Lisboa que aparece

Chega hoje às lojas um disco que apresenta a Lisboa Records, uma nova editora que, nesta etapa de lançamento, vai trabalhar apenas projectos de música portuguesa. Lisboa é um tributo a uma cidade que continua a inspirar músicos e, salvo a participação das Danças Ocultas, é um álbum feito de gravações inéditas. A “família” Sétima Legião está presente em diversas frentes, uma vez mais chamando atenção para o muito que, em separado (ou eventualmente em colectivo) ainda tem para nos revelar. Lisboa abre a janela às muitas paisagens que aceita. Rui Reininho e Armando Teixeira assinam o “momento” do disco em O Estranho Caso do Amante Preguiçoso, canção que revela o potencial de uma parceria que justificava nova aventura posterior... Um EP... Quem sabe, um álbum. Pedro Oliveira e José Sousa fazem de Magnífica Luz outro dos grandes instantes pop de um álbum onde encontramos ainda, próximos de linguagens que lhes são habituais, Rodrigo Leão, A Naifa e os The Gift. Da herança d’Os Poetas chegam novas abordagens por música à poesia, a mais interessante de todas via BCN, sob palavras e voz de Mário Cesariny. Nota ainda para uma interessante leitura de Com Que Voz por Maria Ana Bobone e Ricardo Rocha (com Rodrigo Leão a colaborar nos arranjos), sem temer afastar-se dos paradigmas “amalianos”. Duas revelações a fechar: Novembro e André Filipe, nomes a acompanhar... Num ano de dieta na oferta musical, um álbum cheio de luz e boas sugestões, para mostrar que nem tudo está perdido...

Em câmara lenta

Quando parece que tudo está experimentado no formato do teledisco, uma maré de ideias entra em cena e renova linguagens. Vários exemplos têm chegado este ano, a que hoje vemos com impressionante sugestão narrativa. Ilustra The Heinrich Manouevre, a canção que apresenta o novo álbum dos Interpol, a editar na próxima semana. Já tinhamos visto uma utilização consequente da câmara lenta num histórico clip dos Sigur Rós. Eis outra forma de usar, com evidente noção de tensão em construção...

A "moda" integral pegou mesmo

Lou Reed começou por anunciar que, finalmente, ia tocar a totalidade do alinhamento de Berlin. Os OMD estão neste momento a apresentar, em concertos, Architecture & Morality na íntegra. Os Human League vão tocar, ao vivo, Dare!, de fio a pavio... Agora é Gary Numan quem anuncia um projecto semelhante. Em Dezembro vai levar a palco, da primeira à última faixa, o clássico Replicas, de 1979. Datas e locais a anunciar brevemente.

Discos Voadores, 29 de Janeiro

Chegados a meio do ano, um balanço dos seis primeiros meses do ano. Cinco álbuns portugueses e dez de produção pop/rock internacional em revisão.

Map Of Africa “Plastic Surgery”
Montag “Best Boy Electric”
Apparat “Hold On”
Morgan Geist “Most Of All”
Postal Service “Grow Old With Me”
The Aliens “Only Waiting”
U-Clic “Like” (5)
Partisan Seed “The Old Garden” (4)
Old Jerusalem “Dayspring” (3)
Micro Audio Waves (2)
Wraygunn “Hoola Hoop Woman” (1)
Raveonettes “One Day At A Time”
Cansei de Ser Sexy “Pony Money Honey”

2008 “Caratequide”
Interpol “The Heinrich Manouevre”
Chemical Brothers “Do It Again”
Battles “Atlas” (10)
The National “Squalor Victoria” (9)
White Stripes “A Martyr For My Love For You” (8)
The Good The Bad and The Queen “Green Fields” (7)
Rufus Wainwright “Tiergarten” (6)
Blonde Redhead “Silently” (5)
Of Montreal “Heimdalsgate Like A Promethean Curse” (4)
Au Revoir Simone “Stars” (3)
The Shins “Turn On Me” (2)
Panda Bear “Comfy In Nautica” (1)
Pantha du Prince “Saturn Strobe”

Discos Voadores - Sábado 18.00 / Domingo 22.00
Radar 97.8 FM ou www.radarlisboa.fm

A IMAGEM: Lucian Freud, 1994

Lucian Freud

The Egyptian Book, 1994

Elogio de Alain Resnais

Texto publicado no Diário de Notícias (revista 'NS', 30 de Junho), com o título 'O gosto da experimentação' >>> Não deixa de ser desconcertante, mas é um facto: quase sempre, quando evocamos os autores marcantes da Nova Vaga, temos tendência a esquecer ou secundarizar o nome de Alain Resnais. E, no entanto, a sua obra é indissociável das transformações por que passou a produção francesa nos anos 50/60. É certo que Resnais (nascido em 1922, na Bretanha) começou ainda na década de 40, como documentarista, mas bastaria um título marcante como Hiroshima, Meu Amor (1959) para fazer dele uma figura de referência do moderno cinema europeu.
Agora, com esta preciosa edição de uma caixa com cinco filmes, podemos redescobri-lo e, acima de tudo, compreender como ele nunca deixou de ser um experimentalista paciente e ousado como poucos (a edição inclui sexto disco, só de extras, com uma entrevista audio com Resnais e um depoimento de João Mário Grilo). Estamos perante os cinco títulos que Resnais assinou ao longo da década de 80, numa época em que, pelas mais variadas razões, muito se falou de crise da produção francesa e, em particular, da sua colagem a modelos de raiz americana. Em boa verdade, face a estes trabalhos, a começar pelo fabuloso e desconcertante O Meu Tio da América (1980), o menos que se pode dizer é que Resnais viveu nessa época (mais) um período de espantosa vitalidade criativa.
Dir-se-ia que, sempre atento às imensas possibilidades de montagem que o cinema oferece, Resnais quis confrontar elementos provenientes de universos muito diferentes. No caso de O Meu Tio da América, esse confronto envolve uma teia melodramática e o próprio discurso científico (simbolizado pela presença de Henri Laborit, um analista das determinações do comportamento humano); em A Vida É um Romance (1983), trata-se de propor um ziguezague entre a Europa do começo do século XX e os tempos medievais; em Quero Ir para Casa (1989), viajamos através de uma teia de personagens marcadas pelas diferenças das culturas europeia e americana.
Dos cinco títulos, O Amor É Eterno (1984), no original L’Amour à Mort, ocupa um singularíssimo lugar na filmografia de Resnais: nele se propõe uma fábula, afinal muito realista, sobre a transcendência do amor e, mais especificamente, sobre a sua vida para além da morte. Isto porque, afinal, Resnais sempre foi um cineasta seduzido pela matriz melodramática. Se dúvidas ainda houver, veja-se ou reveja-se esse deslumbrante bailado de amores e desamores que se chama, muito simplesmente, Mélo (1986) [foto em cima, Fanny Ardant].
Resta lembrar o óbvio (mas também muitas vezes esquecido): Resnais é um invulgar director de actores, sabendo expor em cada um deles uma desconcertante "naturalidade", afinal produto de um labor exaustivo sobre a pose e a psicologia, o corpo e a palavra. Por estes filmes passam os fidelíssimos Sabine Azéma e Pierre Arditi e ainda, entre muitos outros, Gérard Depardieu, Fanny Ardant, Vittorio Gassman, André Dussollier e Geraldine Chaplin.

A televisão panfletária

Este texto foi publicado na revista de televisão do Diário de Notícias (29 de Junho), com o título 'Vive-
mos num "YouTube" global?' >>> No momento em que escrevo, permanece em suspenso a si-tuação de Alan Johnston, jorna-lista da BBC, raptado a 12 de Março na Faixa de Gaza. A 1 de Junho, o grupo de raptores (Exército do Islão) divulgou um vídeo em que Johnston dizia que estava a ser bem tratado. No dia 25, surgiu um segundo vídeo do jornalista, agora envergando um colete-bomba, ao mesmo tempo que era reivindicada a libertação do radical islâmico Abu Qatada, preso no Reino Unido e suspeito de ligações Al-Qaeda.
O espaço mediático em que vivemos é feito destes bizarros desequilíbrios sobre os quais pouco, ou nada, reflectimos. Dito de outro modo: uma agressão como esta, alheia a todas as normas básicas da convivência democrática, encontra via aberta para a sua imediata difusão televisiva e, no limite, planetária. E escusado será sublinhar que o facto de o sujeito agredido estar ligado a uma entidade como a BBC lhe confere também (como os agressores bem o sabem) a dimensão de símbolo das democracias ocidentais.
Não é simples lidar com isto. Acima de tudo, não é possível reduzir tão complexa questão ao voluntarismo dos que, embora em nome de ideais democráticos (obviamente, não é isso que está em causa), se enredam no maniqueísmo do que se "deve" ou "não deve" mostrar.
Algo da informação televisiva contemporânea vive desta delirante lógica de YouTube global que integra e, por assim dizer, sublinha tudo o que possa conter algo de panfletário. Repare-se como muitos discursos publicitários são de natureza panfletária: os potenciais consumidores são apresentados como aqueles que reivindicam algo que lhes falta e limita a sua identidade. Como? Ansiando pelo produto publicitado.
Claro que não é possível confundir a mediocridade de um discurso publicitário com as notícias mais trágicas do nosso quotidiano. O que está em causa é de outra natureza. A saber: onde acaba a televisão como "janela aberta sobre o mundo" e começa a informação como parada de atracções desligadas de qualquer contexto?

Sinais de Verão

A auto-edição não é novidade na música clássica, muitos sendo já os artistas (intérpretes ou mesmo compositores) que resolveram tomar entre mãos a edição da sua música. Stockhausen tem uma editora pela qual lança todas as suas gravações. Glass tem outra, que além da sua música edita aqueles com quem sente afinidade, assim como através dela tem dado vida aos arquivos da Kitchenware. Agora, é a Chicago Symphony Orchestra quem se apresenta com editora própria. Trata-se da CSO Resound, que apresenta como primeiro lançamento uma espantosa gravação da terceira sinfonia de Mahler, sob direcção de Bernard Haitink (n. 1929), contando ainda com a mezzo-soprano Michele DeYoung e um trabalho de design deslumbrante na capa. O maestro holandês, que ocupa desde o ano passado o lugar (recentemente criado) de maestro principal da CSO já tinha gravado a terceira de Mahler (no mercado existe ainda uma edição em registo pela Concertgebow Orchestra, e a voz de Maureen Forrester). A nova gravação foi efectuada em Outubro do ano passado. A elegância da interpretação e pujança das cores e força que brotam dos instrumentos em pleno justificam esta escolha para inaugurar o catálogo discográfico da orquestra. Pastoral, luminosa, plena de sinais das incontornáveis forças vivas que associamos à natureza, a terceira é uma das mais belas e inspiradoras entre as sinfonias de Mahler. E também uma das estruturalmente menos convencionais. Longa (nesta gravação chega a uma hora e 40 minutos), é por isso menos tocada que outras. Mas esta gravação em disco merece absoluta atenção.

Mahler passou o Verão de 1893 em Steinbach am Attersee. E foi nesse Verão que definiu a sua atitude de trabalho. Passaria a compor na estação do calor e da luz, no campo, deixando para a cidade e o Inverno as suas outras tarefas e obrigações como maestro e administrador. No Verão seguinte construiu uma pequena cabana, na qual mais não quis ter que um piano, uma secretária, uma estante com livros e um fogão de lenha. Da janela via o prado e o lago mais ao fundo. Inspirador, o panorama traduziu-se em muita da deslumbrante música que nos deixou. A terceira sinfonia foi aí composta, entre os Verões de 1895 e 96. Mahler começava o dia pelas 6.30 da manhã. Traziam-lhe o pequeno almoço. E, depois, havia ordem para não se incomodado até que a porta da cabana fosse novamente aberta. Perto da cabana foi montado um espantalho para afastar pássaros eventualmente ruidosos. Aos aldeãos foi pedido que por ali não passassem. Ao fim da tarde, Mahler parava. Depois de uma sesta lia um livro, passeava... Para retomar o trabalho no dia seguinte.
Com evidente pulsão narrativa (que na origem poderíamos descrever como uma história do despertar de um Verão e de sucessivas revelações feitas pelas flores, animais, homens, anjos e o amor), a terceira sinfonia foi de projecção lenta e trabalhosa para o compositor. O primeiro andamento surgiu depois de toda a restante música concluída. E o final original acabou ceifado, reaparecendo como o último andamento da quarta sinfonia. O primeiro andamento, o mais longo (cerca de um terço de toda a sinfonia), é uma espantosa visão contemplativa sobre o grande espaço natural sob a luz e força do Verão, revelando pequenos mundos e acontecimentos numa invulgarmente versátil teia de sugestões.. Os restantes são mais curtos, mais centrados em ideias e “personagens”, o quarto usando um texto extraído de Also Spracht Zarathustra (de Nietzsche), o quinto extraindo palavras de Des Knaben Wunderhorn, o sexto (final), encerrando majestosamente tão vibrante visão pastoral.

PS. Esta edição não deverá estar disponível no mercado de loja convencional, a menos que alguma distribuidora local a encomende. Está contudo acessível pela Internet por CD ou download.

A máscara e os blues

Ano Bowie – 53
‘The Jean Genie’ – Single, 1972

Aquela que hoje é descrita por David Bowie como a sua primeira canção americana foi também, em 1972, a primeira das criações pós-Ziggy a ser revelada, sugerindo desde logo que o álbum a caminho (Aladdin Sane, editado já em 1973) seria sequela glam rock, mas com novos temperos. Primeiras ideias nascidas em estúdio (entre Nova Iorque e Nashville), com Mick Ronson a levar avante riffs ao estilo de Bo Didley que experimentara em incidentais momentos de improvisação em concertos em Cleveland e Memphis poucos dias antes, a canção foi concluída no apartamento de Cyrinda Foxe, uma ocasional namorada de Bowie, figura da entourage de Warhol. Ao ser estreada em palco foi então anunciada como a história de “um tipo que vive em Nova Iorque” ou, mais claramente, “sobre um amigo nosso, Iggy Pop”. Na verdade não era Iggy o objecto da canção, mas talvez a imagem que a inspirou, na verdade sendo, como Bowie mais tarde descreveu, a história de um homem que a vida tratou mal, rejeitado, que tem interesses intelectuais, mas não quer que se saiba o que lê... Ao ser editado, o single foi êxito imediato e o seu riff imediatamente replicado pela multidão de sósias glam que então entravam em cena. A canção tornou-se uma presença regular em concertos e, apesar de raras sendo as ocasiões em que os blues contaminaram a música de Bowie, The Jean Genie é um dos mais evidentes exemplos de sucesso na recontextualização dessas velhas músicas em terreno rock’n’roll de inícios de 70. É uma das canções de Bowie com mais versões gravadas, com covers assinadas por nomes tão diferentes como os Van Halen, Hothouse Flowers ou Dandy Warhols. Os Simple Minds tiraram o seu nome do verso “so simple-minded”, desta canção.

The Jean Genie (RCA, 1972)
Lado A: The Jean Genie
Lado B: Ziggy Stardust
Produção: David Bowie



Mick Rock rodou um teledisco para acompanhar a promoção deste single. Para acompanhar imagens captadas ao vivo, foram feitas filmagens adicionais num estúdio e, San Francisco, em Outubro de 1972, às quais se juntam pequenas outras sequências rodadas no Mars Hotel... A rapariga que dança ao longo do vídeo, muitas vezes apontada como sendo Angie é, na verdade, Cyrinda Foxe (a tal namorada americana da época)... O teledisco revela, pela primeira vez, a máscara feita de dedos, que Bowie usaria de então em diante, e que muitos associam hoje, sobretudo à canção Scary Monsters.

Lady Ella (e os outros)

No ano em que Ella Fitzgerald completaria 90 anos — nasceu a 15 de Abril de 1907 e faleceu 15 de Junho de 1996 —, o seu nome tem sido recordado através de vários tributos. Um deles estreou na televisão pública americana, PBS, com o título We Love Ella! A Tribute to the First Lady of Song. Outro, de âmbito discográfico, tem uma designação semelhante — We All Love Ella: Celebrating the First Lady of Song —, foi produzido por Phil Ramone e já está disponível nas lojas portuguesas.

Entre os notáveis que recriam temas da lendária cantora de jazz, incluem-se Natalie Cole, Etta James, Gladys Knight, Diana Krall e Linda Ronstadt (esta numa inesperada, mas brilhante, versão de Miss Otis Regrets); a própria Ella é recordada através de You Are the Sunshine of My Life, num registo ao vivo, de 1977, em dueto com o próprio Stevie Wonder (autor da canção). Para recordarmos o original, sugerimos esta preciosidade: Ella Fitzgerald, em Amsterdão, 1957, interpretando Angel Eyes (tema atribuído, neste novo tributo, a K. D. Lang).