também sempre muitas afinidades com os Devo.
E como se relaciona, hoje, com as novas bandas que são evidentes herdeiras dos Human Leagye, como os Ladytron ou Laptop? Até mesmo os Fischerspooner?...
Algumas dessas bandas até usaram
loops e
samples de som nosso... Estou a gostar muito do que está a acontecer. Frequento o circuito dos clubes há muitos anos, e creio que as pessoas se estão a cansar das grandes discotecas. E estão a aparecer muitas coisas novas... Estou a gostar muito de alguns novos grupos como, pior exemplo, os Adult, de Detroit. Têm um som muito inteligente e sólido... Gosto também da Dot Allison, e gostaria até de gravar com ela...
Conhece, certamente, o álbum de tributo aos Human League...
Naturalmente! Não conhecia os Ladytron até esse momento.
Todos esses grupos e artistas, têm apontado Dare, sistematicamente, como um disco de referência.
Isso é muito bem de ouvir...É bom saber que trouxemos algo à música de outras pessoas, da mesma forma como David Bowie, Iggy Pop e Lou Reed trouxeram algo que nos estimulou a nós.
Dare teve um fortíssimo impacte junto ao público, mas certamente também dentro do grupo. Foi difícil pensar o que fazer depois?
De facto...Esse disco foi a materialização exacta daquilo que queríamos fazer, isto sem querer dizer que não me orgulhe de discos que tínhamos feito antes ou dos que gravámos depois. Mas na altura queríamos mesmo continuar a fazer música pop as nossas finanças eram até então tremidas, pelo que também nesse sentido o disco foi positivo. Tal como foi positivo trabalhar com aquele grupo de pessoas... O mais interessante em
Dare foi o resultado do esforço colectivo de nove pessoas, que não teriam atingido aqueles resultados sozinhos.
Porque levararm tanto tempo a conceber um sucessor (na época era hábito editar-se um álbum por ano)?
Toda a gente ficou meio afectada, meio doida! Para ser honesto, o grupo nem era quem estava mais insano. O Martin Rushent, que era o produtor, perdeu toda a confiança no que estávamos a fazer depois. Se o Martin não se tivesse sentido daquela forma, o sucessor teria aparecido mais cedo... Ele afastou-se, tínhamos o
Mirror Man e o
Fascination, que não podíamos depois juntar a mais nada... Essas duas canções iriam fazer parte de um álbum que não pudemos completar sem o Martin. Vistas as coisas à distância, reconheço que talvez tenha sido lesivo o volume de sucesso que então vivemos. Foi prematuro... E não tínhamos talento para responder à altura...
Curiosamente, na altura eram sistematicamente sovados peta imprensa britânica. No ano passado, quando lançaram Secrets, passaram de “bestas” a bestiais...
É um facto! As críticas que tivemos com Secrets foram as melhores que alguma vez obtivemos. E o mesmo voltou a acontecer, agora, com , este disco de material mais antigo, dos inícios de vida do grupo... Penso que tudo isso também se deve ao facto de sermos hoje um grupo discreto, que está algures no cenário. Não temos um protagonismo actual evidente. E as pessoas falam de nós como alguém que usa instrumentos interessantes e faz boas canções.
Secrets saiu numa pequeníssima independente. É talvez por isso não conheceu a exposição que poderia ter vivido...
Mesmo assim estou muito satisfeito com o disco, indepententemente das vendas.
Metade do álbum eram instrumentais. Sempre tiveram um fraquinho por instrumentais...
Na verdade somos uma banda instrumental (risos). Impomos a nós mesmos a obrigação de fazer canções. Começamos sempre por ter a parte instrumental e só depois esta evolui para o formato de canção. Nunca partimos das vozes... Há 20 anos era difícil fazer carreira com instrumentais... Um Oxygene (Jean Michel Jarre) é uma rara excepção... Desde que a música de dança mudou os hábitos, tornou-se mais fácil...
Entre meados de 80 e o recente Secrets, os Human League não deixaram nunca de, ocasionalmente, surpreender-nos. Com Crash, em 1986, ensaiaram uma linguagem assumidamente americana...
Foi uma experiência interessante. Não era bem um álbum de Human League, mas mais um ensaio sobre como é que os americanos fazem discos. O Jimmy Jam e o Terry Louis não só são extremamente talentosos como foram verdadeiros gentlemen. Ajudaram-nos, abrirarn-nos os olhos... E deram-nos um número um, sem o qual talvez não estivéssemos aqui hoje. E creio que o mesmo se voltou a passar, mais tarde, com o
Tell Me When. São pequenas histórias e momentos de sucesso que nos fazem sentir porque fazemos música há tantos anos.
Romantc e Octopus foram tentativas de reencontrar a alma perdida de Dare?
Não creio que houvesse uma ideia definida do que poderíamos fazer quando gravámos o
Romantic... Nessa altura estávamos até perdidos. Deixámos de usar sintetizadores e adoptámos os
samplers, que toda a gente então usava, não por acreditarmos nesses instrumentos, mas porque pensávamos que nos fariam novamente famosos. Foram dias difíceis. Creio que só nos reencontrámos apenas em
Secrets... Agora estou sentado no estúdio, a olhar para os instrumentos que sei que quero explorar e como os explorar.
Quer isso dizer que vamos esperar menos tempo até ao próximo álbum?
Isso já não sei (risos)... Hoje é muito difícil obter o apoio de uma editora. E nós sempre dependemos, também, do apoio de um produtor. É mais uma questão de confiança... Será que vamos, finalmente, fazer um disco completamente sós?
Ainda tocam ao vivo...
Sim, tocamos muito ao vivo. Hoje somos talvez menos artistas e mais "fornecedores", na medida em que damos ao público o que, inevitavelmente, quer. Quando se começa uma carreira, subimos ao palco para dar coisas novas a descobrir. Quando se envelhece temos de ter a consciência da lista de canções que as pessoas querem ouvir.
Tem canções especiais que goste de recordar ao vivo?
Não tenho canções preferidas em particular. Tenho mais temas de que não gosto como, por exemplo, o
Together In Electric Dreams, de que as plateias tanto gostam. E tocamo-la, claro! Em casa não escuto as nossas velhas canções. Tento concentrar a minha atenção nas coisas novas que vão aparecendo. Nunca se fez música tão boa e tão aberta a novos espaços como hoje.
Compra muitos discos?
Sim, dois ou três todas as segundas feiras.
Comprou Shoot The Dog, de George Michael, que usa um sample de Love Action, dos Human League?
Não. Creio que o disco tem muito a ver com a sua maneira de agir. Ele não queria que se soubesse da sua sexualidade. E perdeu o rumo da sua carreira desde então... Se conseguir ultrapassar este problema, talvez reencontre a sua capacidade de fazer grandes canções. Mas eu não tenho estado muito atento a discos de canções. Compro mais
dance music. Estou muito atento ao
electroclash, e por acaso têm aparecido aí algumas belíssimas canções. Comprei, todavia, o último álbum do David Bowie, mesmo não querendo... (risos). Gostei dos últimos dos Alpinestars, de Dot Allison... Ainda não sei se gosto muito do novo dos Ladytron... Mas há muitas coisas belas por aí...
Vem aí o repackage dos Human League, reunindo Dare com Love And Dancing. Como nasceu este outro projecto?
As pessoas talvez não se lembrem, mas nós tornámos viáveis as produções de remisturas na música pop . Já havia máxi-singles. A Lene Lovich ou os Spandau Ballet já tinham máxis, mas não eram particularmente criativos. Eram mais uma versão alongada com adição do instrumental. O Martin Rushent, que estava muito ligado à cena de Nova Iorque e conhecia o que se estava a passar com nomes como o Grandmaster Flash e resolveu aplicar as mesmas ideias à nossa música. Pareceu-nos natural juntar, depois, essas experiências num só álbum... Mas foi um momento de excepção. Ainda hoje sinto alguma dificuldade em lidar com a ideia de remistura... Há singles com cinco remisturas, e duvido que as pessoas as escutem todas.
Sabe bem, de vez em quando, encontrar um disco que se saboreie pelo simples prazer de se ouvir uma mão cheia de canções pop. E, se não der muito trabalho, que uma ou outra puxem o pezinho para a dança… É o que acontece quando escutamos True Romance, o refrescante e bem agradável álbum de estreia dos Golden Silvers. São ingleses (lembrando assim que nem toda a boa nova pop chega apenas do lado de lá do Atlântico), mais concretamente londrinos e mostram neste contagiante álbum de estreia como a soma inteligente de uma série de referências pop estival podem sublinhar o presente e não representar, necessariamente, uma proposta de baralha e volta a dar para satisfazer nostalgias de outros Verões. Por aqui passa o sentido festivo de um Fantastic Day Haircut 100, a luminosidade de um Club Tropicana dos Wham, a festa de um Felicity dos Orange Juice. Mas também o requinte de uns Roxy Music ou o apelo irresistível de uns Beach Boys… As canções são magníficas, espantosamente versáteis nas formas, seja quando nos fazem sonhar com uma pista de dança mesmo à luz do dia (como sucede ao som de True No. 9 Blues), quer quando pedem copo na mão, em fim de festa, ao som do espantoso Here Comes The King. A voz, de tom familiar, de Gwilym Gold transpira memórias de uma pop elegante, sem efeitos especiais, que protagoniza uma música que contudo não deixa de nos lembrar que vivemos num presente onde uns LCD Soundsystem, entre outros, redefinem códigos e linguagens no campeonato da produção. True Romance é perfeita banda sonora para escutar no carro, a caminho de um pedaço de areia junto ao mar. Exala aquele sabor a fuga do quotidiano que chega com o tempo quente. A escolher um álbum para o Verão de 2009, aqui está um claro primeiro candidato ao título.
Não é exactamente um álbum convencional, mas antes o que se anuncia como primeira mostra de canções, personagens e trama de um filme a rodar, diz-se, em 2010. Não é um disco dos Belle & Sebastian, mas conta com canções do timoneiro da banda escocesa, assim como a colaboração de elementos do grupo a até mesmo duas versões de Funny Little Frog e Act Of The Apostle, temas do álbum The Life Pursuit. God Help The Girl é, sim, uma construção narrativa criada por Stuart Murdoch, seguindo contudo uma linha pop pastoral, com tempero de nostalgia (anos 60) quanto baste e arranjos elegantes, seguindo claramente a linha que tem caracterizado a evolução do som dos Belle & Sebastian. O disco é apresentado como a primeira parte de um díptico com as sessões de uma história que se conta por canções, tomando uma personagem feminina (Eve) como protagonista. Apesar de ter primeiros pontos de inspiração em musicais de palco, a música segue os preceitos pop que têm definido o percurso de Stuart Murdoch desde a sua estreia no projecto universitário que acabou sob a forma do álbum Tigermilk, em 1996. Para esta nova aventura ouviu e escolheu novas vozes, desde as até aqui ilustre desconhecida Catherine Ireton às já rodadas presenças de Asya (Smoosh) e Neil Hannon (Divine Comedy). Centrou as canções na voz e personalidade das personagens da ficção que construiu. Todavia, escutado de fio a pavio, o disco do projecto God Help The Girl revela (além da estrutura narrativa) uma colecção de canções delicadas, bem arrumadas, pelas quais se expressa a força de uma personalidade criativa impossível de dissociar do seu restante trabalho nos Belle & Sebastian. Sombria, sedutora, murmurante e desencantada, uma pop requintada que, sem trazer qualquer grande surpresa, garante plena satisfação aos admiradores do trabalho de Stuart Murdoch.
Chama-se Victoria Hesketh, já passou pelo concurso Pop Idol, pela formação dos Death Disco e correu pela Europa a bordo de um trio de jazz. Há menos de dois anos resolveu seguir caminho em nome próprio, adoptando como nome a mesma designação pela qual a guarda pretortiana designou o jovem que um dia seria o imperador Calígula: Little Boots. Em finais do ano passado foi um dos nomes de quem mais se falou como promessa para 2009, sobretudo depois de dominar uma votação de grandes esperanças para o ano seguinte na BBC. Hands, agora editado, confirma as expectativas de quem, em Little Boots, viu um potencial a desenvolver num segmento da pop claramente apontado a destinos mainstream, mas com capacidade em não alienar outras franjas do gosto. Apesar de alguma familiaridade com os terrenos que hoje definem a identidade de uma Kylie Minogue ou Girls Aloud (de quem assinou versões em primeiras apresentações a solo como Little Boots), a nova personalidade musical de Victoria Hesketh mostra-se mais próxima da pop atenta e ágil de uma Robyn. Hands é, de resto, um belo programa de intenções, que abre o leque de propostas desde as visões mais inventivas de um Meddle à festa pop para multidões dançantes de um Remedy. Isto sem esquecer a bênção de Phil Oakey (dos Human League), que colabora em Symmetry. Uma estreia promissora, potrtanto.
Rodrigo Leão teve a iniciativa (e a coragem, sublinhe-se) de deixar os Madredeus no auge da sua popularidade e criatividade. Apostou na reinvenção da sua obra num jogo de diálogos com espaços herdeiros de alguma música contemporânea (com os minimalistas europeus não muito distantes), progressivamente redescobrindo as linguagens da pop que em tempos desenvolvera como elemento da Sétima Legião. Depois de interessantes ensaios nos anos 90, encontrou o seu espaço na música em 2000, no álbum Alma Mater. Ali afirmou uma personalidade que depurava as referências várias nas quais crescera como músico, partilhando um gosto antigo pela canção com um lirismo muito próximo da escrita para o cinema (área onde, num possível futuro, o seu trabalho ainda tem muito para nos dar). Cinema deu continuidade à aventura, inscrevendo-se o novo álbum A Mãe numa mesma linha de acontecimentos. O disco mostra como, nove anos depois de Alma Mater, a música de Rodrigo Leão atingiu um requinte formal que partilha a fragilidade intuitiva da canção pop com a elegância de espaços onde o trabalho de orquestra define seguro cenário. O cartaz de vozes é novamente impressionante, envolvendo figuras de além-fronteiras como Neil Hannon (Divine Comedy), Stuart Staples (Tindersticks) ou Melingo. Há por aqui belíssimas canções. A de Neil Hannon é a cereja sobre o bolo. Vida Tão Estranha mostra para onde poderia ter evoluído a linguagem de uns Madredeus… Contudo, terminada a audição, o disco pouco mais mostra que uma segura gestão de conquistas já feitas. Falta o pequeno desafio, a surpresa ocasional. Ou seja, garante a continuidade, mas não parece, para já, querer ir muito além dos caminhos que Alma Mater e Cinema desbravaram.
Nada contra o jazz, fique desde já claro. Mas quando músicos de outras rotas e destinos mergulham nessas águas ou suas periferias, parece que o fazem na tentativa de abrir uma porta que revitalize eventuais percursos descendentes. Há muito que Iggy Pop não edita um álbum claramente marcante. Apesar da boa forma em palco (e de algumas revisões recentes ao seu passado mais remoto) os últimos títulos seus realmente significativos - Brick By Brick (1990) e American Caesar (1993) - datam de inícios dos anos 90… Em Préliminaries não apresenta propriamente um disco de jazz, mas antes um piscar de olho a terrenos jazzy, com elegância e sentido gourmet na selecção que inclui alguns standards da canção francesa, nomeadamente o ultra-clássico Les Feuilles Mortes, citando figuras como Yves Montand e Edith Piaf… Convenhamos que se mostra aqui com um sentido de elegância (que a sua voz profunda permite gerir com segurança). Na verdade, o que falha em Prèliminaires não é uma qualquer sensação de termos perante nós um peixe fora de água. Convocar heranças de Paris e de New Orleans é jogo que até faz sentido numa obra mais versátil que o que muitos possam conhecer. O que falta ao disco é, além de um corpo de canções realmente convincente, o sentido de entusiasmo que supostamente se espera em território de aventura fora das fronteiras habituais… Missão cumprida, é certo. Mas mais ao jeito de picar ao ponto que com real encanto.
Terminamos hoje a publicação de uma entrevista com Phil Oakey, vocalista dos Human League. Hoje fala-nos de memórias na primeira pessoa e revela que entrou no grupo porque era... alto. Avança ainda notícias sobre um novo álbum de originais. As perguntas e respostas foram registadas há perto de duas semanaa, antes do concertro lisboeta do grupo. Algumas surgiram, em forma editada, no DN de dia 4 de Agosto.
Continuamos hoje a publicar uma entrevista com Phil Oakey, dos Human League. Neste post recorda-se o álbum Dare!, de 1981 e faz-se um balanço dos altos e baixos da carreira posterior do grupo. As preguntas e respostas são de uma entrevista publicada no DNmais em 2002. A imagem do post corresponde a uma das fotos promocionais usadas na imprensa à altura do lançamento de Dare!, revelando a formação dos Human League após a cisão de 1980.
Continuamos hoje a publicar uma entrevista com Philip Oakey. As perguntas e respostas do post de hoje correspondem a uma entrevista publicada no DNmais em 2002. Fala-se, hoje, dos primeiros dias dos Human League, em finais dos anos 70, antes do sucesso que só chegou em 1981 com Dare! A foto que ilustra o post é imagem promocional usada nessa altura e mostra a formação original do grupo.
Iniciamos hoje a publicação da versão integral de uma entrevista com Phil Oakey, vocalista dos Human League. A sua versão editada surgiu no passado sábado no DN.
É hoje! Ao fim de 29 anos de carreira, os Human League finalmente dão um concerto em Lisboa. Encontro marcado para a Praça do Comércio, depois das dez e meia da noite... É verdade que há poucas semanas passaram, em registo voz sobre fita, por uma festa privada em Cascais. Mas hoje, para todos os efeitos, é dia de estreia para uma banda veterana com papel fulcral na génese da pop electrónica. A partir de amanhã vamos aqui apresentar uma entrevista longa com Phil Oakey, cuja versão editada pode hoje ser lida nas páginas do DN. Antes das palavras (e do concerto), um aperitivo com Open Your Heart, do álbum Dare! de 1981, precisamente o single que deles fez um fenómeno de popularidade em Portugal nesse ano (curiosamente, na época, este tema era mais badalado que o internacionalmente célebre Don't You Want Me).
A moda parece que pegou. Depois de Lou Reed o ter começado a fazer com Berlin e, mais recentemente, os OMD com Architecture & Morality, agora é a vez dos Human League anunciarem que a sua próxima digressão, a agendar no fim do ano, os vai colocar em palco para apresentar na íntegra, de fio a pavio, o clássico Dare!. O primeiro dos concertos, em Londresm assinala o 30º aniversário da banda. Entretanto, poderemos vê-los, num alinhamento mais variado, em concerto no dia 30 deste mês, no Cocunuts, em Cascais.
De uma cisão dos Human League, em 1980, nasceram duas facções que divergiram claramente entre si. Por seu lado, Phil Oakey conduziu o mais importante grupo pioneiro da história pós punk de Sheffield rumo a uma pop electrónica mais luminosa e acessível, com resultados logo evidentes no histórico álbum Dare!, de 1981. Ao mesmo tempo, os dissidentes Martyn Ware e Ian Craig Marsh juntavam-se a Glenn Gregory para, no âmbito da por si criada B.E.F. (British Electric Foundation), fazer nascer uma banda que cruzasse a sua linguagem estrutural electrónica com paixões pessoais bem evidentes pelas músicas negras. Surgiram assim os Heaven 17, com depoimento de afirmação de personalidade revelado no álbum de estreia Penthouse And Pavement, de 1981. Ali juntavam, precisamente, lógicas de construção de uma pop electrónica firme numa identidade rítmica metronómica e puslante, sobre ela lançando linhas vocais ricas em vitaminas negras. Porém, só no segundo álbum encontraram o híbrido perfeito entre os dois mundos que se propunham cruzar. Sob uma atmosfera de alguma pompa sinfónica, elaboraram em The Luxury Gap um álbum de continuidade no qual, apesar de um alinhamento menos poderoso que o do disco anterior, fizeram nascer um dos hinos de referência da sua carreira. Bissectriz perfeita entre pop electrónica e a canção soul, Temptation é um dos mais bem nascidos frutos da revolução pop que as bandas herdeiras da revolução kraftwerkiana lançaram na Inglaterra de finais de 70 e inícios de 80. O cuzamento da voz grave e possante de Glenn Gregory com a pujança soul da cantora convidada Karol Kenyon, e a sobreposição das electrónicas de Ware e Marsh com a força carnal de uma orquestra sinfónica geraram aqui um clássico.
Num momento em que uma série de bandas aceitam como incontornável a herança de uns Human League e os Heaven 17 se preparam para regressar aos discos, surge em cena um documentário sobre a agitação musical que a cidade de Sheffield viveu em finais de 70. A cidade protagonizou uma história pós-punk distinta das demais congéneres inglesas, ao tomar como protagonistas as electrónicas, a influência dos Kraftwerk e uma política de construção de sintetizadores “do it yourself” que respiravam o mesmo sentido de rebeldia que, noutros lados, se materializava ao som de uns Clash, Buzzcocks ou Damned. O filme, Made In Sheffield, com o subtítulo The Birth Of Electronic Pop, é assinado por Eve Wood e inclui, além de muitas imagens de actuações na época (de nomes esquecidos como Vive Versa ou Artery) e entrevistas recentes com Phil Oakey, Joanne Catherall e Susan Sully (Human League), Matyn Ware e Ian Craig Marsh (The Future, Human League e Heaven 17), Jarvis Cocker (Pulp), Stephen Singleton (ABC), Chris Watson (Cabaret Voltaire) ou John Peel, entre outros. É um documento simples e incisivo sobre uma manifestação de criatividade e de vontade em contrariar um destino quase inevitável nas fábricas de aço da uma Sheffield mergulhada nos dias de angústia que caracterizaram a Inglaterra de finais de 70. E, claro, uma janela para uma materialização diferente do ideário punk, que gerou heranças que ainda hoje se projectam na música que se faz.