sound + vision

"O Artista": sucesso made in USA

2012-01-29T23:14:00.000Z

As repetidas consagrações de O Artista, de Michel Hazanavicius — a mais recente vem do sindicato dos realizadores americanos, isto é, a Directors Guild of America —, vão por certo gerar a tradicional avalanche de insultos contra aqueles que consideram o filme um divertimento banal, simpático na sua futilidade, retórico no seu kitsch de muitos simulacros. É uma mitologia demasiado forte que quase todos aplicam sem sequer olharem à sua volta: a "crítica" ataca os filmes que têm prémios... Enfim, cada um diverte-se com os equívocos que mais lhe agradam.

* * * * *

Lembremos, a propósito, que logo em Cannes/2011, foi possível pressentir as perversas potencialidades comerciais do filme, aliás in loco confirmadas pelo facto de O Artista ter sido adquirido pela Weinstein Company, entidade de invulgar talento de marketing.
Ao mesmo tempo, importa recordar que o impacto de O Artista nos EUA é apenas o efeito mais próximo de todo um processo económico e cultural que a França tem sabido desenvolver através de políticas cujas lógicas vêm dos tempos de Jack Lang como ministro da Cultura.
Entretanto, sendo também uma tradição difamar Hollywood e os Oscars, não deixa de ser curioso observar como, em situações deste género, subitamente tudo o que vem da América para consagrar o cinema europeu ganha valor de caução intocável.

Sócrates & Cavaco: a luta continua!

2012-01-29T18:06:00.000Z

PIET MONDRIAN
Composição com vermelho, amarelo e azul
1921

Infelizmente, o espaço televisivo continua privilegiar o fait divers em detrimento das exigências e dos valores do conhecimento. Quem perde? A inteligência de todos nós — este texto foi publicado no Diário de Notícias (27 Janeiro), com o título 'Eu agora sou "cavaquista"'.

O facto de considerar que a degradação da imagem pública de José Sócrates resultou, em parte, da demagogia argumentativa de algum jornalismo televisivo, valeu-me a acusação de perigoso “socratista”. Se esse é o preço a pagar por não aceitar a lógica de muitas mediocridades, porque não? Em todo o caso, pressinto que entrei numa crise mais dramática: estou a transformar-me num empedernido “cavaquista”.

Tudo começou com a proliferação de notícias televisivas sobre o facto de o Presidente da República ter sido “vaiado”, em Guimarães, na noite de abertura da Capital Europeia da Cultura (à qual estou ligado como programador). Quanto mais assistia à repetição ad nauseaum das respectivas imagens e sons, mais confirmava uma triste certeza: com frequência, o jornalismo passou a ser substituído pela fabricação grosseira de fogo de artifício para usar e deitar fora (nada a ver, entenda-se, com o talento de La Fura del Baus).

Acontece que, desta vez, eu estava na Praça do Toural, em Guimarães, a cerca de 20 metros das célebres “vaias” e vi (e ouvi) aquilo que faz parte do folclore: entre as cem ou duzentas pessoas que realmente podiam ver o Presidente a entrar para o seu carro, uma metade delas aplaudiu-o, enquanto algumas dezenas terão feito aquilo que alguns cidadãos gostam de fazer (assobiar), seja porque algum político vai a passar, seja porque Ronaldo falhou mais um golo (força, Cristiano, não desistas!). Aliás, ouviu-se o mesmo tipo de aplausos e assobios para Durão Barroso, mas o facto, estranhamente, não chegou às notícias. Em boa verdade, para os milhares de pessoas que estavam no Toural, um e outro evento não terão passado de uma agitação efémera, lá ao longe.

Como é possível que um fait divers como este adquira o peso e a gravidade de um facto político? Como chegámos a esta triste conjuntura em que alguma informação televisiva parece só viver em função da celebração grotesca do ruído ou da confusão? Ainda e sempre, o meu espanto redobra perante a cobardia intelectual da maioria da classe política, tanto à esquerda como à direita: porque é que os nossos políticos não enfrentam este estado de coisas como o mais prioritário dos nossos problemas culturais?

As vozes de Brahms

2012-01-29T09:17:00.001Z

Obras corais de Johannes Brahms (1833-1897) em gravações pela Orchestre des Chams Elysées e pelo Collegium Vocale Gent, dirigidas por Philippe Herreweghe e lançadas na sua própria editora: a Phi.

A ideia de criar etiquetas ligadas a um músico (ou a uma orquestra) tem caracterizado algumas das grandes opções que os espaços da música clássica têm visto nascer nos últimos anos. Se há ainda quem opte por se integrar em grandes editoras (o compositor Nico Muhly edita agora pela Decca Classics, Gustavo Dudamel é um dos rostos mais visíveis da Deutsche Grammphon), outros são os nomes que decidiram tomar os seus destinos nas suas mãos. Michael Nyman ou Philip Glass editam pelas suas próprias etiquetas. John Eliot Gardiner criou a Soli Deo Gloria. Orquestras como a London Philharmonic Orhestra ou Chicago Symphony Orchestra têm as suas próprias editoras. E em 2011 o maestro Philip Herreweghe juntou-se a estas fileiras, apresentando a Phi, etiqueta que integra o grupo Outhere (que representa também a Ricercar, a Alpha ou Aeon) e que tem como objetivo a gravação e edição dos trabalhos do maestro com a Orchestre des Champs Elysées e o Collegium Vocale Gent.

O catálogo estreou-se com uma gravação da Sinfonia Nº 4 de Mahler. Juntou depois motetes de Bach. E, como terceiro título, apresentou recentemente um conjunto de obras corais de Johannes Brahms. O alinhamento abre com um magnífico Schicksalslied Op. 54, obra de 1871 para coro e orquestra que em tudo materializa uma visão que o compositor procurou (e que foi de resto ponto de partida para um olhar diferente num ciclo de gravações da integral das sinfonias de Brahms por Gardiner). Junta depois Rhapsodie “Alt-Rhapsodie”, Op. 53; Warum ist das Licht gegeben, Op. 74/1; Begräbnisgesang für gemischten, Op. 13 e Gesang der Parzen, Op. 89. Herreweghe, profundo conhecedor da obra de Brahms assegura coerente abordagem a este conjunto de obras que registou em Varsóvia e que contou com a presença de Ann-Hallenberg (mezzo-soprano) na Rhapsodie.

Nos tempos do vinil

2012-01-29T09:13:00.003Z

Um olhar hoje por capas de discos de Philip Glass que se transformaram em peças de coleção. Todas estas obras existem hoje em gravações (estas mesmas ou outras) nos formatos de CD e download. Mas aqui recordamo-las nas gravações originais, lançadas nos tempos do vinil. A capa que abre o post recupera de resto aquele que foi o segundo disco lançado por Glass na Catham Square Productions, em 1973, juntando Music in Similar Motion a Music in Fifths.

As três outras capas representam, por ordem, o disco Solo Music (Shandar, 1975), que inclui Music in Contrary Motion e Two Pages, North Star (Virgin, 1977) e Dances 1 – 3 (Tomato Records, 1980). Os restantes lançamentos deste período já aqui foram apresentados nas últimas semanas. Foram eles Music With Changing Parts (Catham Square Productions, 1970), Music in Twelve Parts (Parts 1 & 2) (Virgin, 1974) e Einstein on The Beach (Tomato Records, 1979).

E as árvores brilharam...

2012-01-29T09:09:00.000Z

Discografia David Sylvian - 4
'Brilliant Trees' (álbum), 1984

O álbum de estreia de David Sylvian definiu novas linhas e horizontes, mas não representou necessariamente um episódio de rutura total face ao que eram os caminhos que a música dos Japan vinha a tomar (aliviando todavia a carga “oriental” que tanto havia caracterizado Tin Drum como inéditos entretanto surgidos no duplo ao vivo Oil on Canvas e na antologia Exorcising Ghosts, ambas edições já posteriores à notícia da separação do grupo). Na verdade Brilliant Trees mantém uma atenção para com o formato da canção e pela ideia de uma estrutura rítmica pronunciada, traduzindo contudo ecos de novos pólos de interesse, nomeadamente nos caminhos do jazz (presença sobretudo notória em Red Guitar), funk (escute-se Pulling Punches) ou os patamares de uma música ambiental focada na exploração de texturas e silêncios (com o belíssimo Nostalgia revelando-se assim como peça central do alinhamento).

O disco foi gravado nos estúdios Hansa, em Berlim, na reta final de 1983, com créditos de produção repartidos entre o próprio David Sylvian e Steve Nye. Entre os músicos que colaboram no disco contam-se dois ex-Japan (Steve Jansen e Richard Barbieri), Holger Czukay, Ryuichi Sakamoto, Mark Isham ou Jon Hassell. A capa mostra uma foto assinada por Yuka Fuji.

Nos 100 anos de Jackson Pollock (2)

2012-01-29T09:06:00.002Z

'Mural'
(1943/44)

Conta-se que foi criado numa noite e na manhã seguinte, perto do Natal de 1943. Era uma encomenda de Peggy Guggenheim (a filha de Solomon Guggenheim, o fundador do museu que ostenta o seu nome) e representou o primeiro trabalho de Jackson Pollock (1912-1956) pensado para ser observado de perto. “Com o Mural, Pollock, na altura pouco mais do que um artista provinciano tentando alcançar reconhecimento em Nova Iorque, foi de repente catapultado para a primeira categoria da arte contemporânea internacional”, diz Leonhard Emmerling no volume da Tachen dedicado ao pintor. A tela, com 2,47 m de altura e 6,05 m de comprimento, está na coleção do The University Of Iowa Museum of Art.

Eiko Ishioka (1939 - 2012)

2012-01-29T00:14:00.000Z

DRÁCULA (1992), Gary Oldman

Oscarizada pelo seu trabalho de concepção do guarda-roupa de Drácula (1992), de Francis Ford Coppola, Eiko Ishioka foi uma designer japonesa cujas formas exuberantes e elegantes deixaram marcas fortes no cinema, teatro, ópera, publicidade e artes gráficas — faleceu em Tóquio, no dia 21 de Janeiro, contava 72 anos.

Formada em Belas Artes e Música pela Universidade de Tóquio, Ishioka teve a sua primeira consagração internacional no Festival de Cannes, em 1985, quando a concepção cenográfica de Mishima, de Paul Schrader, lhe valeu o prémio da melhor contribuição artística (distinção partilhada com o director de fotografia e o autor da música do filme, respectivamente John Bailey e Philip Glass). No cinema, para além do emblemático Drácula, de Coppola, trabalhou diversas vezes com o realizador Tarsem Singh, em A Cela (2000), com Jennifer Lopez, Um Sonho Encantado (2006), Imortais (2011) e Mirror Mirror (2012) — este último, uma recriação da história de Branca de Neve, tem estreia internacional marcada para o mês de Março. No domínio do guarda-roupa, entre as suas criações de palco mais conhecidas incluem-se O Anel dos Nibelungos (1999), para a Ópera holandesa, a digressão "Hurricane" (2009), de Grace Jones, e Spider-Man: Turn Off the Dark (2011), encenado na Broadway por Julie Taymor, com música de Bono e The Edge. Desenhou os fatos para a organização dos Jogos Olímpicos de Pequim, em 2008, e assinou mesmo a realização de um teledisco: o fabuloso Cocoon, de Björk, do álbum Vespertine (2001). Miles Davis entregou-lhe a concepção gráfica do seu álbum Tutu (1986), tendo como base fotografias de Irving Penn.

MISHIMA (1985)

TUTU (1986), foto de Irving Penn

COCOON (2002), capa do single

Grace Jones (digressão 2009)

Spider-Man: Turn off the Dark (Broadway, 2011)

>>> Obituário no New York Times.

No centenário de Jackson Pollock

2012-01-28T19:57:00.001Z

Foto: N.G.

Há 23 anos, quando publicava a crítica ao álbum de estreia dos Stone Roses, um semanário britânico (não me recordo se o NME ou o Melody Maker) apresentava por título 'Never Mind The Pollocks'. Jogo de sentidos, evocando por um lado o clássico álbum de estreia dos Sex Pistiols, por outro citando o nome do pintor norte-americano Jackson Pollock, cuja técnica de pintura por "salpicos" era claramente referência para a obra de John Squire (um elemento da banda) que servia então de ilustração à capa do disco. Esta é apenas uma entre as muitas situações em que o nome de Pollock e a marca tão pessoal da sua pintura surgem assimiladas por outras formas e outros tempos. Fazendo uma busca rápida na Internet vemos, por exemplo, alguém que explica que resolveu criar uma decoração para bolos. Ou descobrimos uma aplicação que permite criar uma imagem ao estilo "faça-você-mesmo o seu Pollock"...

Um dos nomes maiores da pintura do século XX, Jackson Pollock nasceu a 28 de janeiro de 1912, há precisamente cem anos. Assinalamos o seu centenário com estas imagens. E ao longo desta semana evocaremos algumas das suas obras de referência.

O sexo de J. Edgar Hoover

2012-01-28T18:27:00.000Z

Com J. Edgar, sobre o primeiro director do FBI, Clint Eastwood prossegue a sua viagem através do Sonho Americano (pesadelos incluídos) — este texto foi publicado no Diário de Notícias (26 Janeiro), com o título 'Histórias íntimas da Mãe América'.

O notável argumento de J. Edgar, assinado por Dustin Lance Black, obriga a acção a um fascinante ziguezague de mais de quatro décadas, colocando um problema eminentemente orgânico: como modelar o corpo do actor? Clint Eastwood escolheu a solução mais arriscada: não há mudança de actores e Leonardo DiCaprio compõe J. Edgar Hoover desde a juventude até à decadência final, o mesmo acontecendo, aliás, com Armie Hammer e Naomi Watts. Na prática, tal obriga os actores a usar uma evidente sobrecarga de caracterização. E a dúvida que fica é esta: como seria o filme se se tivesse optado por um mais discreto “envelhecimento” das personagens, evitando exibir o artifício de modo tão ostensivo?

Não é uma dúvida banal, uma vez que J. Edgar é menos um filme sobre os bastidores do FBI e mais, muitíssimo mais, uma saga intimista sobre a sexualidade recalcada do protagonista. Não se trata de “revelar” a homossexualidade de Hoover. Convenhamos que o olhar de Eastwood nada tem a ver com a estupidez militante da imprensa tablóide: o que ele filma é o apagamento da própria instância sexual, como se Hoover vivesse num universo alternativo em que a neutralidade que quer impor à sua vida sexual apenas encontra um espelho adequado no desejo de ordem (política e social) que o inspira.

Daí a subtil reconfiguração do Sonho Americano. Em J. Edgar, a utopia da ordem surge totalmente sustentada pelo poder radical das mulheres: a mãe (Judi Dench), sinalizando ao jovem Hoover a sexualidade que ele “não deve” assumir, e a secretária Helen Gandy (Watts) garantindo a inacessibilidade e, por fim, a destruição dos seus arquivos. Compreende-se a frieza temática a que Eastwood chegou: a Mãe América devora os seus filhos. Consequência cruel: zero nomeações para os Oscars.

Na morte de Theo Angelopoulos

2012-01-28T16:12:00.000Z

A VIAGEM DOS ARTISTAS (1975)

Com a morte de Theo Angelopoulos, aos 76 anos, no dia 24 de Janeiro, na sequência do atropleamento por uma moto, desaparece uma personalidade decisiva para a projecção internacional do cinema grego, em particular ao longo da década de 70. O seu conhecimento público terá sido consolidado sobretudo através de dois títulos distinguidos em Cannes, O Olhar de Ulisses (1995) e A Eternidade e um Dia (1998), respectivamente com o Grande Prémio do festival e a Palma de Ouro. Em qualquer caso, creio que é um filme como A Viagem dos Artistas (1975) que mais e melhor condensa o universo formal de Angelopoulos, em particular através do seu empenho em criar uma narrativa em que espaço e tempo surgem transfigurados pelos insólitos poderes do plano-sequência, inscrevendo na continuidade do plano a descontinuidade de eventos e datas. De certa maneira, na sequência de autores como Luchino Visconti ou David Lean, Angelopoulos foi um dos primeiros a pressentir a necessidade de repensar as coordenadas clássicas do chamado cinema histórico, por assim dizer, reconstituindo as alianças narrativas entre lugar e cena, cenografia e reconstituição.

>>> Site oficial de Theo Angelopoulos.

>>> Theo Angelopoulos no Senses of Cinema.

>>> Obituário no New York Times.

Heaven 17, 1983

2012-01-28T08:10:00.002Z

Num momento em que chega ao mercado uma nova antologia do trio de Sheffield, recordamos hoje We Live So Fast, um dos singles extraídos do álbum The Luxury Gap, o segundo para os Heaven 17. Pop electrónica britânica por um dos nomes centrais da geração que a colocou no mapa das atenções entre finais dos anos 70 e inícios dos oitentas.

Entrevistas de arquivo: Philip Glass, 2007

2012-01-28T08:09:00.000Z

Mais uma entrevista de arquivo com Philip Glass. Esta corresponde à transcrição integral de uma conversa com Philip Glass numa entrevista publicada no DN em 2007 por ocasião de mais uma deslocação do compositor a Lisboa, dessa feita para um recital de piano.

Em tempos, numa entrevista para um dos quatro documentários de uma série sobre novos compositores americanos, descreveu o seu público como estando dividido entre os que gostavam da sua música porque era clássica. E os que dela gostavam porque não era clássica…
Gosto desse paradoxo. E tem ver com a minha história pessoal, nos dias em que vivia em Baltimore. O meu pai tinha uma pequena loja de discos, muito diferente das que existem hoje. Parecia uma padaria... Trabalhei na loja a partir dos 12 anos, e então escutei toda a música que por lá havia, fosse música hillbilly (ainda não se lhe chamava country & western nessa altura), fosse clássica, contemporânea ou jazz. Tudo me era familiar. Nunca achei que umas músicas fossem melhores que outras. Havia compositores talentosos em todas as formas musicais. Assim como havia gente sem talento em todas elas, também! Gostava de música bela, fosse de Bernstein, Boluez, Eliot Carter ou... Paul Simon! O que me importava mais era já a qualidade da invenção e a espontaneidade da expressão. E isso encontramos em todas as formas de música. Estudei anos depois em Chicago, onde ouvi, ao vivo, Charlie Parker, John Coltrane, Sonny Rollins, mais tarde Ornette Coleman e Pharaoh Sanders... Eu não era improvisador, mas ouvia e conhecia aquela música! Admirava-a e respeitava-a. Posso dizer que o meu gosto sempre foi muito vasto e que nunca criei barreiras. Tentei sempre olhar sobre essas barreiras.

Há já muitos anos que a sua música se afastou do que se considerou ser “minimalista”. Mas esse é ainda o rótulo que, invariavelmente, é aplicado por muitos a quase tudo o que faz...
É uma descrição que já não serve o que faço há algum tempo. Colou-se a mim por um tempo, é verdade. Quando eu era menino, sempre que se falava do Debussy ou Ravel usava-se a palavra “impressionistas”. Já não se ouve dizê-lo... Por isso essas coisas desaparecem. Não é relevante. Por exemplo, n’O Corvo Branco, cuja música data de 1992, há aspetos minimalistas, mas sobretudo elementos mais líricos. Estas coisas passam com o tempo. E não me preocupam.

A sua recente oitava sinfonia desafiou os seus próprios cânones. Revelou novos sentidos numa demanda pessoal. É importante essa noção de desafio colocado a si mesmo ao compor?
Não costumo desafiar quem me ouve, mas sempre a mim mesmo. Quem tem um trabalho criativo deve desafiar as suas limitações. E eu estou a tentar desenvolver a minha linguagem e a minha visão musical. E para cada desafio coloco à minha frente expectativas distintas.

Segue-se, como mandam os números, a nona, que foi a última sinfonia de vários compositores. Beethoven, Mahler (que nunca terminou a décima), Bruckner (que a deixou, inclusivamente, incompleta), Dvorák…Teme a eventual “maldição” da nona?
Bom, essa “maldição” não travou Shostakovich! (risos) Mas já tenho um plano! Vou tentar que me encomendem a nova e a décima ao mesmo tempo. E farei ambas no mesmo ano. Gostaria de chegar à 12ª sinfonia... As últimas de Shostakovich são muito interessantes.

Em Lisboa apresentou uma série de peças para piano. O piano é ainda o melhor amigo do compositor?
Creio que é. Mas seu eu quem o diz. E creio que o digo porque tenho a idade que tenho. Se tivesse uns 30 anos, estaria a trabalhar com computadores. O piano ainda é o meu instrumento prioritário em termos de composição. Mas não faço quaisquer objecções ao computador. O computador nunca o será um instrumento com o peso do piano para mim, porque a curva de tempo exigida para aprender uma nova tecnologia teria de me afastar da composição e da interpretação por uns tempos. É preciso tempo para aprender a usar qualquer nova tecnologia. Mas é também verdade que, especialmente no trabalho para cinema, acabo por usar já, de certa maneira, os computadores. Tenho muitos computadores no estúdio e reconheço que são máquinas muito úteis. Não tenho nada contra eles… Mas o tempo que ainda puder gastar a fazer música e a tocá-la é para mim mais importante que aquele que teria de gastar para aprender qualquer nova tecnologia.

Fez 70 anos em Janeiro, mas na altura não os comemorou publicamente com discos ou concertos...
Não tinha tempo... Estava muito ocupado (risos)... Mas, pronto, o que quer que faça este ano é uma celebração... Vou estrear o Book Of Longing, baseado em poemas do Leonard Cohen... Mas podia estrear essa obra no dia dos meus anos ou num outro dia qualquer. Não quero gastar tempo com festas se tenho outras coisas para fazer. E divirto-me muito mais a escrever nova música que a celebrar a antiga. Em Lisboa toquei música antiga. E é verdade que nos últimos anos tenho regressado por vezes a peças que já escrevi há bastante tempo. Mas tenho outras maneiras de as escutar hoje, como se estivesse a aprender de cada nova vez que as escuto.

Há uma nova geração de músicos, de um Rufus Wainwright a um Owen Palett, que o admira e chega mesmo a citá-lo. Como lida com estes jovens admiradores?
O que fazem é tremendamente elogiante! Eu não nasci em Nova Iorque, mas mudei-me para a cidade aos 19 anos para estudar música e porque queria estar no espaço musicalmente mais ativo que existisse. E Nova Iorque ainda é assim. Conheço muitos jovens compositores e alguns trabalham inclusivamente no meu estúdio. Interessa-me o que eles fazem, mesmo que eles não se interessam pelo que faço.

Além da sua obra, a sua postura profissional é também referida como novo paradigma...
Creio que ao longo da minha vida desenvolvi maneiras diferentes de trabalhar como compositor. Tive de aprender a ganhar a vida trabalhando tão ativamente como performer, assim como enquanto compositor. Para pessoas como um Rufus Wainwright e tantos outros da sua geração, esta atitude interessa-lhes tanto como a própria música. Muitos jovens compositores interessam-se pela música para cinema e também pela música para publicidade. Quando era jovem, fazer música para publicidade era considerado um trabalho menor... E de evitar...

Mas não o evitou!
Tinha de ganhar a vida! Para ser franco não tinha escolha. E houve compositores que o fizeram durante anos a fio. Nunca me envergonhou. Até porque me ensinou a perceber o que era o grande público! E neste mundo, isso é útil. Hoje, os compositores mais jovens interessam-se por todas as formas de música, da experimental à soul... A ideia do metier do compositor envolve hoje uma enorme variedade de práticas.

Nos últimos 25 anos, o seu trabalho para o cinema levou-o a outros e mais vastos públicos. É um veículo interessante?
Comecei a fazer música para cinema em projetos underground, como o Koyaanisqatsi, do Godfrey Reggio. Os primeiros sete ou oito filmes em que trabalhei foram produções independentes, quase sem distribuição, para pequenas plateias. Mas nestes 25 anos, muitos desses filmes viraram casos de culto, e alguns são hoje muito conhecidos. Aos poucos comecei a trabalhar em filmes mais comerciais. O primeiro foi o Mishima. E mais tarde o Kundun, de Martin Scorsese.

Recentemente trabalhou em blockbusters.
O primeiro em que trabalhei foi As Horas. Recebi uma nomeação para os Oscar. É interessante, porque para ser aceite em Los Angeles foi-me mais difícil ser aceite como compositor para cinema que como compositor de música “séria”. Não acreditavam que pessoas como eu poderiam fazer música para cinema! Interessa-me muito a associação da música à imagem, tanto no cinema como no teatro, na ópera e dança. O ser ou não ser comercial não é critério para mim. Interessa-me sobretudo o talento do realizador ou o trabalho da fotografia. Nos últimos tempos fiz a música d’O Ilusionista e o Diário de Um Escândalo. Foram filmes vistos por pessoas que nunca iriam a um concerto meu. E agora sabem o meu nome! Ao dar concertos pelo mundo, há muitas pessoas que aparecem porque me descobriram em bandas sonoras!

Chegou a estar pensado para fazer a banda sonora de The Inner Life Of Martin Frost, de Paul Auster...
É verdade. Mas não aconteceu. E quando as coisas pareciam indicar nesse sentido, já estava com a agenda cheia com o trabalho para o novo de Woody Allen e um outro projeto de colaboração com Leonard Cohen que ainda este ano devo gravar. Estou também a preparar uma ópera para a San Francisco Opera. Quando o Paul Auster conseguiu o orçamento para podermos trabalhar, já estava atulhado em trabalho! Mas há muito que falamos em colaborar. E um dia teremos de o fazer. Tenho pena que não tenha sido agora, porque gosto da história

É diferente fazer música para filmes antigos? Falo em concreto de trabalhos que fez sobre La Belle et la Bête de Jean Cocteau ou Drácula, de Todd Browning.
O que há de muito interessante ao trabalhar em filmes antigos é o facto do realizador e o produtor não estarem por perto. E aí funcionamos como compositores, da mesma forma como se estivéssemos a trabalhar numa ópera. Em Hollywood, e até mesmo em projetos independentes, nunca é assim. O Godfrey Regio considerava-me co-autor, pelo que nesses filmes [Koyaanisqatsi, Powwaqatsi e Naqoyqatsi] discutimos tudo juntos. Mas é caso raro no cinema. Quando fiz o La Belle Et La Bête obtive autorização para o que entendesse. Com o Dracula foi diferente. Fui contratado pela MGM, que queria reeditar o filme [de 1931]. Fiz a música e eles aceitaram… Nunca tive de falar com o Todd Browning nem o Bela Lugosi… Nem podia! (risos) Em muitos filmes atuais, os atores principias por vezes chegam a ter direito a ouvir e comentar a música que fazemos… Há gente muito talentosa a trabalhar no cinema. Mas fazer um filme por vezes implica certas limitações artísticas. Não diria que chegam para me desencorajar. Tento fazer o melhor que posso, respeitando sempre as condições. E por vezes alcançam-se resultados belos. Creio que isso aconteceu n’As Horas.

Aí, o realizador Stephen Daldry quase parece ter pensado o filme para servir a música. Parece mesmo uma ópera…
E há em Hollywood quem pense que essa é uma ideia muito má!... Há em Hollywood quem diga que a minha música nem é de cinema, porque tem presença a mais… Eu acho que é antes uma vantagem. E a verdade é todos os anos chegam uns telefonemas e consigo sempre trabalho num ou outro filme.

Passaram nove anos sobre a estreia da ópera O Corvo Branco, que foi apenas apresentada em Lisboa e Madrid, e ainda não houve qualquer edição (em disco ou DVD) da mesma. Está nos seus planos gravá-la?
O que se passa é que, hoje, a gravação de óperas já não é financiada por editoras. Mas eu continuo a gravá-las. E recentemente concluí até a gravação de The Voyage, que foi composta antes de O Corvo Branco. Ou seja, esperei 14 anos para o fazer… Quero começar a gravar O Corvo Branco brevemente. Primeiro as partes instrumentais e só depois os cantores. Vou precisar de uns dois anos antes de o poder fazer. Mas essa é uma ópera que considero como importante entre as que já fiz. E uma das razões pelas quais a quero gravar é o facto de quem nunca a viu poder querer ouvi-la. Ao saber da sua gravação, a notícia vai circular e a ópera deixará de ser um segredo. E espero que, depois, possa haver mais produções de O Corvo Branco.

Ter uma editora própria (a Orange Mountain Music) ajuda-o, assim, a fazer o que outras editoras hoje não podem fazer?
O negócio da música mudou. As editoras começam a enfrentar finalmente a necessidade de ter a música acessível por donwload, o que já fazemos há algum tempo. Vendo mais discos pela minha editora que pela Warner ou Sony. A grande vantagem é que, ao colocar um disco no meu catálogo, ele fica ali para sempre. Assim posso pensar num ciclo de vida mais longo para os discos (e as suas vendas). Noutras editoras, quando os discos não vendem, são descatalogados e desaparecem. Na minha visão, de longo prazo, posso pensar em termos de várias gerações. A mudança para companhias mais pequenas e independentes traz benefícios para o ouvinte e o compositor. Hoje, muita da minha música está disponível na Amazon ou no iTunes. E penso sempre assim ao editar um novo disco. Faço ainda CDs, porque ainda os posso vender. Mas penso prioritariamente nos downloads…

Através da sua própria editora tem colocado no mercado uma série de gravações antigas. Ou seja, pode colocar o seu arquivo pessoal, aos poucos, em disco…
Começámos agora a editar uma série de gravações a que chamámos “archival recordings” [gravações de arquivo], com peças que fui gravando nos anos 80 e 90, que vamos colocar no mercado. Nos anos 90 reparei que tinha as fitas de muitas gravações da minha música e resolvi começar a editá-las. São discos fáceis de fazer, porque já tenho as gravações. E podem interessar a quem goste de música. Em poucos anos de atividade, a editora chegou aos 40 títulos. Espero poder duplicar esse número.

Mantém relacionamentos com outras editoras?
Recentemente falei com o diretor da Nonesuch, de quem sou amigo. Ele disse-me que para cada artista só pode gravar editar um disco por ano. Ao passo que eu posso, por mim, lançar uns seis ou sete! Ele riu-se e disse não o podia fazer, mas que compreendia o que eu estava a fazer. Estou a tentar criar um legado musical, que Quero preservar para as gentes do futuro. Para mim é muito importante poder atuar desta maneira.

Há anos que a Nonesuch fala da eventual edição de uma caixa de gravações suas...
Vão lançar uma caixa de dez CD. Estamos a trabalhar nela neste momento. Temos uma boa relação, apesar dos objetivos das nossas editoras serem diferentes! Na minha editora sou o compositor, mas também o publisher.

Este ano uma das suas edições na OMM, o The Witches Of Venice, surge de uma gravação de arquivo sua…
Aí está mais um exemplo de algo que veio do meu arquivo pessoal. Essa gravação estava feita há uns dez anos! Foi feita para um evento em Milão, no Scala… E só recentemente reparámos que eu era o dono da gravação e que tinha as fitas comigo! A série “archival recordings”, que agora iniciei, também creio que vai revelar coisas interessantes. De há uns anos para cá comecei a juntar as fitas e a guardá-las. Agora dou-lhes uso.

A caminho do primeiro álbum

2012-01-28T07:57:00.004Z

Discografia David Sylvian - 3
'Red Guitar' (single) 1984

Com o anuncio da separação oficial dos Japan David Sylvian colocou o projeto de criação e gravação de um primeiro álbum em nome próprio na sua agenda de prioridades. O disco, que editaria no Verão de 1984 com o título Brilliant Trees, teve como cartão de visita um single que chamou atenção para o patamar no qual o músico agora se colocava. Sentem-se heranças do carácter desafiante da estrutura rítmica explorada na reta final do trabalho dos Japan, mas há desde logo um clima de inesperado (e discreto) aroma jazzístico (sobretudo definido ao piano) que caracteriza a canção. Red Guitar não repetiu os resultados comerciais que os singles dos Japan posteriores a Ghosts alcançaram, mas lançou de voz firme e segura uma nova etapa na sua carreira.

Imagens do teledisco que acompanhou o lançamento de Red Guitar. A realização é do fotografo holandês Anton Corbijn, que então dava os primeiros passos entre terrenos pop/rock britânicos.

Os amigos de Janelle

2012-01-27T09:59:00.001Z

Chamam-se Fun e com eles colabora, neste We Are Young, Janelle Monae. Têm um álbum a chegar em finais de Fevereiro. Pelo que este teledisco serve de aperitivo para o que deles poderemos esperar. A realização é assinada por Marc Klasfeld.

Noovas edições: Heaven 17, Play To Win: The Very Best of Heaven 17

2012-01-27T09:54:00.004Z

Heaven 17

"Play To Win - The Very Best of Heaven 17"

Music Club Deluxe
3 / 5

Tudo começou em Sheffield, em finais dos anos 70. E quando Glenn Gregory se mostrou indisponível para formar uma banda, os outros dois músicos – Ian Craig Marsh e Martyn Ware – chamaram Phil Oakey... e nasciam os Human League. As visões não eram unânimes entre si e quando a rutura chegou Oakey ficou com o nome (e a banda) e Marsh e Ware formaram, agora com Gregory, um trio para o qual chamaram o nome de uma banda ficcional referida nas páginas de A Laranja Mecânica de Anthony Burgess, ao mesmo tempo formando a companhia de produção British Electric Foundation (B.E.F. nas iniciais que fariam história em vários discos. Juntando as ferramentas electrónicas (a base da sua dieta de trabalho) a uma ideia de canção pop interessada em captar também heranças dos universos da soul e funk, os Heaven 17 apresentaram em inícios dos anos 80 dois álbuns que contribuíram com algumas das grandes canções para a afirmação de uma nova geração de criadores pop, afirmando-se também como uma voz com consciência política claramente afastada do rumo mais conservador que o Reino Unido então tomava. Penthouse and Pavement (1981), dividido entre uma face ritmicamente insistente e uma outra, mais interessada em explorar ambientes e cenografias, é inclusivamente um dos álbuns de referência do seu tempo, tendo dado a conhecer canções como Geisha Boys and Temple Girls, At The Height of The Fighting ou Play To Win. The Luxury Gap (1983) mantém caminhos semelhantes, de linas talvez menos angulosas, incluindo canções como Temptation, We Live So Fast ou Come Live With Me. Porém, e como aconteceu a tantos nomes da sua geração, a vontade em caminhar para lá do sentido de contenção que caracterizara os seus primeiros registos, resultou numa vontade em alargar horizontes, os discos seguintes mostrando passos maiores que a perna e, consequentemente, uma descaracterização do som e progressiva diluição de rumos. Se How Men Are, em 1984, já não sabe bem para onde ir, daí em diante a coisa ainda perde mais sentido e acaba inconsequente. Entram em pausa em finais dos oitentas, regressam a meio dos noventas, afastam-se outra vez e reentram em cena a meio da década dos zeros. Apesar de terem editado álbuns de originais em 1996 e 2005 a sua música passa a viver do apetite de nostalgia dos que recordam, sobretudo, os singles de 1981 a 83... Esta nova antologia recorda a história de fio a pavio (ignorando contudo a etapa Bigger Than America, em meados dos noventas). Na verdade a evocação mostra grandes canções na primeira metade do alinhamento (de 33 temas). Mas a segunda serve apenas a ilustração de um percurso sem Norte, apenas para consumo dos admiradores mais dedicados. Boa capa, de facto. Mas em 2012, e querendo ajudar a contar a história da pop electrónica dos oitentas, fazia mais falta um tratamento com extras e som restaurado (como se fez já para Penthouse and Pavement) para o álbum de 1983 que uma tão extensa antologia (sendo que best ofs é coisa que não falta na discografia dos Heaven 17).

Nos 40 anos dos Roxy Music

2012-01-27T09:48:00.001Z

Os 40 anos dos Roxy Music vão ser assinalados de várias formas ao longo de 2012. Uma das primeiras ações será a edição de uma integral da sua obra numa caixa que juntará 8 CD (os álbuns de originais, todos com extras) e quatro DVDs. Os DVDs não correspondem a arquivos vídeo, mas a versões de alta definição do som dos oito álbuns. Com o título Roxy Music: The Complete Studio Recordings 1972-1982, a caixa tem edição marcada para 2 de Abril.

Podem ver aqui o alinhamento completo desta caixa.

Ecos que chegam de Sundance (3)

2012-01-27T09:45:00.004Z

Continuamos a olhar para o que vai sendo visto por Sundance. Hoje três documentários de produção norte-americana. The Queen Of Vesrsailles (primeira foto), de Laurent Greenfield, é um dos títulos de que mais se tem falado entre os que integram a programação do festival. O filme segue o caminho de uma família milionária desde o momento em que resolve construir uma gigantesca mansão inspirada pelo palácio de Versalhes e a forma como a crise económica se abate depois sobre os protagonistas. Também no centro de muitas atenções, Me at The Zoo (segunda imagem), de Valerie Veatch e Chris Mourkabel, é a história de vida de Chris Crocker, o rapaz que chamou milhões de views ao seu vídeo no YouTube no qual, em lágrimas, gritava “leave Britney Alone...”. Marina Abramovic – The Artist is Present (terceira imagem), de Mathew Akers, é um olhar sobre a artista que tem ajudado a redefinir os rumos da performance art nos últimos 40 anos.

Uma ideia (em doze partes)

2012-01-27T09:43:00.000Z

Mês Philip Glass - 27

Era na origem uma ideia de expressão de harmonia, juntando 12 linhas. Daí as 12 partes. Na verdade onze instrumentos e uma voz... Daí Music in 12 Parts... Mas em 1971, ao mostrar a ideia a um amigo ele perguntou pelas restantes onze partes. Glass gostou do mal entendido e tomou-o como um desafio... E nos três anos seguintes compôs mais onde peças seguindo os mesmos princípios, conferindo assim mais que um sentido ao título da obra.

Music in 12 Parts representa, juntamente com Einstein on The Beach, o ponto final da relação da música de Philip Glass com as ideias que até então haviam dominado a caracterização da sua música. Pelo que representa assim (um pouco como o fez Music For 18 Musicians de Steve Reich), uma das obras que definem a definitiva afirmação do minimalismo. Daí em diante, e sem prescindir de princípios, a sua música iniciaria outras demandas e caminharia rumo a outros horizontes.

Uma primeira gravação de Music in 12 Parts surge em 1974 num LP editado pela Virgin que junta as partes 1 e 2 da obra. Uma caixa, com a primeira integral do ciclo, é lançada (também pela Virgin) em 1988 nos formatos de vinil e CD. Em 1996 a Nonesuch editou uma outra versão numa caixa de três CD e, mais recentemente, a Orange Mountain Music disponibilizou, apenas para venda digital, uma gravação de todo o ciclo.

Um conto de Inverno (com sombras)

2012-01-26T08:57:00.004Z

Kate Bush apresentou esta semana um teledisco, criado usando uma técnica de animação por sombras, para o tema Eider Falls at Lake Tahoe, do seu recente 50 Words For Snow, álbum editado em finais de 2011. Aqui ficam as imagens.

Discos Pe(r)didos: The Legendary Pink Dots, The Maria Dimension

2012-01-26T08:53:00.002Z

The Legendary Pink Dots

"The Maria Dimension"

Play It Again Sam

(1991)

Pode uma banda ter mais de 40 álbuns editados e morar longe das atenções de muitos, até mesmo os que acompanham de perto os caminhos da música dita alternativa (ou indie ou como lhe quiserem chamar)? Claro que sim... E um exemplo dessa existência hoje afastada do gume dos entusiasmos dos festivais, dos blogues e redes sociais (dos jornais e revistas da especialidade idem idem, aspas aspas) mora nos Legendary Pink Dots. Há razões para esta quase invisibilidade, certamente. Mas nada disso impede a banda (ainda ativa) de manter uma fiel legião de admiradores por várias latitudes e manter um bom ritmo de edições e atuações ao vivo. Mas houve tempos em que não foi assim. E entre a segunda metade dos oitentas e inícios dos noventas, os Legendary Pink Dots eram referencia seguida e nome de peso no panorama da música que, afastada das correntes mainstream, definia o seu rumo evocando formas de outros tempos, recontextualizando-as numa linguagem atual e, podemos dizer mesmo, visionária e entusiasmante. A expressão “progressivo” é muitas vezes aplicada à sua música, talvez pelo carácter algo livre com o qual algumas das canções evolem, entre si revelando-se um universo instrumental que vai para lá dos ingredientes mais habituais e convencionais. Mais preciso é contudo o apontar presença de heranças do psicadelismo (o nome de Syd Barrett sempre foi dos que mais vezes surgiu entre listagens de eventuais fontes de inspiração). E o álbum The Maria Dimension, de 1991, revela-se mesmo o exemplo maior de uma forma de olhar (e filtrar) os ecos caleidoscópicos do psicadelismo sob leituras que traduzem não apenas os efeitos do tempo vivido pela música desde finais dos anos 60 e a presença de novas ferramentas em cena, nomeadamente as electrónicas. Com discografia desde 1981, os Legendary Pink Dots atingem em The Maria Dimension o seu momento maior. A voz de Edward Ka-Spel é presença dramaticamente frágil mas fulcral no jogo de tonalidades que a complexa rede de sons cria em torno das canções. Electrónicas, guitarras, clarinetes, saxofones, uma lira, glockenspiel e outros elementos juntam-se num cenário onde dominam cores vibrantes e texturas que sugerem formas vivas em movimento. Como a restante obra em disco dos Legendary Pink Dots, The Maria Dimension é um tesouro escondido na memória dos noventas... A sua (re)descoberta vale a pena.

Ecos que chegam de Sundance (2)

2012-01-26T08:48:00.004Z

Mais três exemplos de títulos revelados na presente edição do Festival de Sundance. Simon Killer (primeira imagem) é o novo filme de Antonio Campos, o realizador de Afterschool. A ação leva-nos a Paris, acompanhando Simon que, concluídos os estudos na universidade, terminou também uma relação de cinco anos. É um estranho numa terra estranha. Conhece aí uma jovem prostituta com quem se envolve. Dos dois o tempo mostra-nos que quem guarda mais segredos é ele mesmo. Safety Not Guaranteed (segunda imagem), de Colin Trevorrow, conta a aventura de três profissionais que são enviados pela revista onde trabalham para investigar o anuncio de alguém que pede companhia para uma viagem no tempo... Nobody Walks (terceira imagem), de Ry Russo-Young, acompanha o mundo em volta de Martine, uma jovem de 23 anos a quem o pai prometeu ajuda para a conclusão dos trabalhos de som num filme seu. Chegada à Califórnia a sua presença acorda contudo energias adormecidas entre aqueles a quem se junta.

Nos 30 anos dos Talk Talk

2012-01-26T08:46:00.004Z

Os Talk Talk vão estar no centro das atenções nos próximos tempos. Num momento em que se assinalam os 30 anos da edição do seu primeiro disco, um livro e um álbum de tributo estão em agenda. Com data de lançamento marcada para 28 de Maio, o álbum Spirit of Talk Talk vai apresentar versões de temas da banda assinadas por nomes como os de Alan Wilder (acompanhado por Sarah Worden dos My Brightest Diamond), Jason Lytle (ex-Grandaddy), The Cientele, Patrick Wilson (dos Weezer) ou os White Lies.

Também durante a primavera será lançado um livro que, com o mesmo título, recolherá os trabalhos gráficos que vimos nas capas dos discos da banda, as letras das suas canções e textos assinados por figuras que definem os Talk Talk como uma importante fonte de inspiração.

Do cinema para a ópera

2012-01-26T08:44:00.006Z

Mês Philip Glass - 26

O cinema encontrou muito cedo um espaço relevante na obra de Philip Glass. Em Paris, em meados dos anos 60, foi ao trabalhar na banda sonora de Chappaqua que conheceu Ravi Shankar e, desse encontro, emergiu a visão que moldaria a geração da sua própria música. Trabalhou depois regularmente em música para cinema a partir de finais dos anos 70, com exemplos notáveis em bandas sonoras como as de Koyaanisqaatsi (1983, de Godfrey Reggio), Mishima (Paul Schrader, 1985) ou The Thn Blue Line (Erroll Morris, 1988). Nos anos 90 teve, contudo, uma ideia diferente. E que tal encarar o cinema como ponto de partida para a criação de uma obra? Ou seja, em vez de se limitar a juntar algo a uma peça que conta com a sua música como parte do seu corpo, que tal de um filme partir antes para a criação de uma obra musical que não o serve, antes tem valor independente por si mesma?

Foi assim que entendeu uma trilogia de óperas que criou tendo por base três filmes do realizador, pintor e escritor francês Jean Cocteau. Foram elas Orphée, La Belle et La Bête e Les Enfants Terribles, em cada uma encontrando uma forma muito particular de abordar os filmes como ponto de partida para ideias e concretizações sempre diferentes. Em Orphée usou a história. Em Les Enfants Terribles recuou ao livro que esteve na base do filme. E em La Belle et la Bête foi mais longe, criando uma ópera que se ajustava à projeção síncrona do filme, as próprias vozes dos cantores ajustando-se aos movimentos dos lábios dos cantores.

La Belle et La Bête, além deste esforço de rigor na gestão do tempo e do espaço musical, é também um reflexo da busca de uma dimensão mais lírica na sua linguagem e, portanto, um marco importante na sua obra. A ópera teve edição em disco pela Nonesuch em 1995. Mais tarde foi lançada uma versão do filme de Cocteau em DVD com a ópera como canal áudio extra.

O rapaz do capuz negro

2012-01-25T10:02:00.002Z

Ele chama-se Michael Hadreas, mas edita sob o nome Perfume Genius. Há dois anos o seu álbum de estreia foi uma das grandes revelações de 2010. Agora vem novo disco a caminho (sai em Fevereiro). Hood é o cartão de visita e surge acompanhado por um teledisco assinado por Winston H. Case, no qual Michael contracena com Arpad Miklos. Aqui ficam as imagens.

Novas edições: The Big Pink, Future This

2012-01-25T09:58:00.000Z

The Big Pink

“Future This”

4 AD Records

2 / 5

Quando o filão esgota, as minas fecham. Não faz sentido manter rotinas de escavação e tratamento de rochas que, sabem os geólogos à partida, não vão revelar mais minério (pelo menos em quantidade economicamente rentável, que é como se entende se uma mina deve ou não ser explorada). Pois também o filão da revisitação do viço da canção pós-punk e o de um certo rock animado a vitaminas electro, é coisa exausta e há muito sem minério à vista. Mas há quem insista. E, como escutamos no segundo álbum dos The Big Pink, o que resulta no fim, e depois de todo o trabalho que a criação de um disco naturalmente envolve, é uma mão cheia de praticamente nada. Quando se apresentaram, há uns quase quatro anos, chamando na verdade atenções com o single Velvet (já em 2009) já este era um filão cansado, a vertigem e angulosidade projetadas na canção justificando todavia o foco de atenções que o grupo captou. O álbum de estreia, A Brief History Of Love, editado pouco depois, mostrava logo que Velvet era episódio algo solitário num espaço com poucas outras ideias do mesmo calibre... E, três anos depois, Future This em tudo confirma esta visão. Guitarras e electrónicas em diálogo semelhante, atmosferas densas, canções de alma tensa, fulgor rítmico assegurado (uma produção cuidada garante a solidez da junção dos ingredientes)... Mas faltam ideias para as canções que, na verdade, pouco mais parecem que sucessivas repetições de mais do mesmo, ocasionalmente abrindo a janela a ecos dos oitentas (como em Lose Your Mind, onde um dispensável solo de guitarra estraga a pintura). Estão cá os elementos épicos, os temperos. Os mais nostálgicos dos outros tempos talvez aqui encontrem o que gostam na música do nosso tempo. Mas uma ideia de presente (muito menos de futuro) é coisa que não mora por aqui.

Ecos que chegam de Sundance (1)

2012-01-25T09:54:00.002Z

Apesar de algo distante (acontece numa pequena cidade do Utah, EUA) e pouco mediatizado por estes lados, a verdade é que o Festival de Sundance é dos que mais filmes lança entre aqueles que o ano cinematográfico presta depois grande atenção. No campeonato do cinema independente (e suas periferias), naturalmente.

Entre os filmes de ficção de produção norte-americana que fazem o cartaz da edição deste ano do festival conta-se, por exemplo, The Comedy (primeira imagems). Assinado por Rick Alverson, o filme observa o questionar de valores em volta de um homem cuja vida não conheceu dificuldades no momento em que herda o que era do seu pai. The End of Love (segunda imagem), de Mark Webber, acompanha as mudanças na vida de um ator, a braços com uma filha de dois anos, no momento em que esta perde a mãe. O próprio Mark Webber, Shannyn e Michael Cera destacam-se entre o elenco. Paul Dano é depois o protagonista de For Ellen (terceira imagem), filme de So Yong Kim que nos dá conta da luta de um músico pela custódia da sua filha.

O rato Mickey (e os Joy Division)

2012-01-25T09:51:00.004Z

Causou alguma sensação a T-shirt que a Disney lançou baseada na memória do grafismo que recordamos da capa de Unknown Pleasures, dos Joy Division, cruzando-a com a silhueta do rato Mickey. A MTV falou com Peter Hook, que declinou qualquer ligação à criação desta T-Shirt, demonstrando contudo que em nada a ideia o incomodou... Os restantes ex-membros dos Joy Disvion não quiseram comentar, mas também deixaram claro que não tiveram qualquer relação com a T-shirt...

Aqui fica a imagem da capa de Unknown Pleasures (versão CD). Editado em 1979, este foi o álbum de estreia dos Joy Division (que o tempo transformou numa referencia do pós-punk), hoje recordado como um clássico. O grafismo foi uma criação de Peter Saville, designer de resto ligado à história da própria Factory Records, a editora que lançou os Joy Division.

Entenda-se que esta não é a primeira vez que Unknown Pleasures estimula ideias que vão além da mera estampagem da imagem da capa em T-shirts de fundo negro. Estas três outras variações são apenas alguns exemplos da forma como uma imagem icónica ganhou lugar em peças de roupa e calçado.

Música de dança

2012-01-25T09:36:00.001Z

Mês Philip Glass - 25

A relação de Philip Glass com a dança ganhou expressão desde que a sua música começou a passar pelos palcos. Em finais dos anos 70 o álbum Dances 1 & 3 registava inclusivamente em disco duas peças criadas para o Ensemble e destinadas a acompanhar coreografias. São já muitas as ocasiões em que a sua música estimulou o trabalho de coreógrafos e dançarinos. Mas se há momento maior na história da sua relação com o mundo da dança esse aconteceu em In The Upper Room, criação de Twyla Tharp para música de Philip Glass.

Criada em meados dos anos 80 a coreografia parte de uma série de composições expressamente criadas por Philip Glass para o efeito. Criada para os recursos instrumentais que o ensemble então conhecia, a música apresenta-se numa sucessão de composições que, unidas, sugerem uma ideia de ciclo e assim se completam.

A primeira edição da música de In The Upper Room chegou, em 1987, no álbum Dance Pieces que, no lado A, recolhia cinco das nove partes da obra criada por Glass para a coreografia. No lado B apresentavam-se elementos de Glass Pieces, uma outra coreografia (esta criada por Jerome Robbins), que na verdade recolhia elementos de Glassworks e de Akhnaten. Uma gravação integral de In The Upper Room surgiu apenas em 2009, em lançamento pela Orange Mountain Music.

Oscars: Scorsese está, Fincher não...

2012-01-24T23:47:00.002Z

A Invenção de Hugo, de Martin Scorsese, e O Artista, de Michel Hazanavicius, são os filmes com maior número de nomeações para a 84ª edição dos Oscars de Hollywood (cerimónia a 26 de Fevereiro), respectivamente em onze e dez categorias. São também dois dos nove títulos nomeados para o Oscar de melhor filme do ano (entre parêntesis os respectivos produtores):

* O ARTISTA (Thomas Langmann), de Michel Hazanavicius (+)

* OS DESCENDENTES (Jim Burke, Alexander Payne e Jim Taylor), de Alexander Payne (+)

* EXTREMAMENTE ALTO, INCRIVELMENTE PERTO (Scott Rudin), de Stephen Daldry

* AS SERVIÇAIS (Brunson Green, Chris Columbus e Michael Barnathan), de Tate Taylor

* A INVENÇÃO DE HUGO (Graham King e Martin Scorsese), de Martin Scorsese (+)

* MEIA-NOITE EM PARIS (Letty Aronson e Stephen Tenenbaum), de Woody Allen (+)

* MONEYBALL - JOGADA DE RISCO (Michael De Luca, Rachael Horovitz e Brad Pitt), de Bennett Miller

* A ÁRVORE DA VIDA (nomeados a anunciar), de Terrence Malick (+)

* CAVALO DE GUERRA (Steven Spielberg e Kathleen Kennedy), de Steven Spielberg

Os cineastas assinalados (+) repartem as nomeações na categoria de melhor realização. A lista completa de nomeados pode ser consultada no site oficial da Academia, por categoria ou por filme.

J. L.: Na prolongada crise de audiências (televisivas) para a cerimónia dos Oscars, que factores poderiam ser corrigidos? Por certo, os que decorrem de alguma estabilidade na sistematização das escolhas. Assim, depois de considerar que cinco títulos para melhor filme era pouco, a Academia passou para dez e este ano optou por... nove. Faltaram votos... Na prática, ainda que involuntariamente, sugere-se que a celebração de "mais" filmes esbarra com o reconhecimento de "menos" filmes para celebrar. Isto para já não falarmos do silêncio a que é sujeita a experiência histórica, técnica e formalmente decisiva, de As Aventuras de Tintin - O Segredo do Licorne, de Steven Spielberg — como é possível que a Academia ignore o vanguardismo de Spielberg, não o incluindo nos nomeados para melhor filme de animação? Será que no ano do seu Tintin, a consagração irá para O Gato das Botas? Enfim, Martin Scorsese, com a sua admirável experiência em 3D, A Invenção de Hugo, está presente. Mas David Fincher ficou de fora: a sofisticação criativa também se castiga? Ou há quem só veja os efeitos especiais quando algum super-herói caminha na companhia de duas explosões por segundo?

N. G.: Há poucos dias, nos Globos de Ouro, a adaptação das Aventuras de Tintin por Steven Spileberg teve justo reconhecimento como Melhor Filme de Animação. Goste-se ou não do filme brada contudo o silêncio com que o filme é encarado nas nomeações para a mesma categoria, agora, nos Óscares (onde o filme apenas concorre para Melhor Banda Sonora). Contraste curioso com Cavalo de Guerra, o outro filme do mesmo realizador, que parte com cinco nomeações. Será reação a uma aposta essencialmente europeia pelo realizador americano?... Que dizer depois da magra dieta de duas canções apenas na respetiva categoria? Que as outras não prestavam? Ou que o que não serve é mesmo o critério com que a seleção aqui é feita? Recorde-se que, nos Globos de Ouro, Masterpiece, de Madonna, foi outra justificada vitória. Salva-se o panorama com aquela que foi a falha maior dos Globos de Ouro (na verdade coisa não devidamente resolvida também por aqui): as três nomeações para A Árvore da Vida, de Malick, que assim concorre para Melhor Filme, Melhor Realizador e Melhor Fotografia. Num mundo justo não só venceria estas categorias como deveria ter nomeações para Melhor Atriz (Jessica Chastain), Melhor Montagem (como falha aqui a Academia!), sem esquecer os prémios técnicos na montagem e mistura de som... Mas aqui, se calhar, faltam as bombnas e as explosões e os monstros para parecer que o som é mesmo feito a premiar... Enfim...

Temos banda (dizem eles)

2012-01-24T08:59:00.000Z

Chamam-se We Have Band e têm novo disco prestes a ser lançado. Como aperitivo apresentam o teledisco que acompanha a canção Where Are Your People? Aqui ficam as imagens.

Nos 30 anos de Sylvian a solo

2012-01-24T08:54:00.002Z

David Sylvian assinala em 2012 os 30 anos de carreira a solo. A sua vida na música remonta a meados dos anos 70 e os seus primeiros discos chegaram em 1977, mas sempre a bordo dos Japan. É em 1982 que se estreia a solo (ainda integrando então os Japan) num single conjunto com Ryuichi Sakamoto. Em tempo de marcar este aniversário, uma nova antologia é editada, juntando essencialmente os temas que foram editados em single, a estes juntando alguns outros (não esquecendo importantes colaborações) e até mesmo um inédito. A Victim of Stars (1982-2012) é editado no formato de CD duplo a 27 de Fevereiro. Aqui fica o alinhamento completo:

CD1: Ghosts (Remix), Bamboo Houses, Bamboo Music, Forbidden Colours, Red Guitar, The Ink In The Well, Pulling Punches, Taking The Veil, Silver Moon, Let The Happiness In, Orpheus, Waterfront, Pop Song, Blackwater, Every Colour You Are e Heartbeat (Tainai Kaiki II).

CD2: Jean The Birdman, Alphabet Angel, I Surrender, Darkest Dreaming, A Fire In The Forest, The Only Daughter, Late Night Shopping, Wonderful World, The Banality Of Evil, Darkest Birds, Snow White in Appalachia, Small Metal Gods, I Should Not Dare, Manafon e Where’s Your Gravity? (inédito)

Novas edições: François & The Atlas Mountains E Volo Love

2012-01-24T08:52:00.002Z

François and the Atlas Mountains

“E Volo Love”

Domino Records

3 / 5

As trocas nunca foram coisa lá muito equilibrada entre a música que cruza o canal da mancha. E, apresar de uma relação protecionista que a música popular francesa sempre exerceu sobre si mesma, mais vezes houve nomes ingleses a fazer carreira com visibilidade em França que o cenário contrário. Ali chegaram ecos de Gainsbourg e, mais recentemente, os representantes das novas gerações de genética electrónica, dos Air aos Daft Punk e cercanias... Talvez mais um ou outro fora destes caminhos, mas não muitos mais... Pois com François and The Atlas Mountains a coisa pelo menos deu já direito a alguma exposição mediática (nem que pelo facto de serem editados por uma etiqueta brit). Acontece que, e para baralhar o cenário, François and The Atlas Mountains (que a Domino apresenta como a sua primeira banda francesa), na verdade é um grupo essencialmente constituído por franceses, mas com morada em Bristol (no outro lado do Canal da Mancha, portanto)... São a expressão de um dos caminhos na obra de François Marry que, desde 2003, já editou cinco álbuns a solo e outros tantos por esta sua banda. E Volo Love é na verdade a sua primeira edição numa etiqueta que lhes pode dar outra visibilidade, com uma música mais atenta a referências pop feitas com guitarras (e aqui podemos lembrar as memórias de alguns discos de Etienne Daho ou de Bill Pritchard, um inglês que fez sobretudo carreira em França). Esses ecos moram nas entrelinhas de canções elegantes, simples e pouco maquilhadas (ora cantadas em francês, ora em inglês), pontualmente revelando ecos de sabores africanos e, na essência, revela sinais de ligação a alguma pop essencialmente acústica e tranquila que sempre tem morado na música popular francesa, embora sem grande visibilidade exterior. E Volo Love não é o disco que vai mudar esse cenário. Mas pela mediatização que parte da nova morada encontrada numa editora inglesa de sólido perfil indie, poderá fazer da música de François and The Atlas Mountains uma chamada de atenção para outros caminhos pop (menos electrónicos) que também habitam as canções que vamos escutando em discos criados por músicos franceses.

Uma história do nosso tempo

2012-01-24T08:44:00.000Z

Venceu o prémio da Academia Francesa. É um livro curto, muito curto. Baseado na história (real) de um homem que, sem saber, teve uma inquilina escondida em sua casa durante largos meses.

Na origem uma história verdadeira que chegou aos jornais deste lado do mundo. Durante um ano um homem japonês – funcionário de um gabinete de meteorologia – tinha partilhado, sem o saber, a sua casa com uma mulher que ali vivera escondida, usando os espaços durante o dia, fechando-se num armário de uma sala pouco usada de noite... É daqui que parte o francês Éric Faye que, em Nagasáqui, relata uma história que tem estes factos como ponto de partida (e impressionante ligação com uma realidade que mais parece coisa de ficção). É um texto curto (nem sequer chega às 100 páginas). Começa por nos dar a conhecer o mundo de um celibatário na casa dos cinquenta, a vida fazendo-se num pêndulo entre casa e trabalho com poucas variações. O aparente desaparecimento de comida, a ideia de que a arrumação com que deixara a casa de manhã não correspondia ao que via à chegada, à noite, levantaram suspeitas. Compra uma webcam. Espia a sua própria casa. E quando vê um vulto tudo faz sentido. É uma mulher, talvez pouco mais velha que ele... E está em sua casa... Nas páginas finais lemos a perspectiva da intrusa. E da soma dos dois relatos fica um retrato de vidas do nosso tempo. De solidão. De precariedade. De rumos perdidos.

O terceiro retrato

2012-01-24T08:42:00.001Z

Mês Philip Glass - 24
'Akhnaten' (1984)

Três retratos de três figuras que, pela sua visão, mudaram o mundo. Einstein na ciência, Gandhi na política, Akenaton na religião. Foram estes os três rostos das óperas-retrato que Philip Glass criou entre meados de 70 e a primeira metade dos anos 80. Foram as suas três primeiras óperas, a cada uma surgindo novos dados e formas, com as três o compositor abrindo espaço àquele que se afirmaria como um dos caminhos centrais da sua obra.

Depois de Einstein on The Beach (1976) e Satyagraha (1980, com Gandhi como figura central), Akhnaten completou a trilogia em 1984 com aquela que representou a que era até então a mais lírica das abordagens de Glass ao espaço da ópera. Tal como nos dois retratos anteriores a criação do libreto teve em conta o valor histórico da figura e de textos (são usadas, por exemplo, cartas e decretos que datam do reinado do faraó de quem se fala). E, depois de uma ópera cantada através essencialmente do enunciar de números e sílabas, e de uma outra em sânscrito, esta juntava o egípcio arcaico ao inglês (nas partes lidas). Pelas características do espaço da sala onde foi estreada (em Estugarda, em 1984), Glass optou por não usa violinos, o que conferiu ao tom final da música uma atmosfera mais grave.

Akhnaten teve estreia em disco em 1987 numa gravação lançada (tal como as duas óperas anteriores) em vinil e CD pela CBS Masterworks. Desde então a mesma gravação teve novo lançamento com outra capa. O tempo fez desta ópera uma das que mais produções tem merecido entre a obra de Glass.

George Clooney: uma viagem emocional

2012-01-23T16:01:00.000Z

A tradição melodramática está viva e recomenda-se: eis o saldo mais evidente do novo e magnífico filme assinado por Alexander Payne — este texto foi publicado no Diário de Notícias (19 Janeiro), com o título 'Regras para enfrentar a verdade'.

Muitas vezes, os melodramas caminham em direcção a uma ruptura: um elemento crítico, eventualmente catastrófico, manifesta-se, pondo à prova o espaço familiar e as suas relações internas. A narrativa evolui como uma demonstração mais ou menos nostálgica: até que ponto os protagonistas saberão repor a ordem que conhecemos no início?

O argumento de Os Descendentes experimenta uma variação que, não sendo original (lembremos a herança admirável dos filmes de Joseph L. Mankiewicz, em particular A Condessa Descalça, de 1954), é sempre surpreendente: quando o filme arranca, algo de trágico já está consumado. Logo na introdução, sabemos que a existência de Matt King, um advogado sediado no Hawai, está irremediavelmente marcada pela situação da mulher: Elizabeth teve um acidente num barco de recreio e está em coma. Perdido nas lides familiares e, em particular, na relação com as duas filhas, Matt formula perante o corpo inerte de Elizabeth uma súplica angustiada: que ela acorde para resolverem os problemas acumulados por uma relação cada vez mais distante.

Este é um cinema que vive, em tudo e por tudo, da dádiva dos actores. Veja-se a composição central de George Clooney e o modo como ele próprio sabe distanciar-se de qualquer cliché que lhe queiram colar. E registe-se a presença visceral de Shailene Woodley (a filha mais velha), por certo uma grande actriz em formação.

Alexander Payne, cineasta de filmes como Election (1999) e Sideways (2004), filma a viagem emocional de Matt como um doloroso reencontro com tudo aquilo que ele quis esquecer ou ocultar. É esse, afinal, o tema fulcral destes universos melodramáticos: a existência (ou não) de regras para enfrentar a verdade dos factos e das relações, a meio caminho entre a intimidade e as trocas sociais.

Novas edições: Kavinsky, Nightcall

2012-01-23T15:47:00.001Z

Kavinsky

"Nightcall"

Republic of Music

3 / 5

O que parece por vezes acaba mesmo por ser... É o que podemos dizer do francês Vincent Belorgey que, na hora de fazer discos, assina antes como Kavinsky. Andou pela estrada ao lado de nomes como os Daft Punk, Justice ou The Rapture e tem discos editados desde meados da década dos zeros. A memória de bandas sonoras com tempero a sintetizadores que recordamos dos anos 80 (de Harold Faltermeyer a Giorgio Moroder e tantos outros que encontravam caminhos para teclas em oposição às soluções para orquestra até então empregues em grande parte das produções para o grande ecrã e mesmo televisão) mora nas entrelinhas de algumas das suas ideias. E tudo parece ter feito sentido quando Nightcall, originalmente editado em 2010, surgiu como banda sonora para os créditos de Drive. De resto, esta revelar-se-ia apenas uma das várias boas surpresas de uma das mais cativantes bandas sonoras de 2011, à partitura original de Cliff Martinez juntando-se ainda contribuições de nomes como Desire, os Chromatics ou College (ft. Electric Youth, no irresistível A Real Hero). A presença do single de Kavinsky em Drive deu de repente visibilidade maior ao músico francês. E antes mesmo de nos dar a conhecer um eventual novo episódio na sua discografia, esta semana assinala-se a reedição do máxi (em vinil) que tem Nightcall como tema central. O tema surge, tal como a capa do disco o sugere, numa descendência directa de registos de teclados que fizeram escola nos oitentas e sublinha o tom de desencanto para fim de noite que os Chromatics tão bem têm ajudado a (re)definir. A canção serve assim de novo cartão de visita a um nome que está já longe de ser um estreante mas que, com a visibilidade que Drive lhe deu, tem encontrado o patamar para novo desafio. Um álbum, entenda-se.

Como vê televisão?

2012-01-23T15:36:00.001Z

Esta semana lançamos um debate que, em tempo de entrada da televisão digital terrestre nos nossos hábitos de consumo faz sentido. Como vê hoje em dia os programas de televisão?

Num televisor clássico
Num televisior digital
Nos sites dos canais televisivos
Através de downloads
Através das redes sociais
Outros meios

Em registo de ficção-científica

2012-01-23T15:23:00.005Z

A música de Philip Glass conviveu desde cedo com as imagens. E se o cinema representou uma natural expressão de diálogos entre a sua visão e as imagens projetadas num ecrã, a proposta de uma obra multimédia foi desafio que imediatamente lhe agradou também desde logo.

Descrito pelo próprio Philip Glass como um drama de ficção científica, 1000 Airplanes On The Roof é uma peça em um ato com texto de David Henry Wang e projeções visuais criadas por Jerome Smith. Esta obra (há quem lhe chama ópera, há quem a entenda antes como um exemplo de teatro musical contemporâneo) envolve encontros com extra-terrestres e resulta de uma encomenda do Festival de Donau, do American Music Theater Festival e da autarquia de Berlim Ocidental. Teve contudo estreia num hangar do aeroporto de Viena, em 1988, com Linda Rondstat e direção de Michael Riesman.

1000 Airplanes on The Roof teve edição em disco em 1989 em registo pelo Philip Glass Ensemble (que sublinha com precisão e rigor a partitura essencialmente pensada para teclados electrónicos), novamente com a voz de Linda Rondstat (que em 1986 colaborara em Songs From Liquid Days).

Nicolas Jaar hoje no Lux

2012-01-23T15:14:00.001Z

Foi um dos nomes incontornáveis da banda sonora de 2011, autor de Space Is Only Noise, um dos álbuns que agora nos ajudam a contar a história do ano passado. Hoje o norte-americano Nicolas Jaar está de regresso a Lisboa com concerto marcado para depois das 22.00 horas no Lux.

Bernard Herrmann (antes do cinema)

2012-01-22T11:22:00.000Z

A Chandos (que nos últimos anos tem editado várias obras de Nino Rota exteriores ao seu trabalho para cinema) apresenta neste disco a cantata Moby Dick e a Sinfonietta, de Bernard Herrmann, obras dos anos 30, anteriores às suas primeiras experiências para o grande ecrã.

Ao escutarmos o nome de Bernard Herrmann é quase inevitável que o associemos ao cinema, tão marcante que foi o trabalho que o compositor registou com vários realizadores – sobretudo Alfred Hitchcock, para quem assinou bandas sonoras hoje com estatuto de “clássicos” como A Intriga Internacional ou Psico – desde que, em 1940, Orson Welles o convidou para compor a música para O Mundo a Seus Pés. Tinham já trabalhado juntos em produções de teatro radiofónico, Herrmann tendo então o pólo central do seu trabalho junto da orquestra da CBS que servia sobretudo essas mesmas funções. Filho de emigrantes russos, Herrmann nasceu em Nova Iorque e cedo encontrou na música o seu principal interesse. Arranjava maneira de assistir aos ensaios no Carnegie Hall e na Public Library na 5ª Avenida consultava as partituras das obras daqueles que mais admirava, sobretudo Charles Ives, o “pai” da música americana. Nos livros encontrava outro dos destinos do seu tempo, em Moby Dick, o romance de 1851 de Hermann Melville, descobrindo uma das histórias mais marcantes entre as que leu nesse período. O tempo fez com que esses dois caminhos se cruzassem. O da música. O do livro de Melville. E em finais dos anos 30, ainda o cinema não morava entre os seus horizontes profissionais, Herrmann lançou mãos à obra: ia criar uma adaptação de Moby Dick.

Começou por ter uma ópera em mente mas, das reuniões de trabalho com William Clark, que escreveria o libreto, nasceu a ideia de criar antes uma cantata. Visitaram ambos a região no Massachussets que inspirara o texto original de Melville e em 1938, dois anos depois da primeira ideia, uma cantata para vozes masculinas estava terminada, sendo estreada algum tempo depois por John Barbirolli, frente à New York Philharmonic (estávamos Abril de 1940). Entre a plateia de uma das poucas apresentações públicas que a cantata então conheceu estava o (então) jovem compositor britânico Benjamin Britten (que pouco depois encontraria num cenário entre pescadores o caminho para Peter Grimes, uma das suas mais aclamadas óperas). Outra referência musical mora directamente na partitura de Moby Dick: uma dedicatória a Charles Ives, cuja herança de certa forma habita entre os caminhos por onde segue esta música onde, todavia, Herrmann recorre a soluções dramáticas quer escutadas na tradição da música de palco quer encontradas na escrita com medula narrativa que então criava para as produções radiofónicas.

Esta presente edição da Chandos, com interpretação pela Danish National Symphony Orchestra, dirigida por Michael Schonwandt, junta a Moby Dick a peça orquestral composta entre 1935 e 36 a que Herrmann simplesmente chamou Sinfonietta. Contemporânea do mesmo período de trabalho na rádio, a Sinfonietta revela contudo uma pontual atenção para os caminhos que a música tomara entre os seguidores de Schoenberg (que depois não teriam grande expressão na sua obra posterior). Esta gravação corresponde à estreia em disco da versão original da Sinfonietta que Hermann revisitou por volta de 1960 quando trabalhava em Psico e que transformou em 1975 quando preparava um projeto de gravações da sua música para concertos.

Com esta gravação a Chandos abre importante janela de (re)descoberta para a obra que Herrmann criou para lá do grande ecrã. Se a ideia da editora é a de seguir o modelo de lançamentos através dos quais nos últimos anos nos deu a conhecer o mundo da escrita sinfónica e concertante de Nino Rota, vale a pena estarmos atentos às cenas dos próximos capítulos...

Entre Mishima e Oshima

2012-01-22T11:16:00.001Z

Discografia David Sylvian - 2
'Forbidden Colours' (single), 1983
com Ryuichi Sakamoto

O segundo single a solo de David Sylvian nasceu novamente de uma colaboração com o japonês Ryuichi Sakamoto. A este Nagisa Oshima havia pedido a banda sonora para o filme Feliz Natal Mr Lawrence, que contava com o próprio Sakamoto no elenco (onde encontrávamos também um outro músico: David Bowie).

Com música de Sakamoto e letra de Sylvian, Forbidden Colours (título encontrado no romance de Mishima que no Brasil teve já tradução para português como Cores Proibidas) é a canção que escutamos com os créditos finais do filme. Parte de uma melodia que Sakamoto decompõe e utiliza depois em outros instantes da banda sonora, mas que aqui surge em forma definitiva no corpo de uma canção delicada que cruza ecos de geografia japonesa com um lirismo que vinca o carácter dramático da sequência final do filme. O single apresenta a canção na mesma versão que escutamos na banda sonora e junta no lado B The Seed and The Sower (e, na versão máxi, o tema-extra Last Regrets). Forbidden Colours deu a David Sylvian a sua melhor performance extra-Japan na tabela de singles no Reino Unido, atingindo o número 16 e mantendo-se em lista durante 8 semanas.

Imagens do teledisco que acompanhou o lançamento de Forbidden Colours. Junta imagens do filme a outras, em estúdio, com o cantor.

Glass: um retrato em três partes

2012-01-22T11:12:00.001Z

Três documentários sobre Philip Glass. Um dos anos 80, realizado por Peter Greenaway. Os outros dois datam já do século XXI. Em conjunto dão-nos uma visão de uma figura maior da música do nosso tempo.

E começamos em 1983. Foi através deste documentário que, pela primeira vez, vi a figura de Philip Glass. Tinha escutado nessa semana um disco seu quando a RTP2 apresentou o episódio da série Four American Composers, de Peter Greenaway, que lhe era dedicado (os outros três sendo John Cage, Meredith Monk e Robert Ashley). O filme centra-se numa atuação do Philip Glass Ensemble com programa dividido entre excertos de Einstein on The Beach e Glassworks, juntando ainda Music in Similar Motion. Ao longo da atuação escutamos ainda vários momentos de entrevistas entrevistas na qual o compositor contextualiza a sua música e recorda como foram os seus primeiros anos de trabalho com o ensemble e a forma como as pessoas foram reagindo à sua música. Os próprios músicos do ensemble apresentam ainda a sua relação com a música de Glass. Na reta final do filme Glass descreve o aparente paradoxo que define, no fundo, o poder que a sua música tem de cruzar gostos e visões: “Há quem goste porque é barulhenta, é quem goste porque é rápida, há quem goste porque é muito clássica, há quem goste porque não é clássica, há quem goste porque soa a música indie e quem goste porque acha que não soa a música indie... Tem tudo a ver com a idade de cada um e com o que cada pessoa traz à música. O certo é que o desenvolvimento da música popular nos últimos dez anos foi muito importante para nós. E quando falo em nós refiro-me ao ensemble”, diz o compositor.

De 2005 data Looking Glass, de Eric Darmon. Já editado em DVD, o filme segue uma lógica algo convencional, juntando imagens de arquivo (de Einstein On The Beach) a outras de produções mais recentes (como por exemplo Akhnaten), tomando como medula central do olhar sobre o compositor um conjunto de entrevistas feitas em redor dos espaços onde vive o seu dia a dia. Da sala de trabalho em sua casa a momentos de gravação em estúdio (para uma banda sonora) ou trabalhos de bastidores para concertos ou mesmo uma entrevista na rádio, o filme procura o retrato do compositor. Consegue dar-nos uma ideia sobre quem é, de onde vem a sua música e o que conquistou. Mas fica aquém da visão mais próxima e humana que Scott Hicks depois alcançaria naquele que é, até hoje, o melhor documentário sobre Philip Glass.

Entre os filmes dedicados à música de Philip Glass tem natural destaque o absolutamente encantador Glass: A Portrait of Philip in Twelve Parts, de Scott Hicks. Trata-se de um olhar que cruza os espaços de trabalho com os que fazem a vida pessoal do compositor, daqueles que vivem ao seu redor e das ideias que o animam. Em 2009, quando aqui apresentei o filme dizia: “Scott Hicks acompanhou Philip Glass durante 18 meses. Visitou o seu escritório de trabalho em casa, explicando a sua mulher que aquela aparente desarrumação é a sua arrumação. Vemo-lo depois nos Looking Glass Studios, outro dos seus espaços de labor diário em Nova Iorque, em sessão de trabalho com Nico Muhly. Mais tarde fala de trabalho e de espiritualidades enquanto prepara pizzas para a família e amigos na sua casa de férias. Acompanhamo-lo em ensaios de uma ópera na Alemanha e de um recital a solo na Austrália… Com ele entramos pela sala onde Woody Allen fazia a montagem de Cassandra’s Dream. Martin Scorsese, Errol Morris e Godfrey Reggio falam da sua relação com o cinema. E regressamos ao espaço familiar, entre os filhos mais novos e o mais velho, entre as histórias do presente e algumas memórias que ajudam a contar esta história. Glass: A Portrait Of Philip In Twelve Parts é um filme que nos revela um espaço privado sem nos dar nunca a sensação de estarmos a ser intrusos. Tranquilo e bem humorado, Philip Glass aceita a presença da curiosidade da câmara. As suas palavras vão lançando o texto no contexto. E quando lhe perguntam qual será o segredo para o que já atingiu, responde sem pausa: levantar cedo todos os dias e trabalhar”. Outra das grandes respostas de Glass surge, logo no início do filme, quando comenta o facto de haver quem não goste da sua música. Ao que diz: “Há tanta música no mundo, não têm de gostar da minha. Há Mozart, há os Beatles, oiçam outra coisa... Têm a minha bênção... Oiçam outra coisa... Não quero saber...”. Na mouche!

Imagens do trailer de Glass: a Portrait of Philip in Twelve Parts.

O neo-feminismo de David Fincher

2012-01-21T18:20:00.000Z

Rooney Mara

David Fincher é um cineasta do concreto, sempre seduzido pela abstracção das formas: Millennium 1 - Os Homens que Odeiam as Mulheres é a uma nova e eloquente ilustração da sua visão — este texto foi publicado no Diário de Notícias (18 Janeiro), com o título 'Aventura do concreto e do abstrato'.

Afinal de contas, que acontece nos filmes de David Fincher? Digamos que a fama conquistada com o magnífico Seven (1995) terá deixado uma herança equívoca: Fincher seria um manipulador da nossa proverbial inocência, prolongando até ao limite do sustentável o modelo do “mistério-até-ao-fim”.

Face ao vertiginoso Millennium 1 – Os Homens que Odeiam as Mulheres, importa tentar ultrapassar tal caracterização do seu trabalho. Desde logo, pela razão muito básica que está expressa no título do best-seller de Stieg Larsson: este é um objecto de um neo-feminismo, obstinado e radical, em que já não se trata tanto de celebrar uma determinada identidade feminina, como de expor a devastadora crueldade de um mundo organizado a partir de uma violência primordialmente masculina (e há todo um subtexto, também ele radical e perturbante, que remete essa violência para o imaginário nazi).

Além do mais, deparamos com a obsessiva deambulação labiríntica que constitui a mais forte assinatura de Fincher. Tal como na rede de bizarras implicações de Clube de Combate (1999) ou na rede, ela própria, de A Rede Social (2010), o cineasta coloca em cena um desejo de verdade que contém componentes do policial mas que, a pouco e pouco, se vai transfigurando numa demanda de identidade(s) em que todas as certezas, desde a transparência da história às relações sexuais, são pacientemente questionadas.

Daí a estranha beleza de Millennium 1: por um lado, há nele uma urgência face ao concreto do nosso mundo que lhe confere a dimensão de parábola sobre a persistência do Mal e o fim de todos os romantismos; por outro lado, vivemos uma aventura tocada pela mais pura abstracção formal. É tempo de acreditarmos que Howard Hawks tem, finalmente, um herdeiro moderno.

Viver e morrer em televisão

2012-01-21T14:55:00.000Z

O Grande C, com Laura Linney, é uma magnífica série que lida com o cancro, e a nitidez da morte, sem nunca ceder à demagogia "existencial" de muitos programas televisivos — este texto foi publicado no Diário de Notícias (20 Janeiro).

Não sei se o leitor partilha o meu ponto de vista, mas considero que, em alguns programas televisivos, em particular os que convocam as pessoas para falar da sua vida privada, se ultrapassou há muito a fronteira do pudor e do respeito pela humanidade de cada um. Considero mesmo que tais programas promovem uma cultura da mais pura obscenidade, reduzindo a existência individual a uma grosseira montra pública onde o recato e a intimidade não têm qualquer valor.

A vida de cada um? Sim, a vida, mas não só: também a morte. Trata-se a relação pessoal com a morte como se fosse uma parada de números mais ou menos chocantes para exibir, consumir e deitar fora. Daí o tristíssimo estado das coisas: uma banalidade filosófica (?) dita por um qualquer “famoso” que tenha posto a sua própria inteligência em greve ganha uma evidência colossal, mas a simples existência de uma série tão admirável como O Grande C (The Big C), a passar no TV Séries, não faz manchetes em nenhum lado.

Criada por Darlene Hunt, para o canal americano Showtime, O Grande C é, precisamente, uma série sobre a morte. O “C” do título remete para a palavra cancro. A protagonista, uma professora de liceu, admiravelmente interpretada por Laura Linney (também produtora executiva), sofre de melanoma terminal. Entre uma família não muito equilibrada e uma vizinhança nem sempre muito acolhedora, ela decide viver numa espécie de corda bamba emocional em que a partilha ou a ocultação do seu estado implica inevitáveis diferenças na relação com os outros.

Estamos, aqui, bem longe da sinistra piedade que, quase todos os dias, encontramos nas conversas de reality show. Não se trata de reforçar o discurso paternalista que reduz o paciente a uma marioneta emocional, mas de fazer o retrato de um quotidiano em que, afinal, a nitidez da morte é vivida como um factor de relançamento da vida. Apostando numa desconcertante frieza realista, combinada com uma ironia contagiante, a série consegue essa coisa rara e preciosa que consiste em valorizar o carácter irredutível de cada ser humano. Em boa verdade, O Grande C retrata a comédia da vida. Morte incluída.

Beloved, 1990

2012-01-21T11:06:00.002Z

Esta semana recuperámos como “disco pe(r)dido” o álbum Happiness, que os Beloved editaram em 1990. Um disco de visões pop, animado pelo fulgor de ensinamentos recentes colhidos na house, acid house, ambient house e outras manifestações emergentes da então vibrante club scene. Hoje recordamos aqui The Sun Rising, teledisco que acompanhou um dos singles extraídos deste álbum dos Beloved.

Um ano para viver Guimarães

2012-01-21T11:03:00.001Z

Foto: N.G.

Guimarães é a partir de hoje a Capital Europeia da Cultura. Ao longo do ano a cidade acolhe uma programação atenta às mais diferentes áreas da produção artística. Reequipada, Guimarães foi alvo de obras profundas ao longo dos últimos meses, requalificando espaços para acolher todo um ano de iniciativas, contribuições que ficam também como legado deste ano especial para a vida futura da cidade.

Hoje o dia é protocolar, com cerimónia de abertura pelas 18.00 horas no Pavilhão Multiusos. À noite, os Fura dels Baus apresentam um espetáculo de rua que andará pela cidade.

A partir de hoje acompanharemos aqui algumas das iniciativas da Guimarães 2012. Para já podem consultar no site oficial da Capital Europeia da Cultura mais informação sobre o que já aconteceu e o que está para vir ao longo dos próximos meses.

Os primeiros passos além-Japan

2012-01-21T10:58:00.004Z

Discografia David Sylvian - 1
'Bamboo Houses / Bamboo Music' (single), 1982
com Ryuichi Sakamoto

Iniciamos hoje um novo percurso através de uma discografia. Assinalando os 30 anos da obra a solo de David Sylvian, começamos assim por recuar a 1982 e àquele que foi então o seu primeiro disco editado a solo, ainda o músico integrava os Japan.

Não era a primeira vez que David Sylvian trabalhava com Ryuichi Sakamoto. Do bom acolhimento dos japoneses à música dos Japan, logo em finais dos anos 70, surgiu uma vivência e partilha de ideias que cedo colocou o vocalista dos Japan em contacto com a figura central da Yellow Magic Orchestra, banda fundamental da primeira geração pop electrónica e nome de proa da música japonesa de então. Colaboraram pela primeira vez em Taking Islands in Africa, um dos temas do álbum Gentleman Take Polaroids (1980) dos Japan. Mas em 1982 editaram juntos um primeiro single, ao qual chamaram ainda a colaboração de Steve Jansen (também dos Japan). Bamboo Houses / Bamboo Music lança ideias. Explora as potencialidades das suas visões instrumentais (na verdade representando o passo adiante do que os Japan haviam experimentado no álbum de 1981 Tin Drum) e aprofunda a demanda de personalidade na atitude vocal de Sylvian. Os temas foram co-produzidos pelos dois protagonistas e Steve Nye e tiveram ediçãoo nos formatos de 7 e 12 polegadas, pela Virgin Records.

Imagens do teledisco para Bamboo Music, que acompanhou em 1982 o lançamento deste primeiro single conjunto de Sylvian e Sakamoto.

Entrevistas de arquivo: Philip Glass, 1996

2012-01-21T10:54:00.003Z

Este texto recorda uma entrevista a Philip Glass por alturas da estreia em Lisboa da ópera Les Enfants Terribles, a terceira de uma trilogia baseada em filmes de Jean Cocteau A entrevista foi originalmente publicada na edição de 30 de Outubro de 1996 do DN.

O seu regresso a Lisboa acontece com o fecho da trilogia de óperas baseadas em Cocteau. Porquê este autor como mote para um ciclo?
Foi um ciclo interessante, baseado em filmes realizados por Jean Cocteau entre 1946 e 52, um curto intervalo de tempo. Inicialmente eu abordei a ópera ao ponto de entender como é que um filme poderia estar na sua génese. Muitas óperas nasceram de outras literaturas. E, cem anos depois do aparecimento do cinema, com toda uma nova linguagem apresentada, ainda ninguém tinha feito uma ópera baseada num filme. Houve apenas experiências na Broadway. E não podemos ignorar no cinema uma enorme fonte de criatividade. Decidi, então, tentar três modelos de o fazer, escolhendo Cocteau, um grande colaborador multifacetado. Quase um mentor para o meu trabalho, dado o seu envolvimento em diversas formas de espetáculo. Comecei com Orphée, e depois da La Belle et La Bête e, aos poucos, reparei que cada um dos casos levantava a questão da criatividade e, para o colocar de modo genérico, um modo muito especial de transformar o mundo real num universo de magia.

'Les Enfants Terribles'

A abordagem aos três filmes foi depois assumida de modos sempre diferentes.
Em Orphée aproveitei a trama e todos os diálogos para a construção da ópera. Em La Belle et La Bête, aproveitei todas as palavras e experimentei compor uma ópera para acompanhar a projeção do filme, pelo que as vozes tinham de estar sincronizadas com os movimentos dos lábios dos atores. Os cantores transformaram-se em intérpretes dos personagens do filme. E esse foi um passo radical. Neste Les Enfants Terribles quis ultrapassar o filme e retomar o livro, escrito pelo próprio Cocteau por volta de 1926. O filme já era uma interpretação do livro. Resolvi fazer o mesmo, numa interpretação paralela ao filme. E, já que regressava ao livro, necessitava uma outra forma para experimentar a encenaçãoo.

E aí a ideia de convidar a coreógrafa Susan Marshall?
De facto. Resolvemos formar uma companhia de performers, cantores e dançarinos. Sempre tive dança nas óperas (e O Corvo Branco também terá), num modo tradicional (a ópera é interrompida, surge um bailado e, depois, a ópera recomeça) ou não. Assim aconteceu em Einstein On The Beach, em Akhnaten, em Civil Wars e outras, ora em momentos de dança, de canto ou em situações de convívio.

Já tinha feito várias bandas sonoras. Esta trilogia exigiu um trabalho diferente?
Com La Belle et La Bête tive, inclusivamente, de respeitar os tempos (e usei cronómetros e máquinas de calcular). Em Orphée não me preocupei com o timing do filme. Em Les Enfants Terribles tive maior liberdade para fazer uma adaptação mais completa, e cheguei mesmo a não usar muitas partes do filme.

'La Belle et la Bête'

Até ao momento gravou apenas as óperas da trilogia-retrato e La Belle et la Bête. As muitas outras que já compôs serão algum dia gravadas?
Acabámos de gravar há poucos dias o Civil Wars, que deverá sair em 1997 e, em Dezembro, entramos em estúdio para registar Les Enfants Terribles, o que aumentará significativamente a discografia, que me parece bastante recheada para um autor contemporâneo. Entretanto concluí uma outra ópera, The Marriages Between Zones Three, Four and Five, e sei que passarão anos antes de as ter todas gravadas. A mais difícil de todas será The Voyage, um trabalho de grande escala.

Qual das óperas o realizou mais como compositor?
Satyagraha sempre ocupou em mim um lugar muito especial. Einstein on The Beach é também única e radical e foi o ponto de partida.

E continua a ser um marco histórico. Porque passou, depois, a abordar a ópera de um modo mais tradicional?
Einstein criou um mundo seu. Não fui nunca tentado a repeti-lo e, entretanto, senti vontade em experimentar a escrita para o canto operático.

Foi uma das muitas regravações e reedições diferentes. Haverá mais na calha?
Creio que editarei discos enquanto a editora os quiser e ela enquanto o público os comprar. Recentemente regravamos o Music in 12 Parts. Estas reedições destinam-se a recolocar no mercado peças que não se encontravam porque foram lançadas em vinil há mais de 20 anos. Entretanto gravei obras mais recentes, como as Sinfonias nº 2 e 3, o Concerto para Saxofone, highlights de Civil Wars e uma peça orquestral chamada The Light, com a Vienna Radio Orchestra. Discos que deverão ser editados em 97. Fiz entretanto um bailado baseado em Heroes, de Brian Eno e Bowie, que será editado já em janeiro.

E aventuras além do universo erudito?
Ainda há dias terminei uma canção para o Mick Jagger, por exemplo. Tenho um passado musical de grande diversidade e permito-me a fazer coisas diferentes. E porque não?

'Songs From Liquid Days'

E não acredita que os anos 90 são a década da definitiva abolição de fronteiras entre os géneros?
Sem dúvida! Há muito que trabalho nesse sentido e sinto-me feliz por ver as coisas a seguir esse rumo. Lembro-me de um momento em que estava a trabalhar simultaneamente com Suzanne Vega e Laurie Anderson. É interessante ter a liberdade para assim agir, mas tem de se estar preparado para certo tipo de críticas. E já não presto atenção ao que se diz, caso contrário não faria metade do que faço.

Ainda faz sentido falar em minimalismo no contexto atual?
Creio que teve o seu momento histórico, em meados de 60 e a sua importância fundamental foi o facto de ter assistido à reformulação da linguagem da música moderna por uma série de jovens compositores que rejeitava o que tinha aprendido da geração anterior. A diversidade da música nos nossos dias é tão vasta que apenas num circuito muito restrito se pode definir uma música por uma só linguagem , apenas nas escolas. A grande contenda entre a música serial e o minimalismo não interessa aos novos compositores. Estão-se nas tintas para isso. Estão mais entusiasmados com uma música baseada no caos ou no ruído, na world music, na tecnologia.

Todd Levin, por exemplo, experimentou as regras da dance music num contexto sonoro “clássico”...
Conheço-o bem e gosto do seu trabalho. Vou, de resto, editar um disco seu na Point Music, a editora que de certa forma ajudo a dirigir.

Vê nas bandas atuais, como os Depeche Mode e outros projetos electrónicos, não esquecendo os “pais” Kraftwerk, alguma descendência do seu trabalho?
No início dos anos 70 toquei muito com o ensemble na Alemanha e grupos como os Kraftwerk ou os Can tinham um bom relacionamento comigo, de franco diálogo. Isso era sabido. Quando surge a primeira geração techno pop este tipo de relacionamento da pop, muito vivo e gratificante, sempre me entusiasmou. De resto, gravei recentemente com o Aphex Twin e devo dizer que nada disto é novo. Esta dicotomia que separa a música popular da clássica é recente! Os primeiros bailados de Stravinsky não seriam possíveis sem os estudos sobre a música popular russa de Rimsky Korsakov. Stravinsky trouxe para uma linguagem sinfónica as raízes da música popular do seu tempo. De certo modo continuo essa tradição. Há um puritanismo protecionista em relação à música clássica que me assusta. O diálogo entre as diversas músicas é entusiasmante e produtivo.

Etta James (1938 - 2012)

2012-01-20T20:23:00.000Z

Nome grande da soul, cumpriu uma extraordinária carreira repartida por mais de quatro décadas: Etta James faleceu no dia 20 de Janeiro, no Riverside Community Hospital, em Riverside, California — contava 73 anos (completaria 74 no dia 25).

Dance With Me, Henry, At Last e Tell Mama são alguns dos títulos emblemáticos de Etta James, senhora de uma voz invulgar, e invulgarmente dramática, capaz de integrar referências muito variadas, do blues ao jazz, do rock'n'roll ao gospel. Com 28 álbuns de estúdio — o derradeiro dos quais, The Dreamer, saíu em Novembro de 2011 —, foi vencedora de seis Grammys e dezassete Blues Music Awards. Desde 1993, integrava o Rock and Roll Hall of Fame.

>>> O clássico At Last, por Etta James, e na homenagem que lhe prestou Beyoncé (na tomada de posse do Presidente Obama).

>>> Obituário de Etta James no New York Times.

Num encontro com Mathew Dear

2012-01-20T11:01:00.000Z

De o alinhamento do novo EP Headcage, de Mathew Dear, chega um teledisco que acompanha o tema In The Middle (I Met You There). A realização é de Morgan Beringer. O tema conta com a colaboração vocal de Jonathan Pierce, dos The Drums.

Sound + Vision Magazine segunda-feira na Fnac Chiado

2012-01-20T10:39:00.003Z

Na próxima segunda-feira a primeira edição de 2012 do Sound + Vision Magazine apresenta um balanço do que de melhor aconteceu em 2011. E lança ideias para o que nos espera em 2012. O encontro fica marcado para as 18.30 de dia 23, como sempre na Fnac Chiado. Nomes como os de James Blake, Terrence Malick ou os Tune Yards constam da lista de autores que destacaremos.

Novas edições: Vários artistas, Rough Trade - Electronic 11

2012-01-20T10:37:00.002Z

Vários artistas

“Rough Trade Electronic 11”

Rough Trade

3 / 5

A história conta-se todos os dias. Até mesmo à medida que vai acontecendo. É certo que o tempo e o distanciamento que estre traz nos permitem depois uma afinação dos pontos de vista. Mas podemos ir relatando o que vai sucedendo a par e passo com o que o mundo nos dá a conhecer. É talvez coisa mais parecida com uma ideia de jornalismo que de um relato segundo as regras de quem redige a história. Mas esta proposta de guardar um retrato do passado recente logo no instante depois dele acontecer tem a função acrescida de divulgação daquilo que eventualmente escapou até aos mais atentos. Falamos em concreto de uma antologia esta semana lançada pela Rough Trade e que nos coloca perante um retrato do que 2011 escutou no departamento das electrónicas. Se, à partida, a sugestão pareceria sempre ter o seu interesse, num ano de tão magra dieta de ideias nos campos das guitarras (raras sendo as propostas que vale a pena reter entre exemplos maiores da banda sonora do ano que agora acabou), o retrato apresentado ganha ainda mais sentido de oportunidade. O retrato faz-se em 22 temas. E desde logo podemos ora comentar os escolhidos como referir os que ficaram de fora. E se é notória a ausência de um James Blake (queira-se ou não, goste-se ou nem por isso, foi uma das figuras centrais do mapa da música – electrónica e não só – ao longo do ano), as não representações de nomes como os de Jai Paul, Jamie Woon, Washed Out, ou Son Lux podem explicar-se das mais variadas razões, uma delas o simples facto de não andarmos todos a ouvir (e a gostar) do mesmo. Ou seja, nada contra. Na verdade, e apesar da presença (incontornável, assinale-se) de John Maus ou Nicolas Jaar, a compilação através da qual a Rough Trade faz o retrato electrónico de 2011 vive mais da sugestão de nomes em afirmação ou figuras experientes algo afastadas do gume das atenções mediáticas. Da house revisitada pelos já reconhecidos Hercules & Love Affair às texturas criadas pelo ilustre Alva Noto aos pólos no gume da invenção que juntam nomes como Ford & Lopatin, Rene Hell ou Flying Lotus, o panorama revela um ano de visões com horizontes largos que lançam bases para que 2012 leve ainda mais adiante as ideias. O disco talvez falhe na vontade de alargar tanto o leque de escolhas ao ponto de desfocar (e diluir) uma eventual sugestão dos caminhos essenciais que 2011 trilhou. O mergulho pelas estéticas industriais na reta final do alinhamento ou o dispersar de atenções em propostas mais experimentais por um lado garante verdade ao retrato, por outro transforma o alinhamento num menu com excesso de sabores... Mesmo assim, uma boa ideia.

Viver a história (quando ela contece)

2012-01-20T10:34:00.000Z

É no mínimo um privilégio podermos assistir à história quando ela acontece frente aos nossos olhos. E se tantas vezes imaginamos como seria ver Mahler a dirigir as suas obras em inícios do século XX ou estar numa plateia quando Liszt nos começou a habituar à ideia de ver um pianista como centro das atenções num serão de música, em janeiro de 2012 temos a oportunidade de contar, pela nossa frente, e ao vivo, com um dos maiores talentos na composição do nosso tempo. Com apenas 31 anos (e no currículo já uma multidão de obras, discos gravados, prémios e elogios), o britânico Thomas Adès é lisboeta ao longo desta e da próxima semana, num pequeno ciclo que a Gulbenkian nos propõe e que culminará com a apresentação de Polaris: Voyage For Orchestra, uma obra co-encomendada pela fundação que o compositor apresentará à frente da Orquestra Gulbenkian nos dias 27 e 28.

Ontem o primeiro concerto com obras e direção de Adès teve (como os demais deste ciclo) o mérito de juntar a sua música à de outros compositores (e outros tempos), mostrando como a história, mesmo quando a aponta noutros sentidos, vive de uma soma de factos que habitam, inevitavelmente, na memória do que acontece hoje e se projeta adiante. Foi por isso curioso que o concerto começasse com três estudos que Adès criou em 2006 tendo por base uma admiração maior pela música de François Couperin (1668-1733), cuja memória visitara já, nos anos 90, em Les Barricades Mystérieuses. Da música de Couperin (cujas marcas são reconhecíveis) Adès parte em busca de novos caminhos que ora descobre em abordagens mais centradas na textura ou na cor, o balanço entre o antigo e o presente, o visitante e o visitado, diluindo-se entre a orquestra (a Chamber Orchestra of Europe) frente aos nossos olhos.

Mais intenso ainda foi o momento em que Adès, já na segunda parte do concerto, deu voz ao seu absolutamente magnífico Concerto para Violino (de 2005). Herança direta das ideias desenvolvidas na sua segunda ópera (The Tempest, que a Gulbenkian apresenta em versão filmada esta segunda-feira), o concerto faz do violino uma voz que caminha o seu trajeto ao lado de uma orquestra que desenha motivos que ganham forma numa dinâmica circular, umas vezes afastando-se noutras aproximando-se da turba que se desenvolve ao seu redor. Há um jogo de contrastes nos sons, na energia, na fragilidade da voz do solista (que contou em cena com um soberbo Pekka Kuusisto) e um sentido de arrumação que é expressão do rigor técnico e da expressão de uma individualidade na composição de Adès.

Um Nuits d’Eté de Berlioz (com segura presença do tenor Toby Spence) e uma viçosa Sinfonia Nº 6 de Sibelius completaram o programa de uma noite que brilhou sobretudo pela oportunidade de nos colocar frente à música do século XXI.

Uma sinfonia pelo milénio

2012-01-20T10:30:00.002Z

Mês Philip Glass - 20

Se as primeiras obras de Philip Glass apontavam essencialmente no sentido da busca (e, depois, afirmação) de uma ideia formal, com o tempo a sua identidade filosófica começou a marcar presença em composições que foram assim aprofundando as características da sua personalidade e o seu mundo de opiniões e preocupações. Cedo ficou clara uma ideia de existência humanista e um interesse transversal pela exploração de misticismos de várias origens e das afirmações de diferença entre culturas que, no fundo, e depois de somadas, mais não são senão os tijolos que constroem a nossa identidade comum.

Ao pensar numa obra maior para o assinalar da viragem, do milénio Glass procurou expressar estra imensa variedade de expressão de ideias e crenças num mesmo espaço comum. Sob a forma de uma sinfonia vocal (mais próxima portanto do gume central da sua obra para os teatros de ópera), elaborou uma visão grandiosa que cruza textos de origens tão distintas como o grego, chinês, japonês, hebraico, sânscrito e diversas línguas indígenas, traduzidos para inglês. A Sinfonia Nº 5, até hoje a sua maior e mais interessante obra para orquestra (além, claro está, do trabalho para o mundo da ópera) junta assim as culturas e crenças do mundo sob uma voz comum expressando um canto de confiança e fé da humanidade sobre si mesma.

A sinfonia teve gravação pela Vienna Radio Symphony Orchestra e vários solistas, sob direção de Dennis Russel Davies. A edição, pela Nonesuch, surgiu na forma de CD duplo acompanhado por um packaging que reforça a ideia de recolha de textos antigos, cada qual impresso em folhas separadas, com cores diferentes, da soma do que os distingue surgindo uma vez mais essa mesma noção de identidade que vive da junção das diferenças e não da sua diluição.

Bruce Springsteen: álbum em Março

2012-01-20T00:45:00.000Z

Anuncia-se um objecto de intensa carga política e influências de... percussão eletrónica e hip-hop: o 17º álbum de estúdio de Bruce Springsteen chama-se Wrecking Ball e tem lançamento marcado para 6 de Março. De acordo com notícia publicada pela Rolling Stone, a produção é partilhada por Springsteen, o velho aliado Jon Landau e Ron Aniello (que já trabalhou com Patti Scialfa, mulher de Bruce). Este é o primeiro tema divulgado: We Take Care Of Our Own.

No regresso de Santigold

2012-01-19T10:03:00.000Z

Com produção de Switch e dos Buraka Som Sistema, Santigold está de regresso com Big Mouth. aqui fica o teledisco.

Discos pe(r)didos: Beloved, Happiness

2012-01-19T10:00:00.001Z

Beloved

“Happiness”

EastWest

(1990)

É ao escutar os sinais dos tempos que muitas vezes as bandas encontram o seu caminho. Os Beloved tinham já lançado alguns singles e mesmo um álbum de estreia (lançado em 1989, e então quase invisível ) quando deixaram que o clima que semana após semana conquistava adeptos nas noites dançantes de Londres (e Ibiza, em tempo de férias) sugerisse novos caminhos. Jon Marsh tinha já passado por outras aventuras e, depois de uma cisão de um núcleo original em 1987, manteve ativos os Beloved como um duo (com Steven Waddington). É ao sexto single, Your Love Takes Me Higher, editado em inícios de 1989, que surgem claramente animados por uma ideia pop iluminada por ideias escutadas na house e acid house (adiante revelando ainda sinais de interesse pelas emergentes formas de um novo techno). A aparente fragilidade da voz de Marsh, o melodismo seguro da composição e a solidez insistente da arquitetura rítmica da canção cativou atenções e não deixou dúvidas quanto ao caminho que deviam seguir. Tanto que, meses depois, em Outubro de 1989, apresentavam em The Sun Rising uma ainda mais expressiva assimilação das novas vitaminas libertadas pela club scene na forma de um tema que, no fundo, não deixava de ser uma canção de alma pop. Seguiu-se, já em 1990, Hello, o trio de singles servindo então de cartão de visita para um álbum que confirmou em pleno a solidez da visão abraçada pelos Beloved. O disco mostrava uma filiação atenta às novas revelações lançadas pela música de dança do seu tempo, mantinha firme uma identidade pop (ciente da canção como forma central a trabalhar), abria espaço a soluções se arranjos que sugeriam uma certa elegância (devidamente suportada por uma produção polida e eficaz). Juntamente com álbuns como World Clique, o primeiro dos Deee Lite ou Behaviour, dos Pet Shop Boys, Happiness é um disco quer marca o momento em que a pop escuta e integra na matriz das suas canções os ecos da revolução que a globalização do fenómeno house lançou em finais dos oitentas. Não repetiram nunca o encontro feliz de argumentos e ingredientes que aqui mostraram e, com o tempo, perderam viço e visibilidade. Mas em Happiness os Beloved assinaram um dos primeiros grandes discos da pop dos anos 90.

Thomas Adès em Lisboa

2012-01-19T09:55:00.004Z

É algo avesso a grandes mediatismos, não é muito dado a entrevistas e, depois de erradamente citado, sendo-lhe atribuídas declarações que nem eram suas, não admira que Thomas Adès não seja uma figura com maior visibilidade no panorama atual da música. Ele é, contudo, um dos mais interessantes compositores do nosso tempo e, sem dúvida, o melhor exemplo de como o trabalho é chave para a definição de um rumo e o talhar de uma identidade entre os músicos da sua geração.

Com apenas 31 anos Thomas Adès é um compositor já com uma considerável obra gravada, sendo mesmo um nome central do catálogo atual da EMI Classics. A Fundação Gulbenkian inicia esta semana um ciclo dedicado à sua música que conta com a sua presença em Lisboa para dirigir uma série de concertos e, inclusivamente, estrear uma obra co-encomendada pela própria Fundação.

O primeiro concerto tem lugar já hoje pelas 21.00 horas. À frente da Chamber Orchestra of Europe, Thomas Adès vai dirigir os seus Three Studies from Couperin e o Concerto para Violino (com Pekka Kuusistu como solista). A noite inclui ainda Nuits d’Eté de Berlioz (contando com a voz de Toby Spence) e a Sinfonia Nº 6 de Sibelius.

A solo, ao piano

2012-01-19T09:54:00.001Z

Mês Philip Glass - 18

Se numa primeira etapa da sua carreira Philip Glass compôs essencialmente para teclados eléctricos e electrónicos, a partir de certa altura o piano começou a entrar aos poucos no seu espaço. Em Glassworks apresentou um momento para piano solo. E em finais dos anos 80 dava por si a editar um primeiro disco reunindo uma série de peças originalmente compostas para piano (uma delas, Wichita Sutra Vortex na verdade tendo na origem uma leitura de poemas com Allen Ginsberg).

O disco, que além de Wichita Sutra Vortex inclui Mad Rush (originalmente composta para órgão) e o ciclo Metamorphosis, surgiu numa altura em que, com menos obras (e menos solicitações) para o seu ensemble, o compositor começava a correr o mundo em recitais para piano, nestas peças encontrando algumas das obras que habitualmente apresentava a sós, frente a um piano e com plateia a seu lado, assumindo assim uma herança que remonta aos dias de Liszt. Glass afirmava então que fazer recitais era uma tarefa bem mais simples. Porque, em suma, não precisava nem de mais músicos, nem de equipamento, nem mesmo de um agente na estrada a seu lado. “Levava tudo na minha cabeça”, recorda em palavras que encontramos no booklet de Solo Piano.

Muitas destas obras ainda hoje integram os recitais a solo de Philip Glass e conheceram entretanto gravações por outros pianistas em diversas editoras. Com o tempo Philip Glass aprofundou o seu trabalho solista a piano e compôs novos estudos, que entretanto gravou já pela sua Orange Mountain Music.

'Cerro Negro' em Roterdão

2012-01-19T09:52:00.000Z

O realizador português João Salaviza, que venceu uma Palma de Ouro em Cannes em 2009 com Arena, tem uma curta-metragem sua, com cerca de 20 minutos de duração, no programa da edição deste ano do festival de Roterdão. Com o título Cerro Negro, e resultado de uma encomenda do Programa Gulbenkian Próximo Futuro, o filme integra a secção Spectrum Shorts e será projetado nos dias 28 e 29. Cerro Negro centra atenções na vida de um casal brasileiro em Lisboa que luta contra uma separação forçada.

O melodrama segundo Téchiné

2012-01-18T22:05:00.000Z

Francês, herdeiro de Max Ophuls, Jean Renoir e François Truffaut, André Téchiné persiste (e bem) no labor melodramático — este texto foi publicado no Diário de Notícias (16 Janeiro), com o título 'A arte perdida do melodrama'.

A degradação “telenovelesca” do espaço audiovisual exprime-se através de um contínuo desrespeito pelo classicismo cinematográfico. Assim, por exemplo, desde o mais banal senso comum até alguns discursos jornalísticos, a palavra melodrama passou a ser associada a um convencionalismo superficial e anedótico. Como todos os preconceitos, também este se alimenta de uma imensa ignorância histórica: como fazer a história do cinema sem considerar a beleza e a inteligência dos seus melodramas? De David W. Griffith a Woody Allen, passando por Max Ophuls, Vincente Minnelli ou François Truffaut, a escrita melodramática constitui um património de fascinante riqueza e complexidade, continuando a questionar-nos e, em particular, a questionar a nossa relação com o presente.

A estreia do mais recente filme de André Téchiné, Imperdoáveis, mesmo não sendo das suas obras mais perfeitas, confirma-nos a filiação do cineasta nesse espaço do melodrama, quer dizer, num sistema de narrativas em que as componentes afectivas se expõem sempre como elementos de uma complexa dinâmica social. Ao mesmo tempo, não há aqui nenhuma cedência a uma certa sociologia de bolso que tudo reduz a determinismos típicos de debate televisivo: as relações sociais apresentam-se indissociáveis das emoções das personagens, abrindo-se aos enigmas do inconsciente.

O filme é tanto mais interessante quanto consegue também contrariar o cinismo “romântico” que reduz as histórias de amor a um privilégio narrativo da juventude (chega a ser assustador o que, nas nossas sociedades, se faz em nome da “juventude”...). As personagens principais de Imperdoáveis são mesmo dois adultos já para além dos 50 anos: ele (André Dussolier), um escritor que decide instalar-se em Veneza, ela (Carole Bouquet), uma agente imobiliária que tenta arranjar-lhe uma casa. O seu envolvimento vai desenvolver-se num duplo sentido: lidando com a surpresa do seu amor, enfrentando as dúvidas sociais ou familiares que a sua ligação suscita. Mais do que uma “descrição” sentimental, Téchiné procura esses momentos em que as personagens deparam com uma diferença visceral: a que se revela entre os seus desejos e a percepção pública da sua relação.

A existência do melodrama está também condicionada pelas opções dominantes do mercado. E não apenas pelos títulos exibidos. Também pela visibilidade promocional que lhes é conferida. No caso de Téchiné, por exemplo, desde Os Tempos que Mudam (2004) que os seus filmes não chegavam às salas portuguesas, mantendo-se inéditos Les Témoins (2007), crónica vibrante dos anos 80 marcada pela descoberta da sida, e La Fille du RER (2009), subtil recriação de um fait divers parisiense. Agora, pelo menos, com Imperdoáveis, podemos reencontrar um dos mais importantes autores do cinema francês das últimas quatro décadas.

Oscar de melhor filme estrangeiro: 9 títulos

2012-01-18T19:29:00.000Z

No processo que conduzirá às nomeações para os Oscars (24 Janeiro), a Academia de Hollywood acaba de divulgar a short list, de nove títulos, a partir da qual serão encontrados os cinco nomeados para o Oscar de melhor filme estrangeiro. São eles:

* BÉLGICA, Bullhead, de Michael R. Roskam

* CANADÁ, Monsieur Lazhar, de Philippe Falardeau

* DINAMARCA, Superclásico, de Ole Christian Madsen

* ALEMANHA, Pina, de Wim Wenders

* IRÃO, A Separation, de Asghar Farhadi

* ISRAEL, Footnote, de Joseph Cedar

* MARROCOS, Omar Killed Me, de Roschdy Zem

* POLÓNIA, In Darkness, de Agnieszka Holland

* TAIWAN, Warriors of the Rainbow: Seediq Bale, de Wei Te-sheng

Distinguido em Berlim/2011 com o Urso de Ouro, e mais dois prémios de interpretação (para Leila Hatami e Peyman Moaadi), o filme iraniano Uma Separação parece perfilar-se como o candidato mais forte ao Oscar; recorde-se que, há dias, lhe foi atribuído o Globo de Ouro de melhor filme estrangeiro.

Um mundo sem Wikipedia

2012-01-18T17:50:00.000Z

Durante 24 horas, a Wikipedia impôs a si mesma um bloqueio: a versão original (inglesa) do site está em blackout, protestando contra dois projectos de lei em discussão nos EUA, na Câmara dos Representantes e no Senado. Segundo os responsáveis pela enciclopédia virtual, a nova legislação — genericamente, sobre as questões de copyright na Internet — poderá produzir exactamente o contrário do que pretende defender, ou seja, crescentes limitações à livre expressão dos cidadãos.

Escusado será dizer que este é um problema que nos envolve numa complexa teia de temas, dúvidas e reivindicações (já aqui referida num post do Nuno). Ao mesmo tempo, a sua simples manifestação leva-nos a experimentar, durante 24 horas, o real/irreal de um mundo sem Wikipedia... Dir-se-ia que vislumbramos, assim, a inelutável secundarização do valor enciclopédico tradicionalmente atribuído à impressão em papel. Daí a pergunta estranhamente marginal: por que é que, para além dos muitos méritos da Wikipedia, já nem falamos de um possível retorno ao livro?

St. Vincent (citando Elvis Costello)

2012-01-18T16:08:00.000Z

Annie Clark, aliás, St. Vincent surgiu no dia 16 de Janeiro, no programa de Conan O'Brien, citando uma lendária passagem de Elvis Costello pelo Saturday Night Live, quando ele começou uma canção, interrompendo pouco depois e lançando-se noutra, dizendo: "I'm sorry, ladies and gentlemen, there's no reason to play that song" (a canção que Costello acabou por cantar, Radio Radio, é a mesma que, agora, St. Vincent interrompeu). A notícia está na Rolling Stone e o video fica aqui — canção finalmente escolhida: Cheerlader (do álbum Strange Mercy).

Pelas ruas (e a cores)

2012-01-18T11:01:00.002Z

Os portugueses You Can't Win Charlie Brown têm um novo teledisco para um dos temas do seu álbum Chromatic, editado no ano passado. Aqui fica I've Been Lost, co-assinado por Pedro Gaspar, Vasco Gaspar, Nuno Sousa Dias e Francisco Nogueira.

Entretanto, no site da banda decorre uma petição para recolha de fundos com vista ao assegurar da sua presença no SXSW, no Texas. Vejam aqui como contribuir.

O silêncio como protesto

2012-01-18T10:52:00.000Z

A Wikipedia fechou hoje os seus serviços em protesto contra duas propostas de lei em discussão no Senado e no Congresso dos EUA. Jimmy Wales, o fundador da Wikipedia, explica que estas leis, apesar de visarem o combate à pirataria e a defesa da propriedade intelectual, “estão tão mal escritas” que acabarão por ter consequências em outros serviços online, podendo ferir fatalmente a noção de internet livre e gratuita que hoje conhecemos.

Aqui podem ler mais sobre este protesto que representa, como alguns media já descreveram, uma primeira tentativa de luta organizada da jovem industria da Internet contra o poder estabelecido dos grandes grupos.

Numa nota pessoal posso afirmar que não sou adepto da pirataria. Nunca fui. Não concordo com a ideia de alguém usar, sem pagar, aquilo que é no fundo o resultado do esforço e trabalho de outros. Mas não consigo mais ouvir o discurso já estafado de alguns editores que continuam a achar que a pirataria é a causa única para a sua progressiva queda de vendas. É-o, de facto, e em parte significativa até. Têm parte da razão. Mas a pirataria não explica tudo.

E que tal se apontassem também a mira aos Governos da UE pelo facto de o IVA aplicado aos discos ser excessivo?

E que tal se lutassem também junto dos Governos por uma educação musical ao nível curricular que ajudasse a estabelecer mais cedo uma relação com a música que não lhe desse o ar de coisa descartável com a qual os mais novos hoje convivem dia a dia, juntando e apagando ficheiros áudio nos seus telemóveis e leitores mp3?

E que tal se tivessem uma política de preços mais justa que traduzisse o real valor de um CD?

E que tal se voltassem a ver a música como (também) uma arte que convém dignificar e não apenas um produto para vender até que a moda seguinte dite a tendência da estação seguinte?

E que tal se editassem melhores discos (e os promovessem de facto para eventualmente transformar em casos que chamam atenções) e não apenas assegurassem os lançamentos daqueles que sabem que garantidamente (ou quase garantidamente) fazem números?

Podíamos ficar aqui horas a fio a argumentar.

Que se legisle o direito à propriedade intelectual. Os criadores têm direito a ver o que é seu defendido. Mas que não se tome o braço quando se pede a mão, que pode bem ser o que estas propostas legislativas pedem.

Lana del Rey no SNL: a polémica...

2012-01-18T10:47:00.002Z

É a “polémica” do momento... Ou, pelo menos, há quem queira que o seja. Mas o certo é que a atuação recente no Saturday Night Live em nada ajudou os argumentos dos que defendem (como é o caso dos dois autores deste blogue) a carreira de Lana del Rey.

A atuação é, no mínimo, coisa constrangedora. A voz é insegura (ou estava naquele momento insegura e, claramente, nervosa). A pose é de alguma tensão... Foi azar? Ou a expressão de uma fragilidade performativa que, defendida em estúdio, ao vivo ainda não está capaz de enfrentar uma plateia (e esta era de milhões de espectadores)?...
Nem todos têm de ser artistas de palco. Os Beatles deixaram de o ser depois de 1966 conscientes de que o que procuravam em estúdio era impossível de recriar ao vivo (mas deram, naturalmente, conta do recado quando subiram ao telhado em 1969 num regresso a um rock’n’roll mais direto).
Não vamos comparar situações, é claro. Mas que Lana del Rey não parece ainda preparada para enfrentar os palcos é verdade. Não embarquemos contudo na ideia, que alguns agora querem clamar, de que a cantora é coisa fabricada e falsa. Onde é verdadeira a voz de um contratenor? É fruto de um esforço que contraria o timbre natural... Mas ninguém diz que o canto de Andreas Scholl é coisa falsa e fabricada... Claro que não.
Se Lana del Rey resolveu (ou aqueles com quem ela trabalha resolveram) encontrar nesta voz, nesta pose, nesta música, o caminho para a cantora, que o façam com cuidado e trabalho. Em estúdio a coisa trabalha-se com rede (e acrescente-se que todas as canções que já escutámos são magníficas). Mas enquanto a voz não adquire a segurança para se expor ao vivo, resguarde-se. Os Heaven 17 nunca deram concertos nos anos 80 e foram uma das mais interessantes bandas da pop electrónica de então. Seriam falsos e fabricados? Nah...

Só para baralhar ainda mais a coisa, esta é uma atuação em Novembro na TV alemã... E correu bem melhor. O nervosismo explica assim parte do desaire no SNL. Mas há fragilidades que exigem trabalho com um professor de canto. E tempo. Porque temos sempre tanta pressa em tudo?

Novas edições: Millagres, Glowing Mouth

2012-01-18T10:28:00.000Z

Millagres

“Glowing Mouth”

Memphis Industries

2 / 5

Olhando para as listas semanais de lançamentos de discos uma primeira conclusão é imediata: há edições a mais. E da bíblica (não por ser grande, mas antiga) tarefa de separar o trigo do joio, a quantidade de títulos inconsequentes que vão surgindo supera de longe os que valem a pena reter (ou por serem musicalmente estimulantes ou por encontrarem entusiasmo no mercado). À partida o álbum de estreia dos Millagres (sim, com dois “eles”) poderia parecer coisa a ficar de fora desta lista reduzida de discos que o filtro salva e, portanto, candidato a morar entre a dose mais vasta que o tempo diluirá rapidamente entre a multidão dos esquecidos. Mas o grupo de Brooklyn pode guardar-nos surpresas. Não que o seu álbum seja coisa que valha a pena escutar e registar entre as peças que fazem a história da música do nosso tempo. Basta correr entre o que sobre eles se tem escrito para desde logo reparar na quantidade de vezes que são referidos nomes como os Grizzly Bear e Coldplay, pontualmente surgindo ainda comparações com uns Elbow ou British Sea Power. Reparando com mais atenção, verificamos que raramente o que se escreve sobre o álbum de estreia dos Millagres pouco vai além da citação de referencias e comparações. E não é preciso escutar muitas vezes o disco para compreender porquê. De fio a pavio, o que escutamos em Glowing Mouth é uma sucessão de canções cuidadosamente construídas, gravadas e produzidas, talhadas à imagem de modelos, raramente revelando quem, afinal, são os Millagres. Não se trata exatamente de uma coleção de pastiches, mas de tão encostadas aos modelos, as canções acabam por não trazer nada de profundamente novo ou de, pelo menos, verdadeiramente estimulante, o que não é contudo sinónimo de má escrita ou desfocagem de ideias (de resto, o tema-título até é um momento bem agradável). O disco nasceu depois de uma pausa de convalescença do vocalista, as canções refletindo a busca de um olhar amadurecido sobre a vida e o mundo ao seu redor. Revela uma lógica de arrumação que, não exigindo grande esforço ao ouvinte, poderá agradar aos que não são clientes da música mais talhada ao gosto do momento. De resto, entre a familiaridade com os modelos a quem as canções piscam o olho e esta ideia de casa limpinha e arrumadinha, com ocasional hino pronto a servir, mora um sério candidato a correr mundo pelos palcos dos festivais, com fiéis adoradores de gosto alternativo ma non troppo a cantarolar as mais conhecidas. O disco, convenhamos, não é uma desgraça. Nada disso! É profissionalmente competente (nada preguiçoso, antes apenas pouco imaginativo). Revela um trabalho de composição e de produção que parece certo do caminho que quer tomar (e nada contra isso, que o gosto de cada um é livre de seguir onde entenda ir). Mas no fim o que fica da audição de Glowing Mouth é quase nada... Retomando a ideia do início, o álbum seria daqueles que seguiria direitinho para o montão dos candidatos a ser esquecido. Mas se alguns promotores de concertos reconhecerem aqui o potencial para o sucesso em palco festivaleiro, o milagre acontecerá e os Millagres acabarão a dar que falar.

Ginsberg, segundo Philip Glass

2012-01-18T10:26:00.000Z

Mês Philip Glass - 18

A ideia começou num encontro com Allen Ginsberg numa livraria em Nova Iorque. Glass desafiou-o para um trabalho comum e, com Wichita Vortex Sutra na mão, Ginsberg anuiu. O poema, que refletia sobre um certo clima anti-guerra que era partilhado por muitos na América de meados dos sessentas, ganhou assim nova vida numa leitura no Schubert Theatre, na Broadway. Em tempo de campanha para as presidenciais de 1988, Glass sentia que nenhum dos candidatos falava dos assuntos do mundo presente. Pelo que desafiou Ginsberg a alargar a ideia para um programa maior. Juntos encontraram uma série de visões sobre a América dos anos 50 a 80 através de poemas de Ginsberg (entre os quais um excerto do mítico Uivo) para os quais compôs música nova para um pequeno ensemble.

Hydrogen Jukebox surge assim como uma pequena ópera de câmara. Junta 15 canções, divididas entre seis vozes, às quais se junta a do próprio Allen Ginsberg, que toma o papel de narrador. A música, para teclados, instrumentos de sopro e percussão, traduz ecos de um tempo de abertura da música de Philip Glass a outros estímulos rítmicos e tímbricos (que a música para o filme Powaqqatsi aprofundaria). Philip Glass junta-se ao ensemble, tomando o piano. Os poemas de Ginsberg são arrumados em volta de seis figuras que representam arquétipos da sociedade norte-americana: uma empregada de mesa, uma mulher polícia, um homem de negócios, um padre, um mecânico e uma cheerleader.

Hydrogen Jukebox teve edição em disco pela Nonesuch em 1993, num lançamento em um único CD cujo booklet apresenta uma contextualização assinada pelo próprio Philip Glass e inclui os poemas de Ginsberg que servem de base ao trabalho. Mais recentemente Glass regressaria à poesia de Allen Ginsberg na sua Sinfonia nº 6 que toma como ponto de partida o poema Plutonian Ode.

Gustav Leonhardt (1928 - 2012)

2012-01-18T02:14:00.000Z

Cité de la Musique (Setembro 2008)

Foi um dos génios do cravo e do órgão, maestro e pedagogo, intérprete essencial de J. S. Bach: o holandês Gustav Leonhardt faleceu, em Amsterdão, no dia 16 de Janeiro — contava 83 anos.

As primeiras gravações de Bach por Leonhardt são do começo da década de 1950. Variações Goldberg e A Arte da Fuga ficaram como padrões de excelência: desde então, o seu rigor e austeridade definiram uma forma radical de interpretação. Tocou e gravou peças da Renascença, dos períodos barroco e clássico. Como professor na Academia de Música de Viena e, depois, no Conservatório de Amsterdão, deu aulas, entre muitos outros, a Ton Koopman, Martin Pearlman e Andreas Staier. Surgiu a interpretar a personagem de Bach no filme Crónica de Ana Magdalena Bach (1968), de Jean-Marie Straub e Danièle Huillet [video]. No princípio dos anos 70, iniciou com o maestro austríaco Nikolaus Harnoncourt o projecto de registo de todas as cantatas de Bach em instrumentos de época — as gravações estenderam-se até 1990. A sua derradeira performance pública ocorreu no dia 12 de Dezembro de 2011, no Théâtre des Bouffes du Nord, em Paris.

>>> Um fotograma do filme Crónica de Ana Magdalena Bach e, em baixo, um video do YouTube com os minutos iniciais.

>>> Obituário no jornal The Guardian.
>>> Biografias de Gustav Leonhardt nos sites Bach Cantatas e Gulbenkian/Música.

Muhammad Ali fotografado por Thomas Hoepker

2012-01-17T23:26:00.000Z

Nos 70 anos de Muhammad Ali (nasceu a 17 de Janeiro de 1942, em Louisville, Kentucky), a agência Magnum edita um livro, Champ, com fotos do lendário campeão de boxe, assinadas pelo alemão Thomas Hoepker. São memórias do período 1960/1970, desde a consagração nos Jogos Olímpicos de Roma, em 1960 (ainda com o nome de Cassius Clay), passando pela conquista do título mundial e, por fim, o regresso após alguns anos de afastamento dos ringues — espantosas imagens, sintomáticas do sentido de reportagem e da vocação icónica dos trabalhos da mais lendária agência do mundo da fotografia.

>>> Sobre Thomas Hoepker.

"Belle de Jour" pela Criterion

2012-01-17T22:32:00.002Z

Se há filme capaz de nos fazer ver que a noção de real envolve sempre um misto de nomenclatura e acaso, esse filme é Belle de Jour (1967), de Luis Buñuel — nunca como aí a gélida geometria de Catherine Deneuve se revelou na cumplicidade entre irrisão e sublime, transparência e assombramento. Pois bem, Belle de Jour está de volta com uma edição Blu-ray da Criterion Collection que se anuncia histórica. Eis alguns dados:

- nova transcrição digital, alta definição

- video com diálogo entre Susie Bright (escritora e activista de temas da política e da sexualidade) e Linda Williams (professora de cinema da Universidade de Berkeley, autora de Porn Studies)

- nova entrevista com o argumentista Jean-Claude Carrière

- livro com um ensaio de Melissa Anderson e uma entrevista, de 1970, com Buñuel

Este video integra a promoção do filme no site da Criterion.

"O Artista", o simulacro e a cinefilia

2012-01-17T20:26:00.000Z

Não terá sido preciso possuir dons de adivinhação para compreender que, desde a sua descoberta no Festival de Cannes de 2011, O Artista [estreia portuguesa: 2 Fevereiro] surgia como um daqueles filmes capaz de suscitar algumas clivagens muito nítidas e também muito interessantes (excluindo, claro, a tradicional proliferação de insultos que se adivinha em alguns "debates" na Net). Harvey Weinstein percebeu isso muito bem, adquirindo de imediato o filme de Michael Hazanavicius, para o ir consagrando através de um look muito bem trabalhado pelo marketing da Weinstein Company.

Assim, para alguns, a história da vedeta do cinema mudo e da sua dificuldade de adaptação ao sonoro, emerge como uma homenagem a uma certa ideia mítica de pureza; para outros, entre os quais me incluo, estamos antes perante um desenvolvimento sintomático de toda uma prática generalizada do simulacro ou, para usarmos um termo relançado pela dinâmica da Net, do fake.

A continuada ascensão do filme — com prémios vários, incluindo o Globo de Ouro para melhor filme (comédia/musical) — possui um valor inevitavelmente revelador e, de alguma maneira, incontornável: O Artista condensa toda uma noção da memória cinematográfica em que as convulsões da história se redimem sempre no brilho mais ou menos sedutor do kitsch.
Nesta perspectiva, estamos perante um sintoma da decomposição, porventura irreversível, da noção clássica de cinefilia: a herança das narrativas deu lugar ao jogo superficial das citações. É uma estética do simulacro que está a nascer.

>>> Site oficial de O Artista.

Luís Lopes: jazz luso-alemão

2012-01-17T15:45:00.000Z

Luís Lopes (guitarra eléctrica) reaparece na companhia de Robert Landfermann (contrabaixo) e Christian Lillinger (bateria). Que é como quem diz: numa aliança Portugal/Alemanha, devidamente celebrada pelo título Lisbon Berlin Trio. Com chancela da Clean Feed, este é mais um exemplo de uma trajectória que integra uma memória, difusa mas visceral, de sonoridades rock, conjugada com um gosto experimental que caminha, pacientemente, para estruturas de insólita sedução — uma expressão modelar de uma pesquisa de contínua inquietude. Faixa emblemática: She Is, deambulação quase romântica. Quase.

O trabalho (segundo os dois ursos)

2012-01-17T11:44:00.001Z

Eles são Joe Godard (dos Hot Chip) e Ralf Rundell. Juntos apresentam-se como The 2 Bears e prometem um álbum para edição, via DFA Records, agendada para dia 30 deste mês. Aqui fica um aperitivo, ao som de Work. A realização é de Zaiba Jabbar.

Novas edições: Lanterns on the Lake, Gracious Tide, Take Me Home

2012-01-17T11:37:00.003Z

Lanterns On The Lake

"Gracious Tide, Take Me Home"

Bella Union

3 / 5

Os caminhos da folk de berço britânico talham meandros entre os tempos e de vez em quando revelam focos que chamam atenções. É o que parece estar a acontecer pelos lados de Newcastle-upon-tyne (cidade lá para o nordeste inglês, perto da Escócia) com um sexteto que se apresenta como Lanterns on The Lake que, depois de alguns EPs editados desde 2008 e de terem andado pela estrada com o bretão Yann Tiersen, se estrearam em álbum em 2011. Com lançamento em Setembro do ano passado (ainda vamos a tempo), Gracious Tide, Take Me Home é um discreto e cativante cartão de visita. As canções sugerem o bucolismo de quem conhece as paisagens onde impera o verde e o betão não mora nas vizinhanças. Guitarras (sob ecos menos densos da memória de uns Mazzy Star e outros heróis indie da electricidade tranquila e gourmet) cruzam-se com a presença de um piano, um violino, um glockepnspiel, discretas electrónicas. As vozes, apesar do protagonismo maior de Hazel Wilde, contam ainda com a participação (contrastada) de Adam Sykes... E em conjunto, e por onze temas, Gracious Tide, Take Me Home, convida-nos a entrar num mundo feito de pequenos (e acessíveis) encantos que se revela em canções atravessadas por um marcante sentido de melancolia e nostalgia. Diz quem conhece Newcastle que ali os ecos da memória de outros dias fazem parte das formas e ruas que são a cidade do presente. Há por ali toda uma herança de bardos e poetas, de paisagens pintadas e histórias contadas, que de certa forma podem morar, tal como o farão as naturais fontes de inspiração da banda e as paisagens locais (o título do disco sugere os movimentos das marés), na alma que gera estas canções. Apesar da filiação em genéticas da folk, a música dos Lanterns on the Lake não procura uma simples revisitação de modelos e formas. Antes, e tal como o fizeram uns This Mortal Coil nos oitentas ou Belle and Sebastian nos noventas, ensaia expressões contemporâneas que, mesmo carregando todas as marcas de um passado, revelam acima de tudo uma vivência do presente. De resto, o fulgor de pontuais tempestades que brotam aqui e ali (como escutamos, por exemplo, em Tricks) devem mais a uma relação dos tempos de hoje com uns Sigur Rós que a uma vontade de revisitar os velhos heróis da folk britânica.

Os melhores filmes de 2011

2012-01-17T11:32:00.002Z

Lançámos há uma semana o desafio aos leitores do Sound + Vison, pedindo que votassem nos melhores filmes do ano. As votações nãom deixam dúvidas, com A Árvore da Vida de Terrence Malick e Sangue do Meu Sangue, de João Canijo, a destacar-se claramente na votação, abrindo inclusivamente um largo fosso face à votação nos segundos classificados. Aqui ficam as listas finais da votação.

INTERNACIONAL:
1º – A Árvore da Vida – 90 votos
2º – O Cisne Negro – 21
3º – Super 8 - 18
4º - Melancolia - 16
5º - Drive – 14
6º - Um Método Perigoso – 8
7º - O Tio Bonomee que se Recordava das Suas Vidas Anetriores – 7
8º - Essential Killing e A Melhor Despedida de Solteira - 6

Com 5 votos: As Quatro Voltas, Filme Socialismo, Inquietos, Mel, O Discurso do Rei, Submarino, Uma Separação
Com 4 votos: A Pele Onde Eu Vivo, Crazy Horse, Habemus Papam, Indomável, O Deus da Carnificina,
Com 3 votos: A Autobiografia de Nicolae Ceausescu, Hereafter, Nos Idos de Março,
Com 2 votos: A Conspiradora, As Aventuras de Tintin – O Segredo do Licorne, A Toupeira, Carlos, Isto Não é Um Filme, O Miúdo da Bicicleta, Pina, Planeta dos Macacos – A Origem,
Com 1 voto: A Dívida, Amores Imaginários, A Nossa Vida, As Serviçais, O Atalho, Rubber – Pneu, Sem Destino,
Sem votos ficaram os filmes Aurora, Contágio, Copacabana, Despojos de Inverno, Hadewijch, Histórias de Shangai, O Código Base, Potiche, Uivo, Um Dia, Vénus Negra.

Outra escolha: 14 votos
Não vi nenhum destes filmes: 3

NACIONAL:
1º - Sangue do Meu Sangue - 73
2º - Efeitos Secundários – 30
3º - É na Terra não é na Lua – 11
4º - O Estranho Caso de Angélica - 7
5º - 48 – 6
6º - Alvorada Vermelha – 5
7º - Cisne - 4

Com 2 votos: A Cidade dos Mortos, Quinze Pontos na Alma, O Barão,
Com 1 voto: A Espada e a Rosa, Águas Mil, América, A Morte de Carlos Gardel, E o Tempo Passa, Com Que Voz, Complexo Universo Paralelo, Quem Vai à Guerra, Viagem a Portugal
Sem votos ficaram os filmes: Durante o Fim, Palácios de Pena, O Inferno, O Meu Raúl, Trabalho de Actriz Trabalho de Actor, Voodoo

Não vi nenhum destes filmes: 35
Outra escolha – 4

N.G.: Não há dúvidas. A Árvore da Vida é o filme que mais votos soma (nas duas listas). Foi o grande filme de 2011, é um grande filme do nosso tempo e será recordado um dia como um marco deste tempo... Apesar de ter vencido a Palma de Ouro em Cannes, não deixa contudo de ser estranha a sua ausência nas premiações mais mediatizadas. Zero nomeações nos Globos de Ouro... E vamos ver se nos Oscares soma mais que categorias técnicas como Montagem e Direção de Fotografia. Além de ser o Melhor Filme do Ano e Terrence Malick o mais justo ganhador de um qualquer prémio para Melhor Realizador, o filme justificaria por tudo um prémio de interpretação para Jessica Chastain, mas enfim... Verão mais que os êxitozinhos de multiplex os senhores jornalistas que escrevem sobre cinema em Hollywood (que decidem os Globos de Ouro) e os demais profissionais da indústria local (que votam nos Oscares)?... Adiante...
Sangue do Meu Sangue é também claro (e justo) vencedor na tabela local. Curioso é ver ainda os filmes de Gonçalo Tocha e da dupla João Pedro Rodrigues/João Rui Guerra da Mata – respetivamente É na Terra não é na Lua e Alvorada Vermelha) – que só tiveram ainda passagem em festivais, a chamar considerável atenção. Preocupante é, depois, a votação em massa (18% dos votos) na opção “não vi nenhum destes filmes” quando se fala do cinema português...

J.L.: É um facto: entre os espectadores de cinema português, há um lote significativo (mais de um terço nesta votação) que não vê... filmes portugueses. A avaliação do problema (porque de um problema se trata, ao mesmo tempo comercial e cultural) está viciada pelos mais agressivos maniqueísmos, conforme o gosto de quem os manipula: os filmes são "maus", os espectadores são "estúpidos", etc., etc., etc... Talvez valha a pena relembrar o mais evidente. A saber: há mais de três décadas que o audiovisual português deixou triunfar um modelo asfixiante — a telenovela — e só por insuperável inocência ou incorrigível cinismo se pensará que tal dominação (estética e financeira) é indiferente para a simples existência do cinema português. Há muitos anos também, muito para além (ou aquém) do melhor ou do pior que os cineastas vão fazendo, faltam decisões políticas — e de política cultural — que apostem em superar este estado de coisas. That is the question.

Para evocar a guerra civil americana

2012-01-17T11:26:00.000Z

Mês Philip Glass - 17

Era na origem um projeto de dimensão algo megalómana. Com o título completo The Civil Wars: A Tree Is Best Measured When It Is Dow, a ideia de partida sonhava com uma ópera de larga escala com encenação assinada por Robert Wilson e que envolveria o trabalho de vários compositores, entre os quais David Byrne, Gavin Bryars e Philip Glass. O projeto previa a estreia individual de cinco partes, a reunir depois numa apresentação comum que aconteceria ao longo de um dia, em tempo de assinalar as olimpíadas de 1984. As partes separadas tiveram de facto, estreia individual, mas a visão conjunta nunca se materializou. E hoje, a quase 30 anos de distância, da memória de Civil Wars pouco mais há senão um disco com os Knee Plays criados por David Byrne para a Minneapolis Section e a chamada Rome Session, de Philip Glass.

A Rome Section de Philip Glass é uma pequena ópera. E acabou por ter vida independente. A música reflete claramente um maior domínio da escrita para orquestra e vozes (reflexo dos bons resultados alcançados com as óperas-retrato) e a composição antecipa um modelo de trabalho que mais tarde seria aplicado em La Belle et La Bête e que parte de uma vontade do compositor em seguir (tal e qual quando se compõe para cinema) o curso e o ritmo de uma narrativa que não é definida por si. Com base na guerra civil americana (o tema central a toda a ópera), a Rome Section de Glass junta a figuras como as de Abraham Lincoln e a sua mulher as do italiano Garibaldi (que também no século XIX lutou pela unidade no seu país) e de personagens da mitologia grega.

Civil Wars: Rome Section teve gravação em disco em 1999 pela American Composers Orchestra, dirigida por Dennis Russel Davies. Entre as vozes do elenco que encontramos no disco (lançado pela Nonesuch) conta-se a de Laurie Anderson (figura cuja obra musical tem em Glass uma das referencias e que com ele colaborou também em Songs From Liquid Days).

West Side Story: 3 vezes 3

2012-01-17T11:22:00.001Z

Ao longo desta semana, e aproveitando a edição em Blu Ray de West Side Story, evocamos memórias desse clássico maior do cinema musical norte-americano. Hoje recordamos capas de discos que, gravação após gravação, têm perpetuado e reinventado a música de Leonard Bernstein e as letras de Stephen Sondheim. As três primeiras capas recordam (a primeira) a gravação do elenco da produção original na Broadway em 1957 e (segunda e terceira) o registo da banda sonora original do filme de 1961.

Este segundo lote recorda algumas investidas do mundo do jazz pela música que Bernstein criou para a peça e filme. Recorde-se que não só há uma pulsão jazzística na medula de muita desta música, como a presença de ritmos latino-americanos em vários instantes é igualmente cara a algum jazz. Num dos discos note-se a ideia de abordagem, via bossa nova, aos temas de Bernstein.

A fechar três abordagens, com orquestra, à música de Leonard Bernstein, em alguns casos com o próprio maestro a dirigir as operações. Por todas as capas nota-se a presença quer da arquitectura urbana que o filme representa (e que assinala o cenário urbano, em bairro popular, da narrativa) e da própria cidade de Nova Iorque.

Ricky Gervais ???

2012-01-17T00:36:00.000Z

Kurtz: I expected someone like you. What did you expect? Are you an assassin?

Willard: I'm a soldier.

Kurtz: You're neither. You're an errand boy, sent by grocery clerks, to collect a bill.

(in Apocalypse Now, 1979)

Insólito efeito mediático: nos mais diversos meios de comunicação (p.ex.: revista People), a performance de Ricky Gervais como apresentador da 69ª edição dos Globos de Ouro foi tida como uma "cedência", incapaz de repetir as "insolências" do ano passado. Dito de outro modo: para muito boa gente, Gervais deveria ter insultado mais os seus semelhantes, em especial os que estavam na sala...

Há qualquer coisa de pueril em tudo isto, qualquer coisa que ignora (ou finge ignorar) que o regresso do apresentador inglês decorreu, acima de tudo, da tentativa de garantir boas audiências televisivas, ancoradas na expectativa de repetição do "escândalo" do ano passado.

Qual escândalo? Eis o que importa perguntar. De facto, vivemos sob o jugo de um imaginário jornalístico (?) que só sabe valorizar as "agitações" e "polémicas" de todos os géneros. Veja-se no futebol: qualquer treinador que, com ou sem razão, ataque os "árbitros" tem garantidos vários dias de manchetes. Depois, passa-se à frente... Em boa verdade, Gervais não foi "melhor" nem "pior" que o ano passado. Limitou-se a cumprir uma tarefa profissional de repetição, desta vez com a limitação inevitável de já não poder gerar um genuíno efeito de surpresa.

Logo na introdução, Gervais definiu assim a cerimónia: "Os Globos de Ouro estão para os Oscars como Kim Kardashian está para Kate Middleton, apenas fazem mais barulho, são mais rascas e compram-se com mais facilidade." Para os vigilantes dos maus costumes, não bastou — tivesse ele cuspido em alguém ou alguma coisa e seria consagrado como um enfant terrible do espectáculo.
Tristes dias. E Gervais não tem culpa.

Globos de Ouro: ... e o depois

2012-01-16T21:07:00.000Z

Ironia bizarra: Madonna ganha o Globo de ouro pela canção Masterpiece [som em baixo], do seu filme W.E., e já se sabe que, de acordo com os regulamentos da Academia de Hollywood, não vai estar sequer nas nomeações para os Oscars (devido ao facto de não ser a primeira, mas a segunda, faixa sonora que se ouve no genérico final).

Se cedêssemos ao conceito mais determinista de destino, diríamos que se repete a maldição de Hollywood: afinal de contas, no ano em que ganhou o seu primeiro Globo, como melhor actriz de musical ou comédia (Evita, 1996), Madonna também não foi nomeada para os Oscars...
Mas a questão é outra: em boa verdade, os Globos não são a antecipação dos Oscars, mas sim um palco específico que, para além da sua importância relativa, ainda consegue marcar pontos no imaginário do cinema contemporâneo.

Daí o destaque para dois momentos emblemáticos: primeiro, a homenagem a Morgan Freeeman, com o prémio Cecil B. de Mille, mostrando que o cinema precisa de revisitar sempre as suas memórias; depois, a distinção de melhor filme estrangeiro para Uma Separação, do iraniano Asghar Farahdi (que recebeu o prémio das mãos de... Madonna) — há gestos que são imediatamente políticos, sobretudo quando escapam à banalidade corrente da pequena política. Não por acaso, Farahdi deixou uma menção simples e comovida ao seu povo.

Globos de Ouro: o antes...

2012-01-16T15:25:00.000Z

Os Globos de Ouro tornaram-se incontornáveis na dinâmica global de Hollywood — este texto foi publicado no Diário de Notícias (15 Janeiro), antes da respectiva cerimónia, com o título 'Muitos prémios e pouca cinefilia'.

Tempos houve em que os prémios do cinema americano eram, no essencial, os Oscars: as estatuetas douradas resumiam a celebração da indústria cinematográfica pelos seus próprios profissionais (cerca de 6 mil membros da Academia de Hollywood) e tudo o resto, incluindo as distinções das associações de críticos, surgia como complemento curioso, mas devidamente encaixado no seu nicho profissional.

Tal deixou de acontecer quando a percepção mediática dos prémios passou a ser dominada pela visão do cinema como uma colecção de gente mais ou menos fútil, atravessando passadeiras vermelhas e disputando prémios atrás de prémios. Nesta conjuntura, a Associação de Imprensa Estrangeira de Hollywood (na prática, 88 jornalistas) conseguiu um protagonismo que se traduz na afirmação falaciosa segundo a qual os Globos “antecipam” os Oscars... Como o ano passado, por exemplo, em que nem sequer houve coincidências nas categorias principais: A Rede Social e Os Miúdos Estão Bem receberam os Globos de melhores filmes (drama e comédia, respectivamente), enquanto O Discurso do Rei foi distinguido com o Oscar.

Claro que a comunidade de Hollywood encara os Globos com disponibilidade e simpatia. Porque não? O que importa questionar é a redução dos espaços clássicos da cinefilia. As especificidades dos filmes deixaram de ser pertinentes, enaltecendo-se antes a “justiça” dos resultados, como no futebol. Em última análise, tenta-se atrair um público dominado pelos sistemas de consagração das televisões, confundindo a linguagem dos filmes com a exaltação de um glamour desligado de qualquer conceito de espectáculo. Há, por certo, magníficos filmes nomeados, mas a ideia de cinema que subjaz a tudo isto é cada vez mais débil.

Contos da floresta

2012-01-16T11:23:00.001Z

Foi uma das confirmações de 2011. E enquanto não revela novidades, do seu álbum de estreia chega-nos um novo teledisco. De Austra ficamos hoje com Spellwork, num teledisco realizado por Yelena Yemchuk.

Globos de Ouro sem grandes surpresas

2012-01-16T08:54:00.002Z

Sem surpresas de maior, a noite da 69ª cerimónia de entrega dos Globos de Ouro foi coisa meio monótona, apenas com pontuais fugas ao aparato minimal repetitivo da coisa numa ou outra (das muito poucas) intervenções de Ricky Gervais ou das palavras que Madonna (que venceu Melhor Canção, com Masterpiece, do filme WE) lançou antes de apresentar o Melhor Filme em Língua Estrangeira. O realizador iraniano, autor de Uma Separação, fez depois a declaração "política" da noite ao apresentar o seu povo como gente pacífica. O Artista, do francês Michel Hazanavicius somou três vitórias - Melhor Filme - Comédia ou Musical, Melhor Ator - Comédia ou Musical e Melhor Banda Sonora - e sagrou-se o vencedor. Com dois prémios ficou Os Descendentes, de Alexander Payne. Martin Scorsese ganhou o Globo para Melhor Realizador, pelo trabalho em Hugo. Steven Spielberg conquistou o prémio de Melhor Filme de Animação com As Aventuras de Tintin - O Segredo do Licorne. Nas categorias de televisão a premiação foi pulverizada e Homeland (com dois Globos) acabou por ser a produção que mais se destacou. Aqui fica a lista dos vencedores:

Melhor Realizador – Martin Scorsese, em ‘Hugo’
Melhor Filme – Drama – ‘Os Descendentes’
Melhor Atriz – Drama – Meryl Streep em ‘The Iron Lady’
Melhor Ator - Drama - George Clooney em 'Os Descendentes'
Melhor Filme – Comédia ou Musical – ‘O Artista’
Melhor Atriz num filme de comédia ou musical - Michelle Williams em 'A Minha Semana com Marilyn'
Melhor Ator num filme de Comédia ou Musical - Jean Dujardin, em 'The Artist'
Melhor Atriz secundária - Octavia Spencer em 'As Serviçais'
Melhor Ator Secundário - Christopher Plummer, em 'Assim é o Amor'.
Melhor Argumento - Woody Allen, em 'Meia Noite em Paris'
Melhor Canção Original - Madonna, com 'Masterpiece', de 'WE'
Melhor Banda Sonora Original - 'The Artist'
Melhor Filme de Animação – ‘As Aventuras de Tintin – O Segredo de Licorne’, de Steven Spielberg
Melhor Filme em Língua Estrangeira – ‘Uma Separação’, de Asghar Faradhi (Irão)

Melhor Série de TV - Drama 'Homeland'
Melhor Ator numa série de TV - Drama - Kelsey Grammer, em 'Boss'
Melhor Atriz numa série de TV – Drama – Claire Danes, em ‘Homeland’
Melhor Série de TV . Comédia ou Musical - 'Modern Family'
Melhor Atriz numa série de TV: comédia ou musical - Laura Dern, em 'Enlightned'
Melhor Ator numa série de TV - Comédia ou musical - Matt LeBlanc, em 'Episodes'
Melhor Minissérie ou filme feito para a TV - 'Downtown Abbey'
Melhor Atriz numa minissérie ou filme feito para a TV- Kate Winslet em 'Mildred Pierce'
Melhor Ator numa minissérie ou filme feito para a TV - Idris Elba, em 'Luther'
Melhor Atriz secundária numa minissérie ou filme feito para a TV - Jessica Lange, em 'American Horror Story' Melhor Ator secundário numa minissérie ou filme feito para a TV - Peter Dinklage, em 'Game of Thrones'

Nos 50 anos de 'West Side Story'

2012-01-16T08:43:00.000Z

Mais que apenas um feito maior da história do cinema musical norte-americano, West Side Story é um marco cultural do século XX, espelho não apenas das artes que convoca (o cinema, a dança, a música) mas também do espaço social que retrata (a multiculturalidade e a xenofobia na América dos cinquentas). Uma edição especial que assinala o 50º aniversário do filme acaba de sair em formato Blu Ray.

A ideia era a de repensar a medula clássica do Romeu e Julieta de Shakespeare em novo contexto. E sob sugestão de Leonard Bernstein, apontou-se o repensar da trama à Nova Iorque daquele tempo, transformando o jogo de ódios entre as duas famílias de que Shakespeare deu conta num choque entre populações, de um lado os americanos caucasianos de herança europeia, por outro os chegados mais recentemente de Porto Rico, cada um dos grupo representado pelo seu gangue, a luta pelo território – um quase nada pelo qual dão quase tudo – parecendo dar sentido a um quotidiano onde pouco mais parece acontecer. É claro que não falta o Romeu nem a Julieta. Ele é Tony, americano desendente de polacos e trabalha num pequeno bar. Ela é Maria, porto-riquenha, irmã do líder dos Sharks (o respetivo gangue). Olham-se num baile. E, contra tudo e contra todos, não pensam mais senão um no outro. Não falta o tempero de tragédia e, conhecendo Romeu e Julieta, basta adaptar a ideia ao novo tempo e lugar...

Estreado em palco, na Broadway em 1957, West Side Story revelava desde logo uma vibração muito peculiar não apenas dadas as características de uma história que parecia, de facto, falar aquele tempo e aquela gente, mas também pela música de Bernstein, que juntava à tradição do musical (e a toda uma formação clássica) o fulgor do jazz e dos ritmos latino-americanos. Com letras de Stephen Sondheim, canções como Maria, Tonight, Somewhere ou America começavam a trilhar o caminho que delas fez verdadeiros standards, ao mesmo tempo que as danças sinfónicas davam primeiros passos numa vida que delas faz ainda hoje presença regular em programas de concertos de várias orquestras e maestros. A adaptação ao cinema contou uma vez mais com o trabalho exigente do coreógrafo Jerome Robbins, que inclusivamente co-assinou a realização com Robert Wise. Além da música e das impressionantes sequências de dança, o filme reflete ainda um cuidado ao nível da direção de fotografia, os jogos intensos de cores sublinhando os contrastes entre os grupos e lugares, criando uma ideia de encanto característica do palco sem todavia abafar nunca as marcas sociológicas do mundo real que definiam o conflito que serve de base à narrativa. O filme deixou um legado marcante. A visão aérea de Nova Iorque na sequência de abertura fez escola. Muitas das canções conheceram depois novas versões e novas vidas. E alguns gestos, nomes e frases ganharam expressão em outros, e bem diferentes, acontecimentos mais recentes no cinema, na ficção televisiva, na música.

A nova edição em Blu Ray revela uma magnífica transcrição digital que em tudo faz reviver o brilho da cor que caracteriza as imagens. E junta uma pequena multidão de conteúdos adicionais, entre os quais dois documentários – A Place For Us – West Side Story’s Legacy e West Side Story Memories – que permitem o reencontro com vários elementos do elenco e equipa técnica não apenas do filme como da própria produção original de 1957 na Broadway. A música e as danças estão em evidência nos extras com, inclusivamente, um comentário de Stephen Sondheim.

As imagens (e o fotógrafo)

2012-01-16T08:08:00.000Z

Após Einstein on the Beach o trabalho para o palco ganhou um espaço de protagonismo maior na obra de Philip Glass. O seu esforço não se limitou contudo ao terreno da ópera e The Photographer é um claro exemplo de um momento de exploração das potencialidades da sua música não apenas ao serviço da dança mas também de um suporte de imagens (neste caso fotografias projetadas num ecrã).

Na base da ideia estão não apenas as imagens mas também a história de vida de Eadweard Muybridge, um dos pioneiros da fotografia, celebrizado pelos seus estudos sobre o movimento. A música procura um encontro entre a escrita que Glass vinha a desenvolver com o ensemble e a presença de uma orquestra, num dos atos surgindo a figura de um violinista como solista frente aos restantes músicos. Além de duas peças de duração maior, The Photographer apresenta também uma canção. Trata-se de A Gentleman’s Honour, com letra de David Byrne (com quem Glass voltaria a trabalhar pouco depois em Songs From Liquid Days, disco que de certa forma surge como descendência direta desta experiência).

Gravado e editado em 1983, The Photographer ainda hoje não existe no mercado senão neste registo original (embora as correntes edições em CD mostrem uma capa diferente). A canção A Gentleman’s Honour teve edição a 45 rotações como lado B do single Facades, em 1983.

Para ouvir: The Rapture, segundo os Cut Copy

2012-01-16T07:13:00.000Z

Os Cut Copy remisturaram Sail Away, um dos temas centrais do alinhamento do álbum que os The Rapture lançaram em 2011. Esta remistura integra um EP que é hoje editado e que à remistura dos Cut Copy lança outras, do mesmo tema, com assinatura Aeroplane e Cosmic Kids.

Podem ouvir aqui esta remistura.

"The Hour": a televisão no seu espelho

2012-01-15T18:30:00.001Z

A série britânica The Hour pode ser um bom pretexto para reflectirmos sobre a visão interior da televisão, das televisões — este texto foi publicado no Diário de Notícias (13 Janeiro), com o título 'Televisão sobre televisão'.

1. Está por fazer um estudo do absurdo televisivo. É o que se manifesta, por exemplo, quando nos intervalos de programas que as televisões gostam de classificar como “populares” proliferam anúncios a produtos de luxo. Se o seu valor não está ao alcance dos elementos da audiência, quem está a enganar quem?

2. Como toda a gente sabe, uma das razões que explica a proliferação de debates em televisão (muito ou pouco interessantes, não é isso que está em causa) é o seu custo reduzido face a programas de mais complexa produção ou maior fôlego espectacular. Consequência prática: os padrões sociais de discussão e análise são quase todos de natureza televisiva.

3. Socialmente, sempre circulou um agressivo subtexto contra o trabalho crítico sobre televisão. Um dos seus enunciados mais insistentes envolve uma pouco hábil chantagem moral: os críticos, supostamente viciados em formas mais ou menos esotéricas de narrativa, limitar-se-iam a denegrir a dimensão “popular” do próprio fenómeno televisivo. Vale a pena lembrar que, ciclicamente, algumas das visões mais subtis e também mais desencantadas da televisão têm vindo da área... televisiva. Um excelente exemplo, actualmente disponível no canal Fox Life, poderá ser a série The Hour (BBC), com Ben Wishaw, Dominic West e Romola Garai. Centrando-se no lançamento de um novo programa informativo, pela BBC (!), em 1956, em plena crise do Canal de Suez, The Hour expõe com admirável nitidez três pontos de vista que subscrevo com muito gosto: primeiro, que o sistema informativo de televisão decorre de formas específicas de encenação e teatralidade; segundo, que a relação desse sistema com a actualidade é determinada por valores ideológicos mais ou menos precisos; enfim, que há um star system dos modos de informar que nunca é estranho aos efeitos que se desencadeiam no espectador. Bem longe das reportagens autocomplacentes sobre os “famosos” da televisão, The Hour consegue fazer-nos ver (e acreditar) que essa mesma televisão não é feita por agentes intocáveis da “verdade”, mas sim por pessoas, tão banais ou geniais como quaisquer outras.

Beethoven vezes dois

2012-01-15T11:57:00.002Z

Dois olhares sobre a obra orquestral de Beethoven. Um deles em gravações bem recentes pela Gewandhausorchester, dirigida por Riccardo Chailly, o outro juntando uma série de gravações de Karajan com a Berliner Philharmokiner.

Se é da mudança que vive a evolução a verdade é que nem tudo o que foi tem de deixar de o ser. Por outras palavras, há tradições que resistem ao tempo. E a relação da Gewandhausorchester de Leipzig com a música de Beethoven (1770-1827) é história inseparável a caminho dos 200 anos de vida. Foi em 1825 que ali foi apresentado, pela primeira vez, um ciclo integral das nove sinfonias do compositor. Beethoven trabalhava então em alguns dos seus últimos quartetos de cordas e projetava a ideia de uma décima sinfonia quando o ciclo ganhou forma. Foi Johann Philipp Christian quem dirigiu essa primeira integral, criando uma tradição que os maestros que lhe sucederam no posto mantiveram (há mesmo uma incontornável “nona” anual pela orquestra), entre eles nomes como os de Felix Mendelssohn (dois ciclos completos, um em 1839, outro em 1841), Wilhelm Furtwangler, Bruno Walter, Kurt Masur e, agora, Riccardo Chally.

E é assim que chegamos à mais recente edição de uma integral em disco das sinfonias de Beethoven . Pela Decca Classics a Gewandhausorchester e Chailly regista um trabalho que começou por passar pelos palcos, teve este registo em disco (no formato de caixa de 5 CD) em finais de 2011 e este ano vai brevemente conhecer novos lançamentos em cinco títulos separados. Sem procurar necessariamente uma interpretação “de época” (Gardiner e Harnoncourt registaram ciclos de referência nesse departamento nos anos 90), o maestro italiano encara todavia a obra de Beethoven segundo uma abordagem que o aproxima mais das intenções originais do compositor que de uma certa solenidade grave que o tempo foi imprimindo a algumas outras interpretações. É até por isso mesmo curioso o facto de, em simultâneo com esta edição, chegar ao mercado um outro ciclo integral dedicado a Beethoven, assinado por Herbert von Karajan.

Se da relação da música de Beethoven com a Gewanhausorchester podemos falar de uma sólida tradição, da que Karajan desenvolveu com o compositor não podemos dizer menos. Por quatro vezes gravou uma integral das suas sinfonias, três delas com a Berliner Philharmoniker (de 1961 a 62, entre 1975 e 77 e, mais tarde, de 1982 a 85). O primeiro dos ciclos foi lançado em 1963, o lançamento encarando-o mesmo como a primeira integral sinfónica de Beethoven editada em disco dessa forma e representou um êxito de vendas assinalável. Não datam desse tempo as gravações das nove sinfonias que esta outra caixa reúne, na verdade recolhendo antes as gravações dos anos 80, às quais junta outras obras que Karajan gravou para a Deutsche Grammophon, incluindo as aberturas sinfónicas (sete delas escutamo-las também nas mais recentes gravações de Chailly), os cinco concertos para piano, o concerto para violino e a Missa Solene). Estas outras obras juntam ao maestro e orquestra a presença de nomes como os de Anne Sophie Mutter, Yo Yo Ma, Agnes Baltsa ou José Van Dam. A luminosidade e pulsão rítmica das abordagens de Chailly conhece aqui contraste no fulgor que Karajan arranca à muito característica sonoridade da orquestra berlinense.

Prémios (é mais logo à noite!)

2012-01-15T11:53:00.004Z

Não têm faltado premiações no mundo do cinema nas últimas semanas, com o filme mudo francês The Artist a começar a perfilar-se como eventual favorito a ser potencial ganhador de Oscares... Se bem que não seja condição nem necessária nem suficiente, a premiação que resultar dos Globos de Ouro não deixa contudo de ser indicador a ter em conta. A cerimónia decorre mais logo. The Artist apresenta-se com seis nomeações, As Serviçais e os Descendentes com cinco cada... Mais logo transformaremos estes favoritismos em prémios de facto... De A Árvore da Vida nem cheiro... Enfim... Quantas vezes são premiados os filmes que a história depois recorda?...

Podem ver aqui a lista completa de nomeações.

Philip Glass a 45 rotações

2012-01-15T11:50:00.002Z

Mês Philip Glass - 15

Com obra essencialmente gravada em formato de álbum (até finais dos oitentas em LP, desde meados dessa mesma década em CD, mais recentemente também em formato digital), Philip Glass soma contudo alguns singles Na sua discografias. Na suma maioria foram lançamentos apenas com missão promocional. Mas todos eles são hoje peças disputadas entre colecionadores. Aqui ficam três exemplos de singles de Philip Glass, todos eles relacionados com álbuns lançados pela CBS Records nos anos 80. O primeiro é Facades, temas do álbum Glassworks (o single reproduz inclusivamente o grafismo da capa do álbum), que apresentava A Gentleman’s Honour (do álbum The Photographer) no lado B. O single foi lançado em 1983. O segundo, junta Lightning e Freezing, temas do álbum Songs From Liquid Days, de 1986, num doze polegadas sem capa ilustrada, apenas com saqueta de cartão, destinado a fins promocionais. O terceiro é um sete polegadas que troca a posição relativa destes mesmos dois temas, partilhando a capa o protagonismo entre Philip Glass e Linda Rondstat. Estes dois últimos singles foram ambos lançados em 1986.

Histórias com telediscos

2012-01-15T11:45:00.000Z

Retomo hoje uma rubrica regular no blogue O Sétimo Continente dedicada a telediscos. Para ler, aos fins de semana. Hoje evoco O Superman, com as imagens que acompanharam esse histórico single que Laurie Anderson editou em 1981. A fazer o par com este teledisco, o Flávio Gonçalves escreve no mesmo post sobre o mais recente I Feel Better, dos Hot Chip.

Podem ver o teledisco aqui.

Um segundo episódio

2012-01-15T11:43:00.002Z

Discografia Brian Eno - 62
'Panic of Looking' (EP), 2011

O mais recente título da discografia de Brian Eno é uma sequela imediata de Drums Between The Bells. Trata-se de um EP que nasce ainda da parceria com Rick Holland e que uma vez mais segue as mesmas linhas do álbum lançado este ano, usando a voz num registo falado.

Para recordar António Cunha

2012-01-15T11:31:00.000Z

Estávamos em inícios dos anos 90. Ainda o mercado discográfico português era dominado pelas grandes editoras quando, em Coimbra, um homem com uma visão apostou na criação de um espaço para a emergente música de dança que começava a cativar não apenas público mas também a ter pólos criativos por estes lados. Entre a organização de festas e os lançamentos de discos, a Kaos Records afirmou-se como "a" casa dos principais lançamentos de nomes de uma geração de DJs e produtores que chegaram inclusivamente a conhecer visibilidade internacional, quer em lançamentos (alguns deles via Tribal Records) quer em artigos de imprensa. De resto, à conta do trabalho de António Cunha, da Kaos e dos que seguiram depois os seus passos, a música de dança portuguesa chegou mesmo a conhecer um "momento" em meados dos noventas (um dos artigos internacionais chegou a falar então num "paraíso chamado Portugal").

Pela Kaos Records António Cunha lançou discos de nomes como os Underground Sound of Lisbon (dupla que juntava DJ Vibe e Doctor J), Luís Leite, The Ozone, Urban Dreams, entre muitos mais. Entusiasmado com os novos lançamentos, lembro-me das muitas vezes em que o António Passava por Lisboa, entregando-me em mãos os novos máxis que ia editando. Pediu-me um texto para integrar a compilação Totally Kaos, a primeira que a editora lançou, em 1994. Foi o primeiro texto que fiz para um disco e nunca o esqueci. O António foi uma força maior no panorama da música de dança entre nós e um dos responsáveis pela forma como o meio evoluiu nos anos 90. Deixou-nos agora.

"Libération": a escrita como ilustração

2012-01-14T23:46:00.000Z

As convulsões dos "mercados" (essa palavra que todos utilizam e quase ninguém questiona) têm sido tratadas, sobretudo, através de um jornalismo extremista, de raiz televisiva. Basicamente, massacram-nos a inteligência: "Deixem-se morrer porque o apocalipse é irreversível." Logo a seguir abrem intervalo para publicidade e segue-se a telenovela...

Apesar de tudo, ainda há quem, pelo menos, não menospreze as virtudes da imaginação. Assim acontece com a manchete da edição de fim de semana (14/15 Jan.) do jornal francês Libération. Ou seja: a notícia da perda da classificação AAA para a economia francesa é tratada como um espantoso acidente de escrita — em boa verdade, ilustrar é apenas outra forma de escrita.

A IMAGEM: George Hurrell, 1937

2012-01-14T20:06:00.000Z

GEORGE HURRELL
Ann Sothern, 1937

Karl Lagerfeld no Hotel du Cap

2012-01-14T17:01:00.000Z

Foi num lugar envolvido pelas memórias mitológicas do Festival de Cannes — Hotel du Cap Eden Roc — que Karl Lagerfeld realizou o seu mais recente portfolio. Tema: a colecção Primavera/Verão de pronto a vestir da Chanel. Ambiência: uma imponderabilidade dos corpos femininos, feita de energia e desconcertante ligeireza. A preto e branco, comme il faut.

Ricky Gervais regressa a Hollywood

2012-01-14T14:33:00.000Z

De que falamos quando falamos dos Globos de Ouro? Para muitas descrições (!) jornalísticas (?), apenas da "antecipação" dos Oscars... Obviamente, tais discursos existem num universo de tão cegos automatismos que ignoram até a mera estatística dos premiados ao longo das últimas décadas. Além do mais, estamos perante uma escolha que, melhor ou pior, reflecte um sector específico da imprensa em Hollywood (actualmente, a Associação da Imprensa Estrangeira tem 88 elementos votantes), impossível de comparar, seja no plano estatístico, seja no valor simbólico, com a Academia das Artes e Ciências Cinematográficas de Hollywood (com cerca de 6 mil membros).

Dito isto, vale a pena referir que os Globos (madrugada de domingo para segunda) conseguiram, na pessoa de Ricky Gervais, um misto de elegância e insolência, não necessariamente por esta ordem, que se impôs como eficaz marca mediática. O criador de The Office vai regressar como apresentador e, para já, surge numa delicioso cartaz do evento, sugerindo o teste a que será exposta a sua ousadia discursiva. É uma boa ironia para um evento em que a noção clássica de cinefilia ocupa um lugar cada vez mais discreto.

[agradecemos o mail de Ricardo Oliveira]

Bel Canto, 1990

2012-01-14T11:22:00.000Z

Esta semana recuperámos aqui, como disco pe(r)dido, o álbum Birds of Passage, que os noruegueses Bel Canto lançaram em 1990. Hoje recordamos o teledisco que acompanhou então o lançamento do single com o tema que dava então título ao álbum. Juntamente com o anterior White Out Conditions e Shimmering Warm and Bright, lançado logo depois, este álbum retrata o período musicalmente mais marcante da obra de uma das mais interessantes forças musicais (departamento pop) alguma vez nascidas na Noruega.