Detroit — um retrato de Kathryn Bigelow

Will Poulter e Kathryn Bigelow
— rodagem de DETROIT

Kathryn Bigelow evoca os motins de Detroit, em 1967, naquele que é um dos filmes maiores de 2017 — este texto foi publicado no Diário de Notícias (14 Setembro), com o título 'Kathryn Bigelow revisita convulsões dos anos 60'.

Na actual conjuntura de Hollywood, o novo filme de Kathryn Bigelow, Detroit, é a excepção que confirma a regra. Dito de outro modo: a regra dos grandes estúdios tende a privilegiar a produção e promoção de aventuras mais ou menos escapistas, vividas em cenários de outras galáxias; a excepção aposta no poder, eminentemente clássico, de o cinema nos confrontar com o mundo em que vivemos, das suas memórias às convulsões do presente.

Mas não simplifiquemos. É uma excepção relativa, se assim nos podemos exprimir — e que reflecte, em particular, a vitalidade de alguns sectores da chamada produção independente (neste caso, os estúdios Annapurna Pictures). Neste contexto, Bigelow, ela sim, está consagrada como uma das mais emblemáticas excepções: o seu Oscar de melhor realizadora por Estado de Guerra (2008) continua a ser o único dessa categoria alguma vez atribuído a uma mulher.

Abordando o envolvimento americano no Iraque, em Estado de Guerra, ou a perseguição a Osama Bin-Laden em 00:30, a Hora Negra (2012), Bigelow tem sido uma genuína artista política — e da política —, apostada em problematizar temas e situações em que os valores fundadores da identidade americana se confrontam com as suas próprias ambivalências e recalcamentos.

O caso de Detroit é, de novo, exemplar. Trata-se de evocar os motins que abalaram a cidade de Detroit, em 1967. O disparo acidental de uma arma (aliás, uma pistola de pólvora seca usada para os sinais de partida das provas desportivas) num motel da cidade, de nome Algiers, vai desencadear uma intervenção brutal da polícia. Mais exactamente: os agentes brancos da polícia lidam com os negros envolvidos no incidente através de um processo de crescente humilhação, violência e, por fim, homicídio.

Também aqui, importa não ceder a simplificações. O que aconteceu no Algiers, aliás amplamente investigado ao longo das décadas (em particular no livro de 1968, The Algiers Motel Incident, de John Hersey, jornalista então já distinguido com um prémio Pulitzer), está longe de ser tratado por Bigelow como um “fait divers” capaz de “simbolizar” o tema do racismo. Antes disso, o filme gasta o tempo necessário e suficiente para nos apresentar toda uma conjuntura social — ligada às lutas pelos direitos civis na América da década de 60 — em que a segregação dos negros surge como uma componente transversal. Nesta perspectiva, o filme Eu Não Sou o Teu Negro, de Raoul Peck, sobre o escritor James Baldwin (há pouco lançado em DVD), pode ser um complemento muito útil para compreender a conjuntura nacional em que ocorreram os factos abordados por Bigelow.

Sem nunca perder de vista tal conjuntura, Detroit é um filme tanto mais admirável quanto sabe elaborar uma complexa teia de personagens e relações que integra uma envolvente pulsação realista e “documental”. Recusando qualquer maniqueísmo que oponha “heróis” a “anti-heróis”, a sua narrativa desemboca, curiosamente, na odisseia (também ela verídica) do grupo vocal The Dramatics — para compreendermos as encruzilhadas da história colectiva, é preciso um pouco de tudo, incluindo a música [All Because of You, The Dramatics].

Cinema + sexo + "psicologia"

Una - Negra Sedução é um significativo exemplo de um pequeno grande filme pouco ou nada defendido pelas lógicas dominantes do mercado — este texto foi publicado no Diário de Notícias (10 Setembro).

O mercado cinematográfico tem agravado um perverso contraste: de um lado estão os poucos filmes que desfrutam de grandes campanhas promocionais; do outro os muitos que, quase sem apoio publicitário (para mais ocupando um número reduzido de ecrãs), correm o risco de a sua existência nem sequer ser conhecida dos potenciais espectadores.

Como é óbvio, não há nenhuma relação, directa ou indirecta, entre as qualidades específicas de um filme e a sua promoção — nenhum filme é “mau” por ter grande cobertura publicitária, nenhum filme é “bom” por ser menosprezado pelos valores dominantes do marketing (ainda que isso não nos impeça de reconhecer que muitas linguagens desse marketing ignoram a pluralidade imensa, temática e estética, da produção cinematográfica contemporânea).

Benedict Andrews

Assim, há objectos cinematográficos que, mesmo quando se distinguem por uma singular ousadia temática, não conseguem surgir nas linhas da frente do mercado. É verdade que um “tema” forte, seja ele qual for, não faz um filme. Mas não é menos verdade que não é todos os dias que podemos descobrir um filme como Una – Negra Sedução, de Benedict Andrews, colocando em cena a relação sexual de um homem de 40 anos com uma menina de 12.

A personagem que dá pelo nome de Una (Rooney Mara) é a mulher que, quinze anos depois, regressa para confrontar Ray (Ben Mendelsohn) com aquilo que aconteceu. É uma revisitação de um trauma profundo que envolve uma perturbação tanto maior quanto a dimensão monstruosa daquela relação não exclui uma interrogação visceral. A saber: como viver sem os gestos do amor?

Nenhum resumo meramente factual pode condensar a pudica vibração de um filme que, além do mais, encontra no seu elenco uma expressão exemplar — Rooney Mara tem mesmo uma composição digna de Oscar, sem esquecer a talentosa Ruby Stokes que assume a personagem de Una com 12 anos. O modo de “mostrar” aquilo que aconteceu surge transfigurado em algo mais radical: baseado na peça Blackbird, de David Harrower (também responsável pela adaptação ao cinema), este é um filme que sabe preservar as intensidades próprias da palavra, quer dizer, a dificuldade imensa de conseguir dizer aquilo que realmente foi vivido por Una e Ray.

Estamos, então, perante um exemplo modelar de um cinema sem complexos de ser “psicológico”? O adjectivo é discutível, mas toca num ponto essencial: as forças dominantes dos mercados interessam-se pouco pelos corpos e desejos de personagens humanas, favorecendo antes os heróis digitais de outras galáxias.

3 curtas portuguesas no cinema Ideal

Pedro Borges à porta do Ideal, na rua do Loreto
[FOTO: Orlando Almeida / DN]

Três curtas-metragens portuguesas foram lançadas pela Midas Filmes. Pedro Borges, director da distribuidora, também responsável pelo cinema Ideal, em Lisboa, comenta o evento — esta entrevista foi publicada no Diário de Notícias (13 Setembro), com o título '“As curtas-metragens são para inventar, inovar, surpreender"'.

A comemorar três anos de existência, o cinema Ideal apresenta "3 Novas Curtas Portuguesas".É mais uma proposta da Midas Filmes, distribuidora, exibidora e produtora — Pedro Borges, fundador e director da empresa, faz o ponto da situação.

As curtas-metragens tornaram-se raras no actual sistema de distribuição/exibição. Que razões levaram a Midas Filmes a arriscar na apresentação deste programa com Cidade Pequena [Diogo Costa Amarante], Coelho Mau [Carlos Conceição] e Farpões Baldios [Marta Mateus]?

A estreia de uma curta-metragem foi sempre uma excepção e quase sempre "colada" a uma longa. Muito raramente correu bem. Esta ideia de juntar três filmes e dar-lhes um estatuto de "filmes à séria" surgiu da sua própria circunstância: três filmes muito bons, um Urso de Ouro de Berlim, ao mesmo tempo que duas curtas em Cannes e depois uma delas a receber o Grande Prémio de Vila do Conde. E a vontade de uma afirmação política clara numa altura em que o cinema português que interessa e o seu Instituto viveram uma dramática tentativa de assalto e privatização. Quer dizer, mostrar que há um cinema português que vem do Cinema Novo dos anos 60 (e que à excepção de Oliveira, sabia que tudo o resto que houve antes era abominável) e que foi passando o testemunho: estes jovens cineastas (e outros como eles) são dignos herdeiros dessa linhagem, têm um talento mais que evidente e uma vontade de fazer cinema muito estimulante. As curtas-metragens não são para macaquear a televisão nem para contar historietas, são para inventar, inovar, surpreender. Estas "3 Novas Curtas Portuguesas" são isso mesmo e a sua estreia é apenas a "continuação da (mesma) guerra por outros meios"…

Há um contraste evidente entre o número de curtas que se vão fazendo em Portugal e as que, efectivamente, são exibidas nas salas — para além deste exemplo concreto, que medidas se poderiam tomar para dar mais visibilidade aos filmes?

Não creio que seja uma circunstância exclusivamente portuguesa. E hoje em dia há todo um circuito em que os filmes circulam e são mostrados que tem um valor próprio: todos os dias do ano estão a acontecer por esse mundo fora umas centenas de festivais de cinema de todo o género e feitio que convocam milhões de espectadores. É outra coisa que não cinema, mas é também uma maneira de os filmes serem vistos.

Esta estreia no cinema Ideal acontece pouco depois da reposição de dois musicais clássicos de Jacques Demy, outro modelo de espectáculo pouco frequente nas salas — as apostas deste género vão continuar?

Hoje em dia tudo está disponível em todo o lado ao mesmo tempo. Se não contrariarmos esta ideia feita e não nos reinventarmos todos os dias, estaremos condenados. Estamos sempre a pensar em cem anos de filmes e a ver o que se está a fazer de novo.

A Midas mantém, em paralelo, um importante sector de edições em DVD. Do ponto de vista comercial, como funciona essa relação? O DVD pode ser decisivo ou é sempre a exibição em sala que define a performance de um filme?

Embora os cinemas estejam a morrer, a verdade é que só os filmes que existem nos cinemas é que verdadeiramente existem. Não economicamente — os resultados da sala de cinema são quase negligenciáveis —, mas como trabalho para durar no tempo. Porque os filmes que duram dois meses, já nascem mortos… Os filmes que interessam acabam sempre por ter uma vida saudável no cinema e depois no DVD e em todas as plataformas em que hoje em dia se vê cinema. Mas as salas de cinema são e serão sempre decisivas para que os bons filmes se dêem a conhecer e vivam.

Três anos depois da abertura do Ideal, que balanço se pode fazer da sua actividade? Estamos perante um relançamento do modelo tradicional das salas de "arte e ensaio"?

Creio que um pouco de estatística é importante: estreámos quase 200 filmes e só um terço deles era distribuição da Midas. Um quarto do total foram portugueses: 48 filmes. E documentários foram 44 e reposições 14. O nosso grande falhanço foi que, ao fim de três anos, apenas mais um cinema parecido com o Ideal reabriu (no Porto, o Trindade). Devia haver por esse país fora mais uma ou duas dúzias de cinemas assim. Não seremos nós a fazê-los, mas alguém deveria fazê-lo. Assim houvesse uma política pública para o cinema...

Soderbergh ou o gosto da independência (2/2)

Steven Soderbergh está de volta com um filme que celebra a pura alegria do espectáculo, relançando o seu gosto da independência — este texto foi publicado no Diário de Notícias (7 Setembro), com o tíyulo 'Soderbergh celebra as aventuras dos "maus da fita"'.

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Descobrir um filme como Sorte à Logan é uma festa (enfim, descontando o título português...). Apetece dizer que Steven Soderbergh possui a audácia necessária e suficiente para merecer a sorte que tem. Quando surgiu no Festival de Cannes, em 1989, contava 26 anos, ninguém sabia de onde vinha aquele independente “made in USA” — o certo é que trazia um cartão de visita com um título de muitas ressonâncias simbólicas, Sexo, Mentiras e Vídeo, e... arrebatou a Palma de Ouro.

Depois, já o vimos a dirigir coisas magníficas como Erin Brockovich (2000), Traffic (2000) ou O Bom Alemão (2006) e o certo é que, mesmo quando teve à sua disposição orçamentos consideráveis (Ocean’s Eleven custou 85 milhões de dólares), continuámos a encará-lo como símbolo exemplar da mesma independência. Porquê? Porque a sua estratégia não consiste em demonizar os grandes estúdios, mas em trabalhar para que o seu sistema acolha a diversidade criativa que ele próprio personifica como poucos.

O caso de Sorte à Logan é duplamente exemplar: primeiro, porque não é todos os dias que descobrimos um cineasta com tão sofisticado talento narrativo a fazer um filme com verdadeiras personagens, sustentadas por talentosos actores, sem depender de confusões visuais fabricadas por departamentos de efeitos especiais; depois, porque, desta vez, Soderbergh apostou em distribuir o seu filme no mercado americano também de forma independente (tendo mesmo criado uma empresa, Fingerprint Releasing, para tal fim). Do ponto de vista financeiro, os resultados são, para já, interessantes, sem serem espectaculares. Seja como for, o gesto de Soderbergh envolve um desafio que, sendo comercial, é também visceralmente artístico: Hollywood pode não ser um rótulo, mas sim um modelo de criatividade.

Queer Lisboa — um belo filme de Francis Lee

A 21ª edição do Queer Lisboa começou com a exibição de God's Own Country, longa-metragem de estreia do veterano actor e encenador Francis Lee. Podemos resumi-la através de uma sinopse muito simples: esta começa por ser a história da vida monótona, vazia de sentidos, de Johnny Saxby (Josh O'Connor) numa quinta de Yorkshire; tudo vai mudar quando a chegada de Gheorghe Ionescu (Alec Secareanu), trabalhador proveniente da Roménia, o expõe às convulsões do amor.

Na relação dos dois homens podemos detectar as matrizes clássicas do género melodramático. Assim é, de facto, embora seja importante acrescentar que a sua subtileza e eficácia passa, neste caso, pela preservação dos valores (também clássicos) do grande realismo britânico. Nesta perspectiva, a verdade dos corpos e dos gestos vai a par da metódica encenação da vida rural — especialmente impressionante no modo como o filme integra na ficção todas as fases de tratamento das ovelhas da quinta —, numa dialéctica de grande delicadeza emocional e rigor dramático. Em resumo, uma verdadeira revelação, infelizmente, pelo menos para já, sem perspectivas de exibição comercial no mercado português.

Aventuras de Thom Yorke num elevador

Thom Yorke entra num elevador e parece nunca mais poder chegar ao seu destino... Realista na ambiência, surreal na ficção, assim é o teledisco de Lift, desconcertante e envolvente aventura filmada por Oscar Hudson — a canção é uma das novidades incluídas no alinhamento de OKNOTOK, a edição comemorativa dos 20 anos de OK Computer.

This is the place

Sit down, you’re safe now

You’ve been stuck in a lift

We’ve been trying to reach you, Thom

This is the place

It won’t hurt ever again

The smell of air conditioning

The fish are belly up

Empty all your pockets

Because it’s time to come home

This is the place

Remember me?

I’m the face you always see

You’ve been stuck in a lift

In the belly of a whale

At the bottom of the ocean

The smell of air conditioning

The fish are belly up

Empty all your pockets

Because it’s time to come home

The smell of air conditioning

The fish are belly up

Let it go

Today is the first day

Of the rest of your days

So lighten up, squirt

Harry Dean Stanton (1926 - 2017)

Actor lendário, mil vezes secundário, parecendo sempre principal, o americano Harry Dean Stanton faleceu no dia 15 de Setembro, no Cedars-Sinai Medical Center de Los Angeles — contava 91 anos.

A sua apurada formação musical parecia encaminhá-lo para uma carreira que não seria exactamente cinematográfica. É certo que manteve sempre alguma actividade musical com a sua banda (em 2014, publicou o álbum Partly Fiction, ligado a um documentário homónimo), mas acabou por se impor como um brilhante secundário, tão discreto quanto complexo.

Estudou artes dramáticas na Pasadena Playhouse, na Califórnia. Depois da Segunda Guerra Mundial (ocupou um posto de cozinheiro durante a batalha de Okinawa), começou uma carreira regular que, em cinema e televisão, o levaria a participar em mais de duas centenas de títulos. Entre as suas personagens mais famosas incluem-se o frágil Brett que, em Alien - O Oitavo Passageiro (1979), de Ridley Scott, é esmagado pelo monstro, ou Travis, o homem errante de Paris, Texas (1984), de Wim Wenders, à procura das suas raízes familiares.
Vimo-lo em Duelo na Poeira (1973), de Sam Peckinpah, O Padrinho: Parte II (1974) e Do Fundo do Coração (1981), ambos de Francis Ford Coppola, A Última Tentação de Cristo (1988), de Martin Scorsese, Um Coração Selvagem (1990), de David Lynch (um dos cineastas que o dirigiu mais vezes), The Green Mile/À Espera de um Milagre (1999), de Frank Darabont, Este é o Meu Lugar (2011), de Paolo Sorrentino, etc., etc.

Sempre de postura contida, Harry Dean Stanton sabia criar presenças em que sentíamos, ou pressentíamos, algo mais para além dos olhares e dos gestos — foi um minimalista de génio. Um dos seus derradeiros papéis ocorreu na nova série Twin Peaks (2017), retomando, aliás, a personagem de Carl Rodd que Lynch já lhe entregara em Twin Peaks: Os Últimos Sete Dias de Laura Palmer (1992).

>>> A morte de Brett em Alien + Travis na abertura de Paris, Texas (música de Ry Cooder) + Harry Dean Stanton cantando no Festival de Cinema de Los Angeles (2013).

>>> Obituário no New York Times.
>>> Os 90 anos de Harry Dean Stanton na revista Interview.

Bowie, Berlim & etc.— SOUND + VISION Magazine, dia 30

[ Masayoshi Sukita, 1977 ]

Estamos de regresso à FNAC do Chiado para revisitarmos David Bowie no tempo mítico do seu capítulo made in Germany, tendo como ponto de partida uma especialíssima reedição da 'Trilogia de Berlim'— a partir daí, propomos uma deambulação pela cidade, na música, no cinema, nas outras artes.

* FNAC: Chiado, 30 Setembro (18h30)

John Carpenter — "Christine" em teledisco

John Carpenter tem andado a arrumar, e editar, as suas memórias musicais — afinal de contas, ele é autor de várias bandas sonoras dos seus filmes. Assim, está agendado para 20 de Outubro o lançamento de Anthology: Movie Themes 1974-1998, ou seja, abrangendo o período que vai de Dark Star (1974) a Vampiros (1998), incluindo, entre outros, Assalto à 13ª Esquadra (1976), porventura o seu tema musical mais conhecido, O Nevoeiro (1980) e Christine (1983). Recordando Christine, precisamente, brilhante adaptação do livro de Stephen King, Carpenter realizou um delicioso teledisco, retomando a imagem do "carro assassino" (era o subtítulo português) e propondo uma perversa variação romântica — com Rita Volk e... adivinhem quem.

>>> Teledisco de Christine + abertura do filme Christine + 6 temas do novo álbum.

>>> Site oficial de John Carpenter.

Fernanda Borsatti (1931 - 2017)

Actriz de sóbria versatilidade, com uma longa carreira em teatro, televisão e cinema, Fernanda Borsatti faleceu no dia 14 de Setembro, no Hospital da CUF, em Lisboa, vítima de doença prolongada — contava 86 anos.

Com uma carreira que se desenvolveu ao longo de seis décadas, foi a televisão que a transformou numa figura muito popular, desde 1957, ano do início das emissões da RTP — aí participou em emissões pioneiras de teatro, muitas delas emitidas em directo. Embora com um genuíno talento dramático, terá sido através da comédia que se inscreveu no imaginário popular [veja-se o video, aqui em baixo, de um sketch de Borsatti, com Raul Solnado, no programa Zip-Zip]; depois, surgiu também em programas como Eu Show Nico, Lá em Casa Tudo Bem ou Residencial Tejo (este na SIC).

Começou no teatro em meados dos anos 50, representando em todos os registos e contracenando com Raul Solnado, Artur Semedo, Armando Cortez, Eunice Muñoz, Ivone Silva, etc. Integrou o elenco de O Vison Voador, protagonizado por Raul Solnado, espectáculo de enorme sucesso em finais dos anos 60. Passou por mais de uma dezena de companhias, incluindo o Teatro Maria Vitória, a Companhia Laura Alves e a Casa da Comédia, tendo integrado o elenco do Teatro Nacional D. Maria II entre 1978 e 2001. Embora de forma menos regular, o cinema foi também pontuando a sua actividade, tendo surgido em filmes como Sangue Toureiro (1958), de Augusto Fraga, Pão, Amor e... Totobola (1964), de Henrique Campos, Domingo à Tarde (1966), de António de Macedo, A Vida É Bela?! (1982), de Luís Galvão Teles, A Mulher do Próximo (1998), de José Fonseca e Costa, e A Corte do Norte (2008), de João Botelho. Em 2007, Fernanda Borsatti recebeu a Medalha de Mérito Municipal (Grau Ouro), atribuída pela Câmara Municipal de Lisboa.

>>> Obituário no Diário de Notícias.

Frank Vincent (1939 - 2017)

Actor emblemático da série televisiva The Sopranos, o actor americano Frank Vincent faleceu no dia 13 de Setembro, em New Jersey, na sequência de uma operação ao coração — contava 80 anos.

Com apurada formação musical, foi na juventude um talentoso baterista. No cinema, começou a ser notado em O Touro Enraivecido (1980), de Martin Scorsese. Voltaria a ser dirigido por Scorsese em Tudo Bons Rapazes (1990) e Casino (1995). Surgiu também, por exemplo, em Não Dês Bronca (1989) e A Febre da Selva (1991), ambos de Spike Lee, Pensamentos Mortais (1991), de Alan Rudolph, O Lado Obscuro da Lei (1996), de Sidney Lumet e Copland (1997), de James Mangold, quase sempre assumindo personagens que acentuavam as suas raízes italianas. Em qualquer caso, foi a violenta personagem de Phil Leotard, em Os Sopranos (2004-2007), que o tornou conhecido das maiores audiências [video com uma cena da série]. Em 2006, publicou A Guy's Guide to Being a Man's Man, livro apresentado como uma reflexão irónica, em parte auto-biográfica, sobre os valores masculinos.

>>> Obituário no New York Times.
>>> Site oficial de Frank Vincent.

Charlotte Gainsbourg — nova canção

Chama-se Rest e é o cartão de visita do novo álbum (homónimo) de Charlotte Gainsbourg, agendado para 17 de Novembro. Com produção de Guy-Manuel de Homem-Christo, a canção é uma deambulação, confessional e intimista, conjugando palavras francesas e inglesas — uma pérola de contenção e sensibilidade.

Prends-moi la main, s'il te plaît

Ne me laisse pas m'envoler

Reste avec moi, s'il te plaît

Ne me laisse pas t'oublier

We're walking in the air

 We're floating in the moonlit sky

 I'm finding I can fly

 So high above with you

Reste avec moi, s'il te plaît

Ne me laisse pas t'oublier

Prends-moi la main, en secret

Je te laisserai m'envoler

M'envoler

T'embrasser

Te toucher

Accepter

D'oublier

M'envoler
T'embracer
Te toucher

We're walking in the air

Riding in the midnight blue

[...]

Patti Smith em "The Tonight Show"

Antecipando um concerto de evocação e homenagem ao seu marido Fred "Sonic" Smith (1949-1994), a realizar no Central Park, Patti Smith foi convidada de Jimmy Fallon, em The Tonight Show. Interpretou o clássico People Have the Power, que ela compôs com Fred, em 1988. Contou com os filhos, Jesse Paris Smith (teclados) e Jackson Smith (guitarra), Tony Shanahan (baixo) e Questlove (bateria, de The Roots, banda residente do programa) — para incluir no top dos grandes momentos televisivos de 2017.

Peter Hall (1930 - 2017)

[FOTO: Martin Pope / The Telegraph]

Figura tutelar das últimas seis décadas do teatro britânico, Peter Hall faleceu em Londres, no dia 11 de Setembro — contava 86 anos.

A criação da Royal Shakespeare Company no começo da década de 60 e a direcção do National Theatre (1973-1988) bastariam para conferir a Hall um lugar único na história moderna do teatro, e tanto mais quanto toda a sua actividade foi no sentido de preservar um importante apoio público à actividade teatral, em particular, e ao domínio artístico, em geral. Para além disso, o seu historial como encenador é impressionante, incluindo a estreia mundial em língua inglesa de À Espera de Godot, de Samuel Beckett (em 1955, no Arts Theatre), e múltiplas abordagens de textos de Shakespeare, Tennessee Williams, Harold Pinter, Edward Albee, Jean Anouilh, etc., etc.

A ópera, o cinema e a televisão fazem também parte do seu currículo. Entre os seus filmes, para além de várias adaptações de Shakespeare, encontramos Three into Two Won't Go (1969), um drama pleno de sarcasmo capaz de expor as ambiguidades emocionais e morais dos usos e costumes da época — com Rod Steiger, Claire Bloom e Judy Geeson, foi lançado entre nós como A Rapariga do Auto-Stop [genérico de abertura].
Hall escreveu vários livros, incluindo a auto-biografia Making An Exhibition of Myself (2000) e ainda The Necessary Theatre (1990), Exposed by the Mask (2000) e Shakespeare's Advice to the Players (2003). Foi director artístico do Glyndebourne Festival Opera (1984–1990); em 1998, formou a Peter Hall Company. Twelfth Night, de Shakespeare, em 2011, no National Theatre, ficou como a sua derradeira encenação.

>>> Obituário no jornal The Guardian.

>>> Memória de Peter Hall no site da Royal Shakespeare Company.

JP Saxe — telemóvel, teledisco

Convenhamos que o romantismo hesitante, suave e previsível, de JP Saxe não será a última maravilha que o mercado da música pop tem, neste momento, para nos oferecer. Em todo o caso, não simplifiquemos ainda mais: o seu teledisco da versão acústica de Changed (realizado por Ellis Bahl) é um objecto de cândida sedução. Como? Há nele um "modo" de telemóvel que adquire a inesperada dimensão de um grave intimismo. Afinal, é possível usar este modelo de imagem para além da agitação gratuita que a sua aplicação adquiriu no espaço televisivo, consagrando a ideologia mediática de uma patética objectividade. O telemóvel como instrumento pudico? Porque não?